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塔比塔·雷扎尔无限渴望以人类的形态体验自身。她以艺术家、信徒、瑜伽修行者、助产师和农民等职业作为路径，以在自身和更广泛的地方彰显神性。作为一个永恒的探索者，塔比塔对“连接”的渴望在她的跨维度实践中得到了表达，这些实践将有机的、电子的和精神的网络科学视为治疗技术，以服务于心灵意识的转变。   她深入挖掘科学的想象力和神秘领域，拥抱数字的、肉体的和祖先的记忆，以解决影响身心的殖民创伤和能量失衡的问题。通过屏幕界面和治疗循环，她的作品旨在培养人类集体成长和团结的能力。塔比塔在法属圭亚那的卡宴市附近创作，她正在那里孕育AMAKABA中心——其愿景是在亚马逊森林中进行集体疗愈。塔比塔致力于成为世界的母亲。她的作品被广泛分享于全世界的美术馆，包括：巴黎蓬皮杜艺术中心、巴黎东京宫、圣保罗艺术博物馆、伦敦蛇形画廊、纽约现代艺术博物馆、纽约新美术馆、柏林的马丁－格罗皮乌斯博物馆、莫斯科现代艺术博物馆、芝加哥当代艺术博物馆、伦敦当代艺术学院、伦敦的维多利亚和阿尔伯特博物馆、丹麦国家美术馆、洛杉矶布洛德博物馆、纽约MoCADA、伦敦泰特现代美术馆、巴黎现代艺术博物馆，并曾在上海、广州、高知、雅典、柏林和悉尼的国际双年展上展出。

 

 

艺术家个人网站首页

图片来源 https://tabitarezaire.com/

 

 

塔比塔的祝福，艺术家个人网站截图

图片来源 https://tabitarezaire.com/prayer

 

 

塔比塔参与的社群合作项目，艺术家个人网站截图

图片来源 https://tabitarezaire.com/prayer

 

《潮汐深处》探索跨洋网络，研究水作为通信传导界面的政治和技术影响。从光纤电缆到沉没的城市、淹没的遗体、隐秘的航海历史和不容侵犯的信号传输，海洋是一系列复杂的通信网络的家园。随着现代信息和通信技术（ICT）在西方生活方式中变得无处不在并重新塑造全球化，进一步实现西方的统治，我们迫切需要了解塑造它们的文化、政治和环境力量。纵观承载和传输数字数据的海底光缆基础设施，我们会震惊地发现，这些光缆是铺设在殖民时期的航运路线道上的。海底掩盖了现代性的暴力行径，再次成为痛苦而又庆祝进步的界面。

 

 

 

塔比塔·雷扎尔，《潮汐深处》，2017，曲屏HD影像，19分15秒，影像静帧，图片由艺术家提供

 

《潮汐深处》将海洋作为黑人知识和技术的墓地进行导航。从亚特兰蒂斯到“中间通道”，或目前淹没在地中海的避难者，海洋深渊承载着痛苦、失落的历史和记忆，同时也为我们当前的电信提供了全球基础设施。互联网强加于非洲乃至更广泛的黑人的暴力，是否存在于其物理结构中？研究表明，水具有记忆和复制信息的能力，并通过其水流传播信息。我们这个世界的水蕴藏了哪些数据？除了创伤之外，水还隐藏着无数深奥的秘密：从有争议的起源，美人鱼、水神和蛇神等神秘的海洋生物，到水生猿人理论，以及在许多宇宙论中受到推崇的神圣水精灵。

 

 

 

塔比塔·雷扎尔，《潮汐深处》，2017，曲屏HD影像，19分15秒，影像静帧，图片由艺术家提供

 

 龙星如

 

最开始接触到塔比塔的作品时，我好像迅速在脑海中对她进行了一种分类（比如“网络艺术美学”），但随着对她的逐渐了解，包括知道她会自称为“艺术家—疗愈者—寻找者”，我意识到或许最适合用来形容她的创作的词是：自在。塔比塔对于不同类型的图像（从科学图像到CG制图再到手绘）的使用是非常自然和自由的，似乎并没有刻意去精细编排它们，这使得给她的片子通常会超出观众的意料。

 

 

塔比塔·雷扎尔，《潮汐深处》，2017，曲屏HD影像，19分15秒，影像静帧，图片由艺术家提供

 

