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Nicholas Stewens

法兰克福

2022

 

 

“作品因碰撞偏差呈现出一种忧郁感，而太有层次，太荒谬时，又会呈现出一种幽默感。”

 

 

Q：为什么选择做相对传统的写实绘画，是否会觉得受限于惯例和刻板印象，限制了创新和实验的空间？

 

A：我希望我的作品能够令人信服。不只是指表面上完美复制的视觉效果，而是呈现的图像或信念能够令人信服。绘画的悠久历史和它发展中形成的习惯是对我创作理念的补充。在这种情况下，我会觉得它们是有趣的，而不会觉得受制于此。

 

Q: Why did you choose to pursue relatively realistic painting? Do you feel constrained by conventions and stereotypes, limiting the space for innovation and experimentation?

 

A: I want my work to be convincing. Not in the sense that surfaces are visually perfectly copied, but in the sense that they deliver a convincing performance relating to the presentation of an or belief in an image. The long history and conventions that painting is informed by is something that feeds into that idea. In that way, I feel they are fun to play with as opposed to feeling constrained by them.

 

 

Crowd II, CrowdIII、CrowdII, 80×60cm, Oil on canvas, 2023

 

 

Almost Home II, 222×202×15cm, Oil on canvas, 2021, ©Nicholas Stewens

 

Q：为什么用两个视角来同时呈现Broucey-Lou?

 

A：这个作品的原型是一个大雕塑，从前后两个视角呈现同一个物体，能同时让它们面对面的看着对方。在这个表达中，我选择了马，因为它在历史上是一个被大量描绘的用于传递各种象征性信息的对象。我希望作品能描绘出令人不适环境中沉思的瞬间，并使观众投入到这种体验中。

 

Q: What motivated you to present the artwork "Broucey-Lou" from two different perspectives?

 

A: The work originated in one big sculpture, presenting one object from both the front and the back, while at the same time making them face/ look at each other. Within that structure, I chose the horse because it has been historically a heavily depicted body used for a variety of symbolic messages. I was hoping that it would be that depicted contemplative moment within that uncomfortable situation that invites the viewers into the work.

 

 

Broucey-Lou, 284×189cm, Oil on canvas, 2022

 

Q：你的作品多发生在一个背景中，你是如何通过作品表达你所处的语境，并探索背景与主题之间的相互关系的？

 

A：我在创作时，会把找到的素材和我自己拍摄的照片拼贴在一起。有时，作品中的故事发生的空间使这个画面值得被表现；并产生了突破性的东西。比如：这次我们在SIMULACRA的展，我的作品是在一个体育场里呈现个人，在一个他们知道会被注视的空间里呈现他们。个人身份会在一些瞬间体现出来。体育场里的观众和展览参观者的视角对于建立这种瞬间至关重要。

 

Q: Your works often take place within a particular background. How do you express the context in which you exist through your artwork and explore the relationship between the background and the subject matter?

 

A: When I produce images, I collage found footage and pictures I took myself. Sometimes the space in which the situation takes place provides the key element, that makes the situation worth presenting; something that creates the break. For example: For the show we produced at SIMULACRA, I staged individuals inside a Stadium, presenting them in a space where they are aware of being watched intensively. Hints towards the depicted person’s identity get sucked into the performative dynamic they are suspended in. The audience/stadium visitors are crucial to establish that dynamic.

 

 

Cheerleader, 210×140cm, Oil on canvas, 2023

 

Q：怎样理解你作品中荒诞世界的外显或个人在他者投射的部分呢？

 

A：在我们对环境和他人的感知中，我们总是孤独的。我们可以通过交流进行比较，并试图在一些事情上达成共识，但这都是基于你自身视角的解读。这形成了一个空间，使得我们可以把别人放在一套标准下，或者对他们进行美化，有时两者是可以互换的；甚至可能把他们本没有的想法或志向投射到他身上，等等。这种空间反过来又产生了一种渴望，大家希望像自己理解自己那样被别人理解。这种不可避免的理解偏差使我的作品呈现出一种忧郁感，但更重要的是，当这一切变得太有层次感太荒谬时，又会呈现出一种幽默感。

 

Q: How do you practice the idea that the images in your works may be the externalization of absurd worldview or projection of a specific self-understanding onto others?

