多米尼加树蛙的歌声是狮子的三倍

展览现场

 

 

 怪力、次序、高频声音

 对谈人：张离、宣琛昊

 

 

张：我想听你谈谈你的体会。特别是工作过程，只有艺术家自己能够谈出来。

 

宣：对我来说这个体验是个复合性工作。同很多工种一样，它包含好奇心，也是脑力和体力的结合，情感和理性相互博弈。

 

张：你的作品对我来说也是非常新鲜的，打开了一个更深层的空间。进到展厅，如果用一般性的眼光看你的作品，就是“抽象表现主义”，很多激情、动作、色彩，很放得开的一种。那艺术家呢？感觉你不太关注完整性，或者是这幅作品有什么代表性。这样观众容易把它简单归类，然后一带而过。其实我们观看的方法应该更讲究：每个作品都有它的世界，它有从无到有的过程。所以首先应该把自己清空，设定它是一个唯一的存在，一个可以从中获取感受的对象。加上这个展览提供的线索：生物、地质或地球上的生命有关。在你的工作室你也介绍了作品是怎么诞生的，我觉得作品是一个动态的过程，有它自己的生命，不是挂到展厅就结束了，下一步公众要进入它。所以我想提一个问题：你的作品跟各个地域的生物有关，动物跟植物都感兴趣吗？跟动植物的大小有关吗？

 

宣：这个问题很有趣，我想从《仙女与牧人不再跳舞》来谈。它的分型结构来自于芹叶庬牛儿苗，芹叶牻牛儿苗的种子上长了一根很长的芒，干燥的芒卷成弹簧状。因为它的外侧细胞在吸水后会伸长，潮湿的芒会把自己顶直。种子落地后，随着外界湿度条件的变化，芒不断卷曲又伸直，种子就像螺旋打桩机一样钻入到地下。这种永动机式的技术也已上报至美国航天局用于太空探索。种子能量不断积攒等侯昆虫触碰的瞬间崩裂四射，飘散至牛身，他们的芒刺勾住皮肤，牛儿卷起舌头缓步前行，直到气流变化时落地生根。一生中他们只舞蹈一次，就像仙女和牧人。就像基督教文明里把耶稣比作牧人把信众比作羊一样，整个作品的成型也是一次象征性的写作，符号被建立，然后又被覆盖被分叉被推倒。如果非要去判断，我究竟对更微小的生物感兴趣，还是对大型的动物更感兴趣，我觉得我对如何排列组合他们形成新的对象感兴趣。艺术创作是造物主视角， 就像中国古代旷观一样，散点透视。当然，大部分作品我还是设置明确的对焦点的，只是我任意把它们放大或缩小后再次编辑了。

 

 

仙女与牧人不再跳舞，2023

布面油画，200x165cm

 

宣：事实上抽象画在这个时代，全球化发展包括一个文明衍进过程中的各种矛盾体，包括今天人类自身的新问题，可能已经不能有效表达了。抽象画更多的是情感和情境传递，我的工作是通过情感去释放这些线索和片段，观众能找到这些似是而非的形态。我喜欢费里尼多过库布里克，因为他提供的那些拆解及重新组装的片段更接近梦呓。中国人有这个文艺传统，就是强调诗性多过戏剧性，制造一个太虚幻境，并且与现实世界一一对应。《魔山》是一个狐狸脑袋的分型结构，特别邪魅，这里其实是一个绿脚印。我没有让所有元素完全模糊化，也拒绝传统抽象画的一团和气。我试图制造景别，也在意每一个手势的力度和幅度。《仙女与牧人不再跳舞》这张作品，还是有比较重的古典情怀的，像荡秋千的贵妇，也像库尔贝笔下的张开双臂横卧在画面对角线位置的女人体。我希望这种推拉的绘画过程能转换出足够的能量场，我希望能指的力可以强悍到一个维度，哪怕最终所指变得支离破碎。

 