可能因为我自己很喜欢阿丝特莉达 · 奈曼尼斯 （ Astrida Neimanis ） ，伊莎贝尔 · 思腾格斯（ Isabelle Stengers ） 和凯伦 · 巴拉德（ Karen Barad ）等比较女性主义视角的写作，我比较能够共鸣《潮汐深处》的叙事方式，她既提出了我们的通信系统和历史中的殖民路线之间的堆叠关系——影片中出现的印象最深的一句话是“光缆是新帝国主义的硬件”，其次是“在过去鲨鱼袭击殖民者的船只，而今天鲨鱼热爱啃噬海底光缆”；又讨论了互联网的结构性问题以极其物理的、地理的方式被固定下来时，可能存在的种种危险。有趣的是她似乎并不希望仅仅去批判，或者说用我们很熟悉的那种语言去批判，而是正如塔比塔会自称“疗愈者”一样，在整部影片中，在她对于“水”作为一种技术、一种界面和一种通信接口的想象中，在对于我们和“水”的种种关系的描绘中，有一种温柔的、有希望的、原始的能量。

 

 

“山海运算，域间路由”展览现场，2023，长征空间，北京

 

 武子杨

 

我第一次看到塔比塔的《潮汐深处》时，其实持有怀疑的态度。我一开始认为它又是一个在当今西方语境下十分流行的讨论身份政治和新殖民主义的作品——这个事情本身可能是没有错的，但我会特别警惕这样的作品在如今的非西方语境下（比如在中国展出时）它所传达的信息是否会过于单一，甚至变成了再一次的“殖民”。

 

 

塔比塔·雷扎尔，《潮汐深处》，2017，曲屏HD影像，19分15秒，影像静帧，由艺术家提供

 

我认为艺术作品应该保有足够的复杂性。但当我一遍又一遍地观看《潮汐深处》后，我觉得这个作品很妙的地方在于，它前一秒非常直接地用画外音严肃地批判现实，比如原作中说“电子殖民主义是指西方国家对数字技术的统治和控制”，“互联网再现了西方线下的种族、经济、政治和文化暴力和统治”等；下一秒又出现了流行元素（比如emoji、meme和流行歌曲）；数字媒体/软件中的“水”（比如3D软件Maya里的各种“水”的模拟应用），以及带有神话色彩的部分（人鱼、水神和蛇精），把本身看似已经非常确凿和直接的信息“柔化”和复杂化。作品中，我触动最深的一刻应该还是当艺术家并置了三条完全相同的神奇三角路线：今天的海底光缆，19世纪的铜质电报电缆，和殖民时代使用烟草和大米交换黑人奴隶的航运路线，都是完全重合的由非洲、北美和欧洲构成的三角形，历史或许从未改变过。

 

 

“山海运算，域间路由”展览现场，2023，长征空间，北京

 

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Villiam Miklos Andersen

德国

2022

 

 

“为性别、身份和社会角色的更广泛对话作出贡献。”

 

 

Q：何时将亚克力材料纳入你的创作系统的？你认为亚克力材料在当代艺术中的审美意义和表现价值是怎样的？

 

A：大约五年前，我开始对使用亚克力材料创作非常感兴趣，从那时起，我就将它纳入我的创作过程中。我坚持使用这种材料有几个原因：首先，它为我提供了很多基于矢量制作技术的处理机会。此外，亚克力是一种现代材料，可以在公共空间中找到它，这增加了我的作品的相关性。目前，我正在尝试一种现代的镶嵌技术：使用亚克力与各种类型的木材组合进行创作。

 

Q: When did you become interested in working with acrylic and what led you to incorporate it into your creative process?

 

A: I became interested in working with acrylic material approximately five years ago, and since then, I have incorporated it into my creative process. There are several reasons why I continually use this material. Firstly, it provides me with numerous opportunities for processing through vector-based production techniques. Additionally, acrylic glass is a contemporary material that can be found on many surfaces in the public space, which adds relevance to my work. At present, I am experimenting with a modern tarsia technique, where I create mosaics using acrylic glass in combination with various types of wood.

 

 

Consignment № 2 (a 1838-2021-snapshot: FOMO intensifies), 120×210×80cm, Print and crayon on canvas, acrylic glass, mirror foil, plywood (poplar), oak wood, LED tube, ceramics, battens (spruce), EUR pallet, plastic foil, brackets, screws, acrylic nuts and bolts, 2021,©Villiam Miklos Andersen

 

Q：亚克力雕塑和摄影的呈现方式会相对单一，什么原因选择这两种创作方式的结合？

 

A：亚克力和摄影的展示方法通常都是单一的。不过，在我的作品中，我故意将这两种艺术媒介结合起来。在创作雕塑时，我会将更加新颖的激光切割和数控雕刻等现代方法与传统的凹版印刷和绘画等技术相结合。这种技术的结合使我感知到现代标准化生产形式和工作生活中个人之间的触手可及的联系。

 

Q: Presentation methods of acrylic sculpture and photography tend to be relatively singular. What reasons influenced your decision to combine these two artistic mediums in your work?