 

A: In our perception of our environment and others, we are alone. We can engage in conversations to compare and try to create a common understanding but it will always fall back on your interpretation. This leaves space to put others in a box or to glorify them, which is sometimes interchangeable; to project ideas/ideals onto others that they might even want nothing to do with etc. etc. This space in return creates a longing to be perceived as one understands oneself. The unavoidable potential to fail at that presents itself in my images in a sense of melancholy but also, more importantly when it all becomes a bit too layered and absurd, in a sense of humor.

 

 

Oh Boy!, 190×270cm, Oil and coloured pencil on canvas, 2020, ©Nicholas Stewens

 

Q：你的作品集中在雕塑, 绘画和装置领域，是基于什么样的理念或创作目的，来决定不同媒介之间的互动与呈现方式？你认为不同类型的材料或媒介对你的表达有影响吗？

 

A：我觉得这与对不同媒介的关注与理解有关，而我考虑更多的是什么方式最适合创作。我倾向于使用那些具有悠久传统的媒介，如绘画和木材。无论是雕塑、绘画还是其他形式，我都以同样的方式看待，他们都是创作理念的产物。材料的选取只是使得作品的呈现可以被归在一种背景或“无聊”的历史中。

 

Q: Your body of work encompasses sculpture, painting, and installations. What ideas or creative intentions guide your decision-making process regarding the interaction and presentation of different mediums? And do you think different kind of materials or mediums have effect on your expression?

 

A: I feel that the different mediums relate to different sets of understanding. So it's more about what method of production fits the idea best. I've been noticing that I tend to work with mediums that have a long and loaded tradition, such as painting and woodworking. Ultimately I understand my works equally, whether it's sculpture, painting, or something else, as a product of one gesture. The choice of material provides the context and "silly" history in which the gesture/performance indulges.

 

 

Proof, Collaboration w/ Villiam Miklos Andersen Wood, acrylic glass & oil on canvas, 2022, ©Nicholas Stewens

 

 

Set, 2021, Video set incl. framed drawing, tissue box and a couch Dimensions variable, ©Nicholas Stewens

 

 

Symbols, 14×10×5cm, Wood, wallpaint, styrofoam, fabric, transparent paper & butterfies, 2023, ©Nicholas Stewens

 

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拾萬空间于2023年5月26日举办“灵与欲”–孙大量个展，这是孙大量在拾萬空间的第二个个展。   时隔五年之久，孙大量再次以个展的方式呈现近三十幅新作，他始终专注于延续和深化两个相互交织的主题：“灵”与“欲”，神秘主义的体验和情色的幻想——在他的表达中，也如同在某些宗教修行的古老路径里，两者并非处于对立和互否，而是一对摆脱现实重负的翅膀。                     孙大量“灵与欲”展览延期至2023年7月9日，欢迎观展。

 

 对谈 ｜ TALK 

 

Q：个体生命的变与不变，无论是主动选择还是被动接受，都相伴而生。《灵与欲》距上一个展《小幽与小羞》已有四年，聊聊你绘画上的可变和不可变？

 

A：个体生命如盲龟浮木般难得，个体无论主动选择和被动接受，都可尽情感受。我的画一直以女性为主元素，围绕其相关的生活事物，结合生活场景（风景）创作。在《灵与欲》这次个展上增加了一些花卉的图像，这些花朵从花心长出手指、鸭头、刀尖等，是与以往绘画有所不同。

 

 

孙大量｜Sun Daliang

花指胭粉｜Finger and Pink Flower

布面油画｜Oil on canvas

40 x 30cm

2021

 

 

孙大量｜Sun Daliang

并蒂花｜Conjoined Flowers

布面油画｜Oil on canvas

50 x 40cm

2022

 

 

展览现场

 

Q：这次展览中使用了两个民间常见的颜色：朱砂红和墨绿，相应有了龛和楼梯的空间设置。你和策展人朱朱借助这种搭建想赋予怎样的寓意？

 