 

魔山，2019-2023

布面油画，200x160cm

 

张：特别喜欢听你把讲述归结到绘画本身上面，就是在画的过程当中，颜色和笔触是如何上去的。单看画面的话，你的动作看来是非常果断、快速的，但实际上并不是整个过程都是在迅速的演变，不是随机性的释放。你是经过精心的推敲，然后让它演化，这个不容易直接看出来。画家对绘画的理解，对平面、色彩、笔触的认识，也是很决定性的因素。刚才你的介绍，让人一下子就能深入到绘画本质上面，就是颜色的应用，然后笔触、画面构造这些最内涵的东西。那么刚才提到的那个完整性，或者说完美性，只能在这个层次上探讨。然后可以讨论像题材、内容、形式这些延伸出来的东西，还有你开始的动机或者理由。你并不想做那种无论是外在的还是抽象的完美的形态。你关注了它的功能性，在生态里起到了的机制，就像刚才说的把种子带走，很有趣的一个机制。

 

谈到抽象，在我们今天的时代其实是可以不用提抽象了，抽象其实已经失去了它最原始的时候所包含的意义。从现代主义开始，抽象为什么引起了一个大的震动，或者被看成是一个创举，是因为它把形象去除了，不让观看者获得形象的识别。它的理论认为抽象抓住了世界本质的精神，认为外在的形象并不展现本质的精神，是抽象很伟大地把形象去掉了，提炼出的这个是世界本质的精神，所以叫Abstract（词源拉丁文是拿掉、去除）。随着认识的拓展，以今天我们对图像的理解，我们已经不认为抽象去除了形象，它去除的只是我们的眼睛习惯的形象。而更宏伟的宇宙空间，或者是更微观的显微镜下的世界，它都是形象的，这些东西抽象是去除不了的。所以面对经典的抽象画，可以认为它表现的是一个微观或宏观世界，像星云啊，正在形成恒星的那些，很壮观的那种景象，完全是一个在现实世界当中存在的一个形象。所以这个定义其实是已经失效的。

 

宣：是的。

 

 

多米尼加树蛙的歌声是狮子的三倍

展览现场

 

 

象等待春天的冰，2022

布面油画，200x160cm

 

张：所以不应该从外在形象和内在精神的两分法理解世界。任何从视觉接收的信息，都应该展开眼界和心怀去接受。所以可以不再介意具像还是抽象，有没有形象识别。这种分水岭的判断方法不见得是有用处的，或者说是获得更多收获的方法。绘画，相比其他媒介，它可能更单纯一些，元素少一些，对空间的要求也比较单一。最重要的是，它与身体直接相关，是身体的延伸。人画东西是一种本能活动，非常直接。在艺术家的思想上面，绘画跟其他的媒介是平等的，是等同的。它仍然可以包含着非常深厚的，有的时候是很极端的一些艺术理念、艺术思想。我想听你的想法，怎样才算完成？你是怎么让观看者进入的？

 

宣：我的母亲平时偶尔会关注一下我，我们不会对艺术做更深入交流，但她还是默默关心我，总会在各种渠道上看到我的作品。在她眼里会看到西兰花、芹菜、豆苗……她会问我最近是不是想吃这些素菜，她给我做。我在画面里会留出一些“画眼”，这里肯定是有视觉诱导的，就像协奏曲里需要行板。《猴面包树小姐》是很明确有一个画眼的，中心向外发散的。正中间位置的指狐猴在进食花蜜时会顺便捕捉巨鹰蛾。当它搞定蛾子时，皮毛上留下大量花粉，他们在树间跃动播种。在这个关系中，猴面包树小姐成为了最终赢家。这些图像最终拧巴在一块俏皮起来，晦涩其实是一种障眼法，观众习惯了可乐对冰块的刺激感，我更希望自己的作品是酒。图伊曼斯也提供一个图像，一个简陋的房间，观众是没感觉的。结果一看标题《毒气室》，这个时候，鸿沟会被填平吗？并没有完全被填平，观众依然需要文本。观众会好奇，好奇其实是一件好事，世界已经很难提供陌生感给我们。