 

A: The presentation methods of acrylic sculpture and photography often follow a singular approach. However, in my work, I have made the deliberate decision to combine these two artistic mediums. When creating my sculptures, I incorporate newer computerized methods like laser cutting and CNC alongside more traditional techniques such as intaglio printing methods and drawing. This combination of techniques reflects my fascination with the duality I perceive between contemporary standardized forms of production and the personal, tactile nature of surfaces in modern working life.

 

 

November 十一月, SIMULACRA拟像, 北京，2023

 

Q：分享一下双北极星系列的摄影部分采用的新技术的独特之处，这种技术对于摄影实践和创作过程有何影响和挑战？

 

A：双北极星（Double North Star）系列作品采用了独特的印刷技术，这为此作品增加了独特的品质。在这个系列中，我采用了一种叫做凹版半色调数字印刷的技术。这个过程是将感光箔涂在铜板上，然后用手工涂墨。是数字生产和传统方式的有趣结合，每个印刷品都是独一无二的，需要手动重新涂墨。

 

这个系列中，我展示了我在不同工作场合中拍摄的个人照片。重点捕捉工作环境中亲密关系和人际关系的时刻，而不仅仅着眼于生产方式本身。我很欣赏这种图形化的制作模式，它重新引入了一种质感，让人联想到数字照片拍摄的那一刻。

 

Q: Could you share the uniqueness of the new print technique used in the series of works Double North Star? How does this technology impact and pass views of your photography practice and creative process?

 

A: The series of works titled “Double North Star” incorporates a unique print technique, which  adds a distinctive quality to the graphic paper works. In this series, I utilize a print technique known as Intaglio type digital half tone print. This process involves applying photosensitive foil to a copper plate, which is then manually inked by hand. It is an intriguing blend of digital and analogue production, where each print is one-of-a-kind, requiring the plates to be re-inked manually for every print.

 

For this particular series, I feature personal photos depicting various working situations I have experienced. The emphasis lies on capturing intimate and relational moments within the context of the work domain, rather than solely focusing on the mode of production. I appreciate how the graphic mode of production reintroduces a textured quality to the presentation, reminiscent of the moment the digital photos were taken.

 

 

Double North Star (back view) 60×80cm, Intaglio type digital halftone prints, acrylic glass, museum glass,acrylic nuts and bolts, 2023, ©Villiam Miklos Andersen

 

Q：如何平衡观念与审美在作品中的表达？是否有意探索传统美学标准和艺术界的观念框架？

 

A：在我的艺术作品中，思想和美学之间的平衡与作品的物质性和所探讨的主题有较深的联系。作为一个雕塑家，我善于在历史和重大主题中找到艺术创作的价值。

 

在我的创作中，我将物品看作是集体物质性的储存方式。通过装置，我强调这些物体留下的痕迹，并强调它们与历史和政治选择的联系。我的作品通常由层层叠加的构图、拼贴或较多的装置组成。通过纳入可识别的日常物品，我不仅挑战了艺术品本身的客体化，而且强调了它固有的集体性。

 

在主题层面上，我的艺术实践是在个人日常生活领域和复杂的物流结构中发展起来的。作品中的子元素就像雕塑游戏中的零件一样被添加和制作，通过物体、空间背景、复杂的物流和个人欲望之间的关系呈现。

 

Q: How do you balance the expression of ideas and aesthetics in your artwork? Are you intentionally exploring traditional aesthetic standards and having the ambition to challenge established concepts?

 

A: The balance between expressing ideas and aesthetics in my artwork is deeply interconnected with the materiality of the works and the themes they explore. As a sculptor, I find great value in the historical and thematic significance of the materials I utilize in my artistic creations.

 

In my artistic practice, I approach objects as repositories of collective materiality. Through installations, I highlight the traces left by these objects and emphasize their connection to historical and political choices. My works often consist of layered compositions, collages, or installations rich in objects. By incorporating recognizable everyday objects, I not only challenge the objectification of the art object itself, but also emphasize its inherent collectivity.

 

On a thematic level, my artistic practice evolves from the encounter between structural and logistical complexities and the realm of the personal and everyday. The sub-elements within my works are added and crafted like pieces in a sculptural game, emerging through the relationships between objects, spatial context, logistical complexities, and personal desires.