A：南方民间盖房子，上梁的时候，在梁上会包裹红与绿这两种颜色的布，或许是为了辟邪驱鬼，图个吉兆吧，这是古代民间留下的传统。在本次展览上我们商量使用了这两种颜色做墙的背景，并且降低了色阶，寓意为疫情之后精神家园的刷新与重建。龛和楼梯的空间设计是策展人朱朱想到的，龛意为神祗的居所，楼梯象征攀登。我猜测他的意图是，若想得到“上帝为我们许下空中的房间”，要经历长途跋涉，翻山越岭，千辛万苦，受尽磨难才能抵达。

 

 

展览现场

 

 

展览现场

 

Q：《神兽》（2022），有几位观者在这件作品前打起了哈欠，恍惚被催眠。《林中神兽》（2023），两幅相隔一年的“神兽”，与你分别有着怎样不同的感受？

 

A：这两幅画是特殊时期画的，的确对我有疗愈作用。疫情期间，我失眠了，每天只睡一到两小时，吃药、数羊，各种方法都不管用，十几天之后身体消瘦，精神崩溃。幸好遇到了一位高僧，他让我与老虎对视，于是我就画了老虎，并与这张画对视。说来也奇妙，很快我的失眠症好了，身体消瘦也逐渐恢复。我觉得这幅画很神，因此命名为神兽。《林中神兽》这幅画是我在林间散步所见的幻影。

 

 

孙大量｜Sun Daliang

林中神兽｜Forest Mythical Beast

布面油画 | Oil on canvas

80 × 60cm

2023

 

Q：之前，你想画一桶炸弹，后来画成了一桶鸡蛋。《丝滑》 （2021年），同样携带着一种脆弱和危险感吗？

 

A：我曾画过一张炸弹，是张小画，炸弹即将引爆，想表达紧张感及危险感，不想再重复画了。《丝滑》这张画其实画的是鹅蛋，鹅蛋吃了不仅对心脏好，煮好的鹅蛋趁热还可以对受伤肌肉进行治疗。这张画指向为精神上的自我疗愈。

 

 

孙大量｜Sun Daliang

丝滑｜Silky

布面油画 | Oil on canvas

50 × 30cm

2021

 

 

孙大量｜Sun Daliang

摘葡萄｜Pick Grapes

布面油画 | Oil on canvas

50 × 40cm

2020

 

 

展览现场

 

Q：你是从2000年开始创作，2019年前的作品，感觉更接近于本能的原始性，语言更平面、粗简和拙笨。这次个展，反复过滤的时间好似被拉长，画面更立体，细腻和克制。古典美的表层下，始终含隐着不安和对抗。情与色，与你，到底是什么？

 

A：随着时间的推移，我更加喜欢古典主义绘画，提香、达芬奇、普桑、凡·艾克等古典主义大师作品，古典主义绘画气质感动着我，给我滋养。创作中也深受他们的影响。我并不认为自己的画作有多色情，只是借女性的肢体表达个体生命的遭遇及生存状态。

 

Q：这次展览小展厅的三件作品《箱中的女人》（2016-2022）、《破关》（2022）、《粉色房子》（2008-2022），一条腿试图迈出房子，一把刀插在房子上，长出一双腿和一把刀的房子，创作背景是什么？

 

A：上海的疫情对我冲击很大，一个女人竟然能在电话亭里生存一个多月，自他交换，只怕自己也不能做到，以此契机才有这三件作品。箱子里的女人一开始没有尖刀的，经过几个月思考，我觉得还是加上了一把刀，箱子涂上了温暖的粉色。这三幅作品表达我对在危难中求生女性的赞美与敬意。

 

 

孙大量｜Sun Daliang

箱中的女人｜Woman in the Box

布面油画 | Oil on canvas

100 × 80cm

2016-2022

 

 

孙大量｜Sun Daliang

破关｜Pass a Level

布面油画 | Oil on canvas

120 × 150cm

2022

 

 

孙大量｜Sun Daliang

粉色房子｜Pink House

布面油画 | Oil on canvas

46 × 55cm

2008-2022

 