 

像您刚才说的，冥冥中的一瞬，其实是一种高峰体验。生活和伟大的艺术之间往往存在着某种古老的敌意。我试图给出一些提示，所以有些作品看起来更激越热情，有些则魅影深邃，身边的植物有时也会直接入画。龟背竹的两片重叠的叶子放大撑满整个画布，如果你近距离观察这株植物，阳光从它的缝隙中穿过，和波粒二象性不同。在这里你可以看到一条酷似青龙脊柱的线，这一刻工作对我来说就是有效的。过去议题一直是去聊图像与身体政治身份等等，这些关联性，或者时代进程中事件正发生时的介入性原则。我觉得绘画这个媒介是否能够承载这些，不是看文本逻辑怎么说。对我来说，绘画其实就是一个精神性的情感交流过程。我的创作既不是完全开放性，也不是纯闭合性。因为纯闭合性必然需要一个叙事目标，必须把一个东西交代清楚，所以我强调说，我欣赏费里尼。

 

张：其实谈这个，围绕绘画谈论的话点到为止最好。就像你画画，太明确了就到头了，就没有想象空间了。

 

宣：是，像张老师说的。我觉得差异性跟模糊性比较重要。

 

 

猴面包树小姐，2022

布面油画，200x165cm

 

张：因为每个人都带着自己的认识来看作品，他可能会回想起什么，他会自己判断，去寻找那些跟他记忆相关的形态；每个人都有成长经历，比如我自己可能缺乏那种比较明确有预期的东西，在潜意识里就想去弥补，在画面上找规则和秩序性的东西。但我觉得这些价值对于你来说已经是天生和自然的，你反而要去发现更激情的东西。

 

宣：我的创作手札里写到一句话：蝙蝠不是用高频来联络，是用它来观察。我们通过观察，可以发现，离自己最近的最熟悉的东西，那个阈值会下降，然后它需要更鲜活的东西调动这种功能性。毒品就是安慰剂，让大脑平时不再分泌多巴胺。我觉得绘画创作对某一类艺术家也是这样的，虽然它反反复复，过程中包含了很多对于自身的折磨，但着实享受。一个优秀的艺术家，会推导出一种唯一路径，或者说是在某一个他的艺术的探索阶段，一种非如此不可的动作。就像在共生学的写作范畴里，作者需要找到那些相似形，譬如蜜蜂巢穴和冰晶的形状，兰花打开的一个又一个拟动物的表情包为驱赶天敌，都具备此时此刻的唯一性。

 

张：对，你只能这么画。更清楚或者更模糊都不对，会失去它的多义性。记得在你工作室的时候也提过关于内部世界和外部世界的问题。我们看到的东西无论物体或空间，都是外在的，像玻璃那样透明的东西在自然界是很少的，我们透过透明的空气看到的都是外在的。如果这个世界是设计过的，那就是设计出来给你看的；如果不说设计，那也是一种演化的结果。无论是宇宙演化或生物演化，它是过程当中的一个片段，在这时间点的一个结果。如果你深入这个事物的内部，内部其实不是设计出来给你看的，它就会让你惊讶，或者让你不认同，或者恶心，它能给你换脑筋了：比如动物内脏的颜色是你想象不到的，因为它不是给你看的，它呈现出的结果跟演化设计没有关系，不是用来提升外在形象的。这里面就有很多奥秘。如果你缩小视野，进入内部，进入微观世界，其实微观世界内外的划分已经失效了，或干脆把内外世界反转了。那么，这个世界是非常不同的，有可能会引导你去发现更深层的、真实的东西，而不至于永远停留在这个表象的世界中间。所以，一个对象在你面前，去真正的认识它，你可能要深入内部，要跟它去产生精神结合，光从外表上是达不到的。我感觉你是用画笔和颜色在触摸很多东西里面的结构，或者是里面的秘密。