 

 

Consignment № 13 (Earthly Delights), 120×185×80cm, Acrylic glass, intaglio type digital halftone print, oak wood, plywood (poplar), battens (spruce), acrylic nuts and bolts, EUR pallet, brackets, screws, 2021, ©Villiam Miklos Andersen

 

Q：简单介绍下“The Pawn Shop”这个项目，在卡塞尔文献展上是一个怎样的呈现，与这次展览的作品是否有一定的相关性？

 

A：“The Pawn Shop”是一项探索个人物品、价值体系和伪商业模式的艺术研究工作。在卡塞尔第十五届文献展上，它采用了一个真实当铺的形式。我与建筑师Lauge Floris和艺术家M.B. Pedersen合作创作了这个装置，以三位艺术家装扮成当工人，在开放时间内经营当铺为特色。

 

在100天的展览过程中，“The Pawn Shop”演变成一个与当地社区合作和接触的平台。该装置促进了讨论、表演、音乐会和其他互动活动，并与卡塞尔及其周边地区的30多个地方的倡议者合作。

 

谈到目前在SIMULACRA的展览，“The Pawn Shop”和展出的艺术作品之间有一些联系。例如，“The Pawn Shop”项目深入研究了个人物品和价值体系的主题，这与在SIMULACRA展出的艺术作品产生了共鸣。在SIMULACRA展出的艺术作品中，有 "公共建筑 "系列中的19世纪公共卫生间的亚克力雕塑，“双北极星”系列中被转化为凹版数字印刷的个人照片，以及描述19世纪角落防尿器复制品的雕塑。这些作品和其他作品一起，探索历史框架、个人叙事和日常物品的重新定义的语境。

 

虽然在SIMULACRA展出的艺术作品可能没有直接提到“The Pawn Shop”项目，但这两个展览有共同的主题和创作方法。两者都强调了对物品、价值体系和历史背景的探索，为观众提供了关于物质性和社会构造的发人深省的观点。

 

 

November 十一月, SIMULACRA拟像, 北京，2023

 

Q: Could you provide a brief introduction to 'The Pawn Shop' project and its presentation at the Documenta Fifteen exhibition in Kassel? Does it relate to the artworks showcased in the current exhibition at Simulacra?

 

A: The Pawn Shop project was conceived as an artistic research endeavor exploring personal objects, systems of value, and pseudo-business models. Presented at the Documenta Fifteen exhibition in Kassel, it took the form of an actual pawn shop. Collaboratively created with architect Lauge Floris and artist M.B. Pedersen, the installation featured the three artists dressed as pawnshop workers, operating the shop during its opening hours.

 

Over the course of the 100-day exhibition, 'The Pawn Shop' evolved into a platform for collaboration and engagement with the local community. The installation facilitated discussions, performances, concerts, and other interactive events, partnering with over 30 local initiatives from Kassel and its surroundings.

 

Moving to the current exhibition at SIMULACRA, there are connections that can be drawn between 'The Pawn Shop' and the showcased artworks. For instance, 'The Pawn Shop' project delves into themes of personal objects and systems of value, which resonate with the artworks presented at SIMULACRA. Among the artworks featured at Simulacra, there are acrylic glass sculptures of 19th-century public urinals in the 'Public Establishments' series, personal photos translated into intaglio type digital prints in the 'Double North Star' series, and a sculpture depicting a reproduction of a 19th-century urine deflector. These works, along with others, explore historical references, personal narratives, and the re-contextualization of everyday objects.

 

While the specific artworks at SIMULACRA may not directly reference 'The Pawn Shop' project, there are shared themes and approaches that link the two exhibitions. Both emphasize the exploration of objects, value systems, and historical contexts, providing viewers with thought-provoking perspectives on materiality and societal constructs.