Q：为什么会重复的去画几个特定的视觉元素（比如礼帽、矮跟鞋、灯、手指、蜡烛、蛋、破裂的口子、老鼠、喇叭、海螺……）？老鼠最近去哪里了？

 

A：面临灾难，我们无处藏身。我经常想，假如灾难来临，人会躲到哪里？躲到帽子里、花朵里、海螺里、牛角里……这些想象促成了你说的这几张绘画，关于画老鼠是以前在岛上的亲身经历，当时开发商买下了这个岛，岛民的房子大都已拆迁。我租的画室在三个月时间里也将被拆迁，可能老鼠的家园被破坏的缘故吧，画室里也遭遇了老鼠。当代的老鼠变得聪明至极，它居然藏在冰箱后面电机的夹层里，现在岛已开发好，一座座高楼拔地而起，我想鼠辈们已经找到了归宿，去了它们该去的地方。

 

 

孙大量｜Sun Daliang

春姑娘｜Miss Spring

布面油画 | Oil on canvas

120 × 150cm

2022

 

 

孙大量｜Sun Daliang

田螺｜Snail

布面油画 | Oil on canvas

40 × 50cm

2022

 

 

孙大量｜Sun Daliang

老鼠与伤口｜Mouse and Wound

布面油画｜Oil on canvas

20 x 20cm

2014

 

Q：画面的时间里更多被交代的是夜晚，里面的光基本都是带着黄晕，也似引向一个不知归路的未知？

 

A：以前在岛上晚上散步时，会感受到各种光的存在。城市之光（小岛离城市不远），岛与四周旷野交界一条长长的光带，也有远处一点微弱的黄光。我经常幻想远处的微弱光下会发生一些奇妙的怪事，让我兴奋不已。这些幻想的念头变成我的部分绘画内容。

 

 

孙大量｜Sun Daliang

林中灯｜Bulb in the Forest

布面油画｜Oil on canvas

100 x 80cm

2022

 

 

孙大量｜Sun Daliang

灯下无｜Bare

布面油画 | Oil on canvas

50 × 40cm

2021

 

Q：你想通过绘画给他者带来暖意，或是你对温暖的依赖和迷恋。欲望即美好也深渊。微光，不断被描绘，是不断在给自我蓄积精神上能量和勇气？

 

A：我的画是私密的，甚至有朋友来画室看画，我都很紧张。我的画是画给自己看的，满足我身体另一个更高层的我。我经常对自己作品不满意，在画画过程中反复折磨自己，直到另一个我满足。

 

 

展览现场

 

Q：绘画会治愈你吗？还是暂时性地将你从深渊中带走？还是，它会更强化你的痛苦？

 

A：绘画创作是危险的，充满挑战的。在绘画过程中，由于过分专注，能忘掉自己的存在，某种意义上可以得到治愈。作品画好就很兴奋，画的不好不满意，就会很苦恼。快乐与痛苦是相互交织的，但绘画艺术又是引人入胜的，这可能是许多人痴迷绘画的原因了。

 

Q：朱朱在展览前言里引用了阿尔贝托·莫拉维亚的一句话，“情色和神秘主义所共有的东西是对世界的贬低”，你是如何理解的？

 

A：情色和神秘主义者深入其中，会达到“无我”的境界。也许“无我”是两者共有的东西，因为“无我”，世界也就变成了假名。

 

 

展览现场

 