 

宣：是的，也是因为好奇心，想看更多的。

 

 

求偶的舞蹈，2023

布面油画，90x60cm

 

张：所以不能只从外部形象的完整性来看待事物，需要深入其中。一个叶片，边缘有小锯齿，有叶脉，一切都很完美，它必须是这个样子，它有无穷的道理，但是它的生命是怎样运作的，它细胞内部的结构是什么样，那完全是两回事了。你要认识它，你要到达它，光靠外表是不够的。所以也涉及到一个问题：就是无序和有序。这些都是相对的概念，是从某一个出发点来定义的。如果深入内部的话，以前认为是随机的，或莫名其妙的，不知道理由的结构就出现了。但其实，我们无法认识到什么是真正的随机。

 

宣：我的工作状态其实挺紧绷的，时快时慢。有些艺术家的工作是同一个形态画4到5件，最终选一件最出彩的。有点像纪实摄影，一个瞬间背后可能有几十个瞬间。重点在于选择，在可控边缘。一件开放性的作品，我们可能离画站得越近，反而容易被里面的这种力量分散和干扰。一旦跟它有距离感，类似全景观，像上帝视角审视这个星球，就能产生一种巨大的疏离感和陌生感。从文学上说艺术需要使语言变得艰难，从而制造出这种差异性，我们必须离得够远，站得够高，再走近他们时才会显形。色层和图像叠加之后产生了这种不确定性，一些迷离的，更混乱的东西会打动我。因为相较贫瘠的真实我更爱华丽的虚伪，我想同时拥有这两种概念并充分发挥其作用，我也更欣赏把手伸到限度之外的艺术家，就像老人与海一样的，尽管失败无数次。

 

 

多米尼加树蛙的歌声是狮子的三倍

展览现场

 

张：画家的艺术生命也是在不停地变化成长。你现在做的东西，意义有可能以后才显现出来。你现在做新东西，只是为了让旧东西的意义出来。这也是一个挺怪的事情，就是说你为啥要不停地尝试，不停地做新东西？其实是为了你的旧的东西着想。如果不做新东西，旧的东西永远是未完成的而无法定义。

 

宣：感同身受。我相信这个过程中探讨的问题关乎于自身成立的意义和价值。就说维米尔好了：他的快感肯定不是在一遍又一遍的绘制中。他是非常审慎的，或者说非常克制的，最终达成一个形态的一瞬才拥有最大满足感，那是非常含蓄而内收的力。但我倾向外放的力，从戈雅一直到蒙克这个线索，我个人的性格决定了我希望在过程中享受更多，而不是用结果来满足观众。鲁宾斯坦每每开音乐会都在台上用目光搜寻台下来听音乐会的姑娘，一旦搜寻到他中意的会凝视几分钟然后快步走向钢琴，“今天的音乐会就是献给这位女士的……”我和绘画的关系亦如此，需要一个对象，然后我开始表演。

 

张：艺术家永远有无限的理由开始一件新作品，然而它是一个难度很大的事，要掌握平衡，才能向前走。

 

 

---

 

 

关于对谈人

 

张离，1970年生于吉林，当代艺术策展人。1994年担任当代艺术研究者和策展人戴汉志（Hans van Dijk）的助手，参与建立“新阿姆斯特丹艺术咨询”并共同创办Cifa Gallery。1997年任职于中央美术学院画廊。2002年参与“北京东京艺术工程”（东京画廊）在北京798艺术区的建立和组织工作。2004年任上海沪申画廊策展人。2006年参与创办北京三影堂摄影艺术中心。2009年创办01100001画廊。2015年任上海外滩三号沪申画廊总监。2018年至2020年任上海昊美术馆副馆长。2021年任职于艺文创新文化发展有限公司。

 