 

 

The Pawn Broker, documenta fifteen, Kassel, 2022

©Villiam Miklos Andersen

 

Q：在你最近的系列作品中，探讨了现代男性主导的工作环境的主题。你能阐述一下强调敏感、关怀和有意义的审美时刻的潜力背后的目的和意图吗？这种审视模式是否意味着对这些环境的批判性观察或反思？

 

A：作为一个在农村长大的酷儿，我一直对不同社会阶层和背景的工作得到不到成比例的认可感兴趣。作为一个雕塑家，我旨在深入这些主题和矛盾之中。在我最近的一个系列作品中，我探讨了物流业中男性占主导地位的工作环境，重点是关系、欲望、短暂性和供应链等方面。

 

我的作品研究的核心内容之一是调查供应链以及支撑它们的网络。例如，我在SIMULACRA展出的 "双北极星 "系列中，我展示了我在瑞典基律纳的世界上最大的地下铁矿周围进行研究的照片，以及相关的铁路网络延伸到有极地景观的挪威纳尔维克的铁港口，在那里材料被运到全球。

 

目前，我还在从事对全球各种食品配送中心的长期探索，如布朗克斯区的亨茨角配送中心和巴黎的隆吉国际市场。

 

通过研究供应链，我还在深入研究它之间的关联性以及集体劳动形式，同时也认识到物流业中工作群体固有的男性主导的性质。我很好奇供应链内工作方法的标准化和优化与产品的同质化之间的交叉点。通过我的作品，我试图探索这些联系及其美学意义，并推测类似的规范性思维可能主导这两个领域。作品在强调男性主导的工作环境中敏感、关怀和有意义的审美时刻，是为了对这些环境提供一个批判性的观察和反思。通过揭示这些动态，我希望挑战社会规范，促进对话，并探索围绕劳动、权力和我们与工作世界的关系的其他叙事。

 

 

Double North Star (Royal Diner), 60×80cm, Intaglio type digital halftone prints, acrylic glass, museum glass,acrylic nuts and bolts, 2023, ©Villiam Miklos Andersen

 

Q: In your recent series of works, you have explored the theme of modern male-dominated work environments. Could you elaborate on the purpose and intention behind emphasizing the potential for sensitivity, care, and meaningful aesthetic moments? Does this mode of scrutiny imply a critical observation or reflection on these environments?

 

A: As a queer person who grew up in the countryside, I have long been intrigued by the disproportionate recognition of different types of work based on social class and context. As a sculptor, I aim to engage with these themes and the contradictions they present. In my recent series of works, I have explored the concept of male-dominated work environments within the logistics industry, focusing on themes of relationships, desire, transience, and supply chains.

 

One of the central aspects of my artistic research is the investigation of supply chains and the networks that underlie them. For instance, in my 'Double North Star' series exhibited at SIMULACRA, I present photographs from my research conducted around the world's largest underground iron mine in Kiruna, Sweden, and the associated railway network stretching across the polar landscape to the iron harbor in Narvik, Norway, where the materials are then shipped globally.

 

Additionally, I am currently engaged in a long – term exploration of various food distribution centers worldwide, such as the Hunts Point Distribution Center in the Bronx and the Marché International de Rungis in Paris.

 

By examining the supply chain, I am delving into the interconnectedness and collective labor that it represents, while also recognizing the inherent male-dominated nature of working communities within the logistics industry. I am intrigued by the intersections between the standardization and optimization of working methods within the supply chain and the homogenization of products to fit seamlessly into its loop. Through my work, I explore these connections and their aesthetic implications, postulating that similar normative thinking may dominate both fields.

 

In emphasizing the potential for sensitivity, care, and meaningful aesthetic moments within male-dominated work environments, my intention is to offer a critical observation and reflection on these environments. By shedding light on these dynamics, I hope to challenge societal norms, prompt dialogue, and explore alternative narratives surrounding labor, power dynamics, and our relationship with the world of work.

 

 

Double North Star (Bar Cock), 60×80cm, Intaglio type digital halftone prints, acrylic glass, museum glass,acrylic nuts and bolts, 2023, ©Villiam Miklos Andersen

 

Q：在您探索现代男性主导的工作环境时，是否有意识地考虑了性别、身份或社会角色这些因素对个人生活和社会组织的影响？

 

A：是的，在我对现代男性主导的工作环境的探索中，性别、身份和社会角色是必不可少的考虑。我在有意识地研究这些因素对个人生活和社会组织的影响。

 

通过关注男性主导的行业，如物流业，我旨在阐明在这些工作环境中发挥作用的性别关系。通过我的艺术研究，深入探索了社会规范和期望如何塑造性别身份并促成权力失衡的复杂性。

 

我通常对质疑与行业相关的传统男性观念特别感兴趣。我的目标是探索在工作内外，这些期望是如何影响个人的经验、关系和生活的。

 

此外，我对性别和身份的探索还延伸到更广泛的社会角色及其对社会组织的影响。我试图了解根深蒂固的性别角色和期望是如何影响男性主导行业内的集体劳动的。通过审查这些方面，我希望促进对性别平等、社会公正以及需要包容和多样性的工作环境的批判性讨论。

 

通过我的艺术实践，我旨在为性别、身份和社会角色的更广泛对话作出贡献，促进对男性主导工作环境中个人面临的复杂性和挑战的更深入理解。

 

 

November 十一月, SIMULACRA拟像, 北京，2023

 

Q: In your exploration of modern male-dominated work environments, are you consciously considering the influence of genders, identity or social roles on personal lives and social organization?