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塔比塔·雷扎尔无限渴望以人类的形态体验自身。她以艺术家、信徒、瑜伽修行者、助产师和农民等职业作为路径，以在自身和更广泛的地方彰显神性。作为一个永恒的探索者，塔比塔对“连接”的渴望在她的跨维度实践中得到了表达，这些实践将有机的、电子的和精神的网络科学视为治疗技术，以服务于心灵意识的转变。   她深入挖掘科学的想象力和神秘领域，拥抱数字的、肉体的和祖先的记忆，以解决影响身心的殖民创伤和能量失衡的问题。通过屏幕界面和治疗循环，她的作品旨在培养人类集体成长和团结的能力。塔比塔在法属圭亚那的卡宴市附近创作，她正在那里孕育AMAKABA中心——其愿景是在亚马逊森林中进行集体疗愈。塔比塔致力于成为世界的母亲。她的作品被广泛分享于全世界的美术馆，包括：巴黎蓬皮杜艺术中心、巴黎东京宫、圣保罗艺术博物馆、伦敦蛇形画廊、纽约现代艺术博物馆、纽约新美术馆、柏林的马丁－格罗皮乌斯博物馆、莫斯科现代艺术博物馆、芝加哥当代艺术博物馆、伦敦当代艺术学院、伦敦的维多利亚和阿尔伯特博物馆、丹麦国家美术馆、洛杉矶布洛德博物馆、纽约MoCADA、伦敦泰特现代美术馆、巴黎现代艺术博物馆，并曾在上海、广州、高知、雅典、柏林和悉尼的国际双年展上展出。

 

 

艺术家个人网站首页

图片来源 https://tabitarezaire.com/

 

 

塔比塔的祝福，艺术家个人网站截图

图片来源 https://tabitarezaire.com/prayer

 

 

塔比塔参与的社群合作项目，艺术家个人网站截图

图片来源 https://tabitarezaire.com/prayer

 

《潮汐深处》探索跨洋网络，研究水作为通信传导界面的政治和技术影响。从光纤电缆到沉没的城市、淹没的遗体、隐秘的航海历史和不容侵犯的信号传输，海洋是一系列复杂的通信网络的家园。随着现代信息和通信技术（ICT）在西方生活方式中变得无处不在并重新塑造全球化，进一步实现西方的统治，我们迫切需要了解塑造它们的文化、政治和环境力量。纵观承载和传输数字数据的海底光缆基础设施，我们会震惊地发现，这些光缆是铺设在殖民时期的航运路线道上的。海底掩盖了现代性的暴力行径，再次成为痛苦而又庆祝进步的界面。

 

 

 

塔比塔·雷扎尔，《潮汐深处》，2017，曲屏HD影像，19分15秒，影像静帧，图片由艺术家提供

 

《潮汐深处》将海洋作为黑人知识和技术的墓地进行导航。从亚特兰蒂斯到“中间通道”，或目前淹没在地中海的避难者，海洋深渊承载着痛苦、失落的历史和记忆，同时也为我们当前的电信提供了全球基础设施。互联网强加于非洲乃至更广泛的黑人的暴力，是否存在于其物理结构中？研究表明，水具有记忆和复制信息的能力，并通过其水流传播信息。我们这个世界的水蕴藏了哪些数据？除了创伤之外，水还隐藏着无数深奥的秘密：从有争议的起源，美人鱼、水神和蛇神等神秘的海洋生物，到水生猿人理论，以及在许多宇宙论中受到推崇的神圣水精灵。

 

 

 

塔比塔·雷扎尔，《潮汐深处》，2017，曲屏HD影像，19分15秒，影像静帧，图片由艺术家提供

 

 龙星如

 

最开始接触到塔比塔的作品时，我好像迅速在脑海中对她进行了一种分类（比如“网络艺术美学”），但随着对她的逐渐了解，包括知道她会自称为“艺术家—疗愈者—寻找者”，我意识到或许最适合用来形容她的创作的词是：自在。塔比塔对于不同类型的图像（从科学图像到CG制图再到手绘）的使用是非常自然和自由的，似乎并没有刻意去精细编排它们，这使得给她的片子通常会超出观众的意料。

 

 

塔比塔·雷扎尔，《潮汐深处》，2017，曲屏HD影像，19分15秒，影像静帧，图片由艺术家提供

 