宣琛昊， 1989年出生于上海，近期展览有：建议以看待树林的方式阅读展览，魔金石空间，北京（2022）；一片盛大的记忆，唐人艺术中心，上海（2022）；反光体，沪申画廊，上海（2022）；遇见藏家推荐展，博乐德艺术中心，北京（2022）；未来祭中祭，余德耀美术馆，上海（2021）；小满 ，166 ARTSPACE，上海（2021）；外滩BFC艺术季，复兴艺术中心，上海（2021）；艺术深圳2020，深圳会展中心，广东（2020） 。

 

©文章版权归属原创作者，如有侵权请后台联系删除

 

本报告通过数据研究早期市场关注是如何影响了艺术家在21世纪的长期前景。我们特别关注了“超当代艺术”（Ultra-Contemporary）板块（1975年后至今出生的艺术家的作品）和“战后及当代艺术”（Postwar and Contemporary）板块（1900年后至今出生的艺术家的作品），近年来，这些流派的艺术品吸引了越来越多的关注。这些数字可以向人们揭示在过去几十年里，拍卖市场是如何转变，为新的艺术作品提供平台，以及这对年轻艺术家的市场会产生怎样的影响。

 

 

我们采取了两种分析方法：在第一种方法中，通过分析宏观数据，研究在过去二十年中艺术家在拍场中的角色以及拍卖结果的重大转变（*即本文内容）；在第二种方法中，我们针对五位在世艺术家进行案例分析（*此部分将呈现在明日的下篇中）。在过去二十年中，这五位艺术家的作品拍卖额在不同时间点达到峰值。以此，我们可以大致了解本世纪投机市场的变化规律。

 

分析方法说明：文中所选取的1900至1974年，和1975年至今出生的艺术家样本，仅包括在首件作品出现在苏富比、佳士得与富艺斯拍卖行的日间拍卖时仍在世的艺术家。样本还包括那些首次出现在三家拍卖行晚间拍卖会的在世艺术家。

 

为更好地确定艺术家在苏富比、佳士得与富艺斯两类拍卖会（日间/晚间拍卖会）中首次亮相之间所相隔的平均时间，我们首先确定了样本年份内在晚间拍卖会首次拍卖作品的艺术家。然后，我们计算了这些艺术家首次出现在晚间拍卖，与首次进行日间拍卖之间相隔的时间。最后，我们统计了每年中所有符合条件的艺术家的间隔时间，并计算了平均值（首次出现在三家拍卖行晚间拍卖会上的艺术家，其进入晚间拍卖会的年份计作第0年）。

 

数据显示，从2013年到2022年7月中旬，年度销售增长无论是以美元价值还是以拍品数量计算，超当代艺术作品的拍卖增长值都远超1900至1974年出生的艺术家的作品拍卖增长值。超当代作品总拍卖额在这段时间内增长了700%以上，从2013年的0.914亿美元上升到2021年的7.393亿美元（截至2022年7月21日实现的销售额已达到3.965亿美元，而2021年同期为3.59亿美元）。

 

 

2013年1月至2022年7月之间，1900至1974年间出生艺术家的作品全球拍卖结果走势（数据单位：美元）

 

相比之下，上一代艺术家在2014年达到了成交额顶点——69.5亿美元，比2013年的总额增加了大约16%（截至2022年7月21日实现的成交额已达到34亿美元，接近2021年同期的35亿美元）。超当代艺术品进入拍卖行的数量大约增加了250%，从2013年的3487件到去年的12216件（截至2022年7月21日，成交量为7132件，而2021年同期的成交量为6386件）。虽然在2021年，1900至1974年间出生的艺术家的作品拍卖数量创下历史新高，但总数（约14.8万件）只比2013年总数（约12.74万件）高出约16%（与按美元价值计算的总成交额一样，截至2022年7月中旬的拍品数量比去年同期相比有所下降，从80230件减少至76053件）。

 