 

A: Yes, within my exploration of modern male-dominated work environments, gender, identity, and social roles are essential considerations. I am consciously examining the influence of these factors on both personal lives and social organization.

 

By focusing on male-dominated industries such as the logistics sector, I aim to shed light on the gender dynamics at play within these work environments. Through my artistic research, I delve into the complexities of how societal norms and expectations shape gender identities and contribute to power imbalances.

 

I am particularly interested in questioning and challenging traditional notions of masculinity that are often associated with these industries. I aim to explore how these expectations impact individuals' experiences, relationships, and personal lives, both within and outside of work.

 

Furthermore, my exploration of gender and identity extends to examining broader social roles and their impact on the organization of society. I seek to understand how entrenched gender roles and expectations influence the collective labor and dynamics within male-dominated industries. By scrutinizing these aspects, I hope to encourage critical discussions about gender equity, social justice, and the need for inclusive and diverse work environments.

 

Through my artistic practice, I aim to contribute to a broader dialogue on gender, identity, and social roles, fostering a deeper understanding of the complexities and challenges individuals face in male-dominated work environments.

 

 

Consignment № 5 (The Portal), 120×210×80cm, Acrylic glass, oak wood, plywood (poplar), battens (spruce), EUR pallet, brackets, screws, acrylic nuts and bolts, 2021, ©Villiam Miklos Andersen

 

Q：你的作品中呈现的庞大系统网络给观众传达了什么？

 

A：在我的作品中，我运用各种技巧和概念描绘了广泛系统网络和生产优化对个人生活的影响。通过视觉表现出相互的关系和象征意义，我试图引发对现代社会组织、劳动模式和人际关系的深思熟虑。激发对这些系统后果的批判性反思，以及促进解决这些问题的方案的讨论。

 

Q: What does the vast network of systems presented in your work convey to the viewer?

 

A: In my artworks, I depict the impact of vast systemic networks and relentless optimization on individual lives using various techniques and concepts. Through visual representations of interconnected networks and symbolism, I aim to evoke contemplation about modern social organization, labor patterns, and interpersonal relationships. My intention is to spark critical reflection on the consequences of these systems and stimulate conversations about alternative approaches to these issues.

 

 

Umsteigemöglichkeit, Kunsthal Aarhus, Denmark & Aarhus, 2020

©Villiam Miklos Andersen

 

Q：你在接下来的实践有新的想讨论的问题吗？

 

A：我很高兴能在SIMULACRA展览的基础上探索新的主题和问题。这是第一次，我通过制作一系列的 "公共建筑 "来重塑公共空间的历史结构，其中的亚克力雕塑代表了在哥本哈根发现的公共卫生间。通过这个系列，我以一种酷儿视角看待我的作品，寻求挑战并重新思考公共空间中被忽视的元素。这个主题和艺术形式使我产生了很强的共鸣，我打算在我未来的雕塑作品中进一步发展和探索它们。

 

Q: Do you have any new topics or questions to explore in your upcoming artistic practice?

 

A: I am excited to explore new topics and questions that build upon the exhibition at SIMULACRA. For the first time, I recreated historical structures from public spaces by crafting a series of Public Establishments,' which feature acrylic glass mosaics representing public urinals found in Copenhagen. Through this series, I approach my work with a queering perspective, seeking to challenge and reimagine neglected elements of public space. This theme and artistic form have resonated strongly with me, and I intend to further develop and explore them in my future sculptural works.

 

 

November 十一月, SIMULACRA拟像, 北京，2023

 

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▲第14届上海双年展LOGO

 

上海双年展组委会欣然宣布即将举行的第14届上海双年展的更多细节，以及共同实现此次展览的策展及主要工作团队。

 

我们自古观察苍穹来理解自己，正如我们观看投射着过去与未来的电影银幕。以“Cosmos Cinema 宇宙电影”为题，第14届上海双年展将为观众提供一个时空，让人们置身其中，思考宇宙的运作以及我们在其中的位置。Cosmos一词的希腊语词源不仅意味着宇宙，也意味着美与和谐。而汉语的“宇宙”则是无限的时间和空间的意思，与电影有着强烈的共鸣。

 

无论是有意间，对于星丛的解释造就了我们的起源故事，信仰，时间体系，经济，导航方式，农业，科学和社会秩序；还是无意间，潮汐运动或太阳耀斑的种种作用。宇宙塑造了我们生活的方方面面，“宇宙电影”将探讨我们与宇宙的关系如何影响芸芸众生。电影的原理，也就是光与影，以及与图像的历时性相遇，人类不也是这样体验宇宙的吗？亚历山大·克鲁格（Alexander Kluge）表示宇宙是最初的电影，在宇宙中所有过去的事件都以“光的轨迹”形式储存。安德烈·巴赞（André Bazin）则认为电影“还没有被发明出来”，因此蕴含无限可能。将分别回顾过去、探讨未来的二者视角结合，“宇宙电影”不仅把电影看成一种叙事媒介，而更是将它视作一种宇宙现象，这种现象有可能改变我们对宇宙的理解从而调整我们在其中的位置。

 

而正如对繁星的解读多种多样，展览中的作品也采用多种形式与创作方法。它们反思不同的宇宙学说和微观现实，并指向人类与天地互动以及理解宇宙的不同途径。这些思考似乎都发自类似的发问：我们如何融入这个统治时间与空间的系统？同一规则在不同的尺度上都适用吗？我们对宇宙的理解如何改变我们在地球上的行为？我们如何与彼此，与地球上的非人类物种，乃至与地外生命共存？

 

“宇宙电影”提议：从古至今对宇宙的思考或许可以帮助我们对抗这个时代特有的异化：人与人彼此的异化、与自然的异化，甚至与时间本身的异化。毕竟我们的世界没有一个部分能够脱离太阳、月球和其他天体的影响，因此，第14届上海双年展希望表达这样一个观点：理解天地宇宙可激发以更为复杂的方式思考当今世界面对的愈加错综棘手的多重挑战。

 

虽然我们共处同一星空下、同一屏幕前，这并不意味着我们一模一样，本次参展作品的多样性将证明这一点。每种文化对宇宙都有不同的解释，并基于这些解释，建立起与之相应的哲学体系。我们都敬畏苍穹，却各自生发出与之相异的关联。从探索外太空的冲动到对意识起源的反思，“宇宙电影”将呈现广泛而丰富的提议与回应，并通过雕塑、电影、装置、行为和绘画等形式呈现。

 

来自中国与世界各地的艺术家们将探索这些历史，反映上海作为世界性的大都市和电影中心的地位，也体现中国与宇宙之间深厚的哲学和艺术渊源。展览“宇宙电影”希望为这一传统贡献一己之力。

 

第14届上海双年展策展及主要工作团队介绍

 

主策展人安东·维多克（Anton Vidokle）集结了非凡的策展及主要工作团队，他们将共同致力于实现此次展览。参展艺术家名单将于近期公布。

 

主策展人

 

 

▲安东·维多克在展览“不期而遇”现场，拉脱维亚当代艺术中心，2019年

摄影：玛格丽塔·奥戈切娃

 

经上海当代艺术博物馆学术委员会审慎决议，安东·维多克（Anton Vidokle）被任命为第14届上海双年展主策展人。

 

安东·维多克在纽约生活与工作，并在那里创立了e-flux和“宇宙研究所”。关于第14届上海双年展的主题，他说：“人类自古便有仰观天空的传统，并相信世间人事与天际星象间存在某种联系。对天象的理解奠定了我们的起源传说、宗教信仰、时间体系、定位导向、务农历法、科学技术、社会宗法以及其他人类生活秩序的方方面面。天象对于非生命体的约束同样无所不在：万物的运作皆在太阳、月亮与诸天体的节律下进行。第14届上海双年展将围绕艺术家对天人关系的思考展开，深入探究宇宙对人类生活的启发与制约。上海这座城市与这一主题之间的联系不言而喻，不仅因为中国的哲学和艺术深受宇宙思考的影响，也因为上海在历史上承担着沟通东亚与世界的桥梁角色；更因这座城市本身正在作为中国迅速发展的民用航天产业的枢纽之一，迈向太空。”

 