同样值得注意的是，1900至1974年间出生的艺术家的作品成交率只比超当代艺术品高出几个百分点。平均而言，这两类艺术家每年都有约三分之二的拍品能够成交，最大的差距出现在2018年——前者成交量为69%，后者为63.8%。这5.2%的差距可能是由于大型拍卖公司进行了一些重要的遗产拍卖专场，其中包括佳士得举办的大卫和佩姬·洛克菲勒（David and Peggy Rockefeller）以及巴尼·艾伯斯渥斯（Barney A. Ebsworth）的私人藏品拍卖会，其中的拍品主要来自20世纪上半叶。

 

 

“洛克菲勒夫妇珍藏”专场拍卖现场，2018年5月。图片：Image courtesy of Christie's

 

综上所述，从这两个数据指标来看，超当代艺术品的拍卖市场规模在近年来比1900至1974年间出生的艺术家作品要大许多，但前者的拍卖成交率几乎与后者持平，这可能表明拍卖行和竞标者都认为这些作品大多数都值得在二级市场收购。

 

艺术市场越发青睐年轻艺术家的一个重要表现是，这些艺术家的作品进入声望更高的拍卖行的速度和作品升值的速度都有所加快。苏富比、佳士得和富艺斯作为三大头部拍卖行，艺术家作品如果能在其中之一进行拍卖，就意味着他们有更大的市场需求。而在这三家拍卖行举办的所有拍卖会中，最负盛名的还是晚间拍卖场次。通常，晚间拍卖的拍品都是最引人注目，也是价格最高的。

 

 

“洛克菲勒夫妇珍藏”专场拍品，一组乔治三世时期的胡桃木和灰木扶手椅，18世纪末至19世纪初。图片：Image courtesy of Christie's

 

为进一步量化竞拍者对超当代艺术家的兴趣是否比对1900至1974年出生的艺术家的兴趣增长更快，我们针对这两类艺术家进行了另一项分析：逐年比对在三大拍卖行里，符合条件的艺术家作品首次参与竞拍的时间与首次进入晚间拍卖的时间之间，相隔年数的平均值。

 

总体来看，超当代艺术家比1900至1974年出生的艺术家进入晚间拍卖的速度更快——结合2008年到2022年7月中旬之间的统计数据，超当代艺术家进入三大拍卖行晚拍的平均时长是1.2年至6.3年，而1900至1974年间出生的艺术家则平均需要7年到16.6年。

 

 

2001年1月至2022年7月之间，超当代艺术家首次进入苏富比、佳士得或富艺斯晚间拍卖会所需的时间走势

 

 

01

2007年至2010年

 

总体而言，两类艺术家参与晚间拍卖的平均时间会随着拍卖行业的宏观变化而变化。例如在2007年至2010年期间，1900至1974年出生的艺术家的作品进入三大拍卖行夜场拍卖的速度是最快的，这几年被认为是受经济危机影响最严重的时期，但此时，该艺术家群体每年进入夜场拍卖的人数在28到80人之间，平均用时7到9年。

 

这个现象符合市场一直以来的规律：在焦虑情绪加剧时，人们会更倾向于购买那些已经有认可度的艺术品。自然地，各大拍卖行应对的方式便是去选择那些在日间拍卖会上持续盈利的成熟艺术家，并将其作品带入晚间拍卖。相比之下，超当代艺术家在那几年间进入三大拍卖行晚拍的人数就明显较少，平均每年只有四位。

 

 

02

2016年至2018年

 

2016年到2018年也呈现出类似的趋势。在此区间内，超当代艺术家进入到晚间拍卖平均需要5至6.3年，比在其他时间段进入到日间拍卖的同行所需的时间更长。在2016至2018年艺术品拍卖市场下行的大环境里，这个现象不无道理：2015至2016年，拍卖行业总销售额从大约150亿美元骤降至不到120亿美元，同比下降超过20%，到2018年底仍未完全回升到2015年的水平。在此前提下，2016年的情况起到了一个警示作用。

 

拍卖专家们试图在满足买家们对超当代艺术家缓慢回升的兴趣，和应对逐步下行的市场环境之间找到平衡。在此时间段内，这两个相反的趋势可能在说明一个事实——处于上升阶段的超当代年轻艺术家在那几年间获得了更好的认可度，甚至逐渐比在晚间拍卖会中亮相的一些前辈艺术家更为抢手。

 

 

苏富比纽约“The Now当代艺术晚拍”现场，2022年5月。图片：Image courtesy of Sotheby's

 

 

03

2019年至今

 

自2019年以来，超当代艺术家和1900至1974年出生的艺术家的市场认可情况开始倒转：前者的拍卖成绩连续三年创下新高，这些年轻艺术家门进入三大拍卖行晚拍的人数也攀升至新高（2021年有33位艺术家），所需时间也缩短到了历史最快（平均1.2年）。截至2022年7月中旬，有22位超当代艺术家进入了三大拍卖行的夜场，距离他们首次出现在三大拍卖行的平均时间为1.6年。

 

另一边，在同一时期内，1900至1974年出生的艺术家首次参加晚拍的人数下降了近30%，所需的时间也在2019年增加到平均16.6年，2021年略有缩短，为11.4年。

 

这些数字可能意味着在新冠疫情期间和之后，出现了一种新的“重质趋势”（flight to quality）。保守的买家可能对那些长期在苏富比、佳士得和富艺斯晚拍中出现的著名艺术家感兴趣，但更愿意承担风险的买家则关注超当代艺术家，这类作品也被视为是拍场上拥有最高未来增长值的拍品。

 

对于拍卖行而言，如果要在晚拍中推出全新的艺术家，相较而言，他们也会更倾向于选择超当代艺术家：比如在2021年秋季，苏富比将其晚拍分为了两个颇具针对性的专场——呈现战后到20世纪末艺术品的“The Contemporary当代艺术晚拍”和呈现超当代艺术家作品的“The Now当代艺术晚拍”。值得一提的是，“The Now当代艺术晚拍”中还着重对年轻女性艺术家进行了关注，可以看出，在如今这个关注性别平等议题的时代，各大拍卖行已经对旧模式进行了调整。

 

 

Minjung Kim，《Pieno di vuoto》，2020，140 x 200 cm，此作品在“女性：混乱时期的艺术”拍卖中以10.03万美元的价格成交

 

此外，苏富比还聘请了前巴塞尔艺术展美洲区总监诺亚·霍洛维茨（Noah Horowitz），以尝试与一级市场跨越价格层级建立连接。上任后，霍洛维茨发起了名为“艺术家之选”（Artist's Choice）的长期项目，允许艺术家和他们的画廊直接委托拍卖作品，苏富比的收入和作品落槌价的一小部分将会捐赠给艺术家自行选择的慈善机构。拍卖师西蒙·德·普里（Simon de Pury）在2022年8月也推出过一个类似项目，名为“女性：混乱时期的艺术”（Women: Art in Times of Chaos），为艺术家和画廊带来了超过80万美元的收入。

 

 

*本报告部分数据源于关于Artnet价格数据库

 

 

从米开朗基罗的素描到沃霍尔的绘画，从勒·柯布西耶的椅子到班克斯的版画，你可以在Artnet价格数据库中找到1985年起开始收录的、至今已超过1400万条配有图片的拍卖记录。Artnet价格数据库涵盖了1800多家拍卖行和38.5万名艺术家的信息，每件拍品都经由Artnet的多语种专家团队校核。无论是藏品评估、艺术家的市场记录研究，还是为某件艺术品定价， Artnet价格数据库都是你的最佳参考。

 

 

文丨由Artnet新闻与摩根斯坦利联合呈现

©文章版权归属原创作者，如有侵权请后台联系删除