安东·维多克1965年出生于莫斯科。1979年，他开始跟随苏联亚美尼亚艺术家康斯坦丁·卡拉米扬学习绘画。1981年，他随父母移民美国并在纽约视觉艺术学院完成学业。维多克最早在2012年与鲍里斯·格罗伊斯与伊利亚·卡巴科夫的对话中接触到宇宙主义的思想。他在之后前往西伯利亚、哈萨克斯坦等前苏联地区追寻宇宙主义科学家、思想家和艺术家留下的遗迹，并完成了七部基于尼古拉·费多罗夫、瓦西里·切克里金、瓦莱里安·穆拉维夫、亚历山大·斯维亚托戈尔和弗拉基米尔·维尔纳茨基等宇宙主义作者著作的短篇影像。维多克在e-flux上发起了有关该主题的重要历史文本的翻译以及当代艺术写作。他与阿森尼·日利亚耶夫共同创办了“宇宙研究所”，一个宇宙主题的在线出版计划与开放档案。维多克曾在许多国际展览、艺术节及机构展出，其中包括第12届卡塞尔文献展、威尼斯双年展、上海双年展、柏林电影节、洛迦诺电影节、光州双年展、台北双年展、横滨三年展、蓬皮杜中心、泰特现代美术馆、特列季亚科夫画廊、安特卫普当代艺术博物馆、索菲亚王后国家艺术中心、首尔国立现代美术馆、柏林世界文化宫和华盛顿特区国家美术馆。

 

策展人

 

向在荣教学、做研究、也策划展览。他的这些实践与神话及世界主义息息相关，并通过英、西、法、中及纳瓦特多语，在丰富的文化、历史情景及理论框架下展开。他在昆山杜克大学教授文学及艺术。他曾共同策划了如2021年广州影像三年展及2022年柏林世界文化宫的展览《仪式：埋葬这个未卒的世界》等展览及艺术项目。他写有专著《古怪之道》（Queer Ancient Ways: A Decolonial Exploration, punctum books），并正在完成第二本书“跨二论”（Transdualism）的写作。

 

哈莉·艾尔斯（Hallie Ayres）现居纽约，是一位研究学者和艺术史学家。她的写作见于e-flux的评论与期刊，并在布拉格美术学院授课。目前，她在宇宙研究所担任研究员，编辑《宇宙通报2021》（Cosmic Bulletin 2021）。哈莉·艾尔斯曾先后在世界各地负责协调多个展览与项目，并在纽约和土耳其等地制作多部实验电影。她现在担任e-flux的助理总监。

 

卢卡斯·布拉西斯基斯（Lukas Brasiskis）在e-flux担任电影与影像策展人，致力于通过定期放映、相关活动和线上项目等方式在学术鉴赏、策展和电影研究之间建立联系。他于2022年获得纽约大学博士学位，并在纽约大学和布鲁克林学院任教。他发表了大量关于移动影像的写作，担任《东欧电影与环境》（Cinema and the Environment in Eastern Europe, Berghahn Press）、《乔纳斯·梅卡斯：摄像机一直在运转》（Jonas Mekas: The Camera Was Always Running, Yale University Press）的联合编辑。

 

出版编辑

 

本·伊斯特汉（Ben Eastham）是一位现居雅典和伦敦的作家兼编辑。他是伦敦文学杂志《白色评论》（The White Review）的联合创办人，曾编辑关于艺术家和诗人的书籍，包括斯蒂芬·斯彭德（Stephen Spender）、法比奥·毛里（Fabio Mauri）以及路易斯·加姆尼泽（Luis Camnitzer）。他发表大量关于艺术和文学的写作，曾担任《艺术评论》（Art Review）的编辑和第十四届卡塞尔文献展的副编辑。他的第二部著作《想像中的博物馆》（The Imaginary Museum）是一部关于艺术和记忆的推理小说，2020年由哈珀·柯林斯出版社出版。他是e-flux评论版块的主编。

 

展陈设计

 

COLLECTIVE是一家从事建筑设计、室内设计和展陈设计的国际建筑工作室，总部位于香港，并在马德里设有工作室。COLLECTIVE汇集了拥有多元专业知识和广泛国际经验的人才，挑战以建筑师命名的建筑事务所现状。工作室目前由吴家莹、陈芷欣、胡安·明格斯（Juan Minguez）和林雪筠领导，与拥有国际背景的多元团队开展合作。

 

视觉设计

 

钱梦怡 & NONPLACE Studio

钱梦怡硕士毕业于耶鲁大学艺术学院平面设计专业，现任e-flux艺术指导。2022年与陈熙，毛楚容于上海共同创立NONPLACE工作室。他们探索不同的表达语言，包括但不限于装置，影像，虚拟体验，视觉设计等。他们希望以访问者的身份踏入不同的领域空间，促成跨学科的合作；并致力于在不同的群体，媒介和场域之间，创造实验性的体验。

 

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