可能因为我自己很喜欢阿丝特莉达 · 奈曼尼斯 （ Astrida Neimanis ） ，伊莎贝尔 · 思腾格斯（ Isabelle Stengers ） 和凯伦 · 巴拉德（ Karen Barad ）等比较女性主义视角的写作，我比较能够共鸣《潮汐深处》的叙事方式，她既提出了我们的通信系统和历史中的殖民路线之间的堆叠关系——影片中出现的印象最深的一句话是“光缆是新帝国主义的硬件”，其次是“在过去鲨鱼袭击殖民者的船只，而今天鲨鱼热爱啃噬海底光缆”；又讨论了互联网的结构性问题以极其物理的、地理的方式被固定下来时，可能存在的种种危险。有趣的是她似乎并不希望仅仅去批判，或者说用我们很熟悉的那种语言去批判，而是正如塔比塔会自称“疗愈者”一样，在整部影片中，在她对于“水”作为一种技术、一种界面和一种通信接口的想象中，在对于我们和“水”的种种关系的描绘中，有一种温柔的、有希望的、原始的能量。

 

 

“山海运算，域间路由”展览现场，2023，长征空间，北京

 

 武子杨

 

我第一次看到塔比塔的《潮汐深处》时，其实持有怀疑的态度。我一开始认为它又是一个在当今西方语境下十分流行的讨论身份政治和新殖民主义的作品——这个事情本身可能是没有错的，但我会特别警惕这样的作品在如今的非西方语境下（比如在中国展出时）它所传达的信息是否会过于单一，甚至变成了再一次的“殖民”。

 

 

塔比塔·雷扎尔，《潮汐深处》，2017，曲屏HD影像，19分15秒，影像静帧，由艺术家提供

 

我认为艺术作品应该保有足够的复杂性。但当我一遍又一遍地观看《潮汐深处》后，我觉得这个作品很妙的地方在于，它前一秒非常直接地用画外音严肃地批判现实，比如原作中说“电子殖民主义是指西方国家对数字技术的统治和控制”，“互联网再现了西方线下的种族、经济、政治和文化暴力和统治”等；下一秒又出现了流行元素（比如emoji、meme和流行歌曲）；数字媒体/软件中的“水”（比如3D软件Maya里的各种“水”的模拟应用），以及带有神话色彩的部分（人鱼、水神和蛇精），把本身看似已经非常确凿和直接的信息“柔化”和复杂化。作品中，我触动最深的一刻应该还是当艺术家并置了三条完全相同的神奇三角路线：今天的海底光缆，19世纪的铜质电报电缆，和殖民时代使用烟草和大米交换黑人奴隶的航运路线，都是完全重合的由非洲、北美和欧洲构成的三角形，历史或许从未改变过。

 

 

“山海运算，域间路由”展览现场，2023，长征空间，北京

 

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Villiam Miklos Andersen

德国

2022

 

 

“为性别、身份和社会角色的更广泛对话作出贡献。”

 

 

Q：何时将亚克力材料纳入你的创作系统的？你认为亚克力材料在当代艺术中的审美意义和表现价值是怎样的？

 

A：大约五年前，我开始对使用亚克力材料创作非常感兴趣，从那时起，我就将它纳入我的创作过程中。我坚持使用这种材料有几个原因：首先，它为我提供了很多基于矢量制作技术的处理机会。此外，亚克力是一种现代材料，可以在公共空间中找到它，这增加了我的作品的相关性。目前，我正在尝试一种现代的镶嵌技术：使用亚克力与各种类型的木材组合进行创作。

 

Q: When did you become interested in working with acrylic and what led you to incorporate it into your creative process?

 

A: I became interested in working with acrylic material approximately five years ago, and since then, I have incorporated it into my creative process. There are several reasons why I continually use this material. Firstly, it provides me with numerous opportunities for processing through vector-based production techniques. Additionally, acrylic glass is a contemporary material that can be found on many surfaces in the public space, which adds relevance to my work. At present, I am experimenting with a modern tarsia technique, where I create mosaics using acrylic glass in combination with various types of wood.

 

 

Consignment № 2 (a 1838-2021-snapshot: FOMO intensifies), 120×210×80cm, Print and crayon on canvas, acrylic glass, mirror foil, plywood (poplar), oak wood, LED tube, ceramics, battens (spruce), EUR pallet, plastic foil, brackets, screws, acrylic nuts and bolts, 2021,©Villiam Miklos Andersen

 

Q：亚克力雕塑和摄影的呈现方式会相对单一，什么原因选择这两种创作方式的结合？

 

A：亚克力和摄影的展示方法通常都是单一的。不过，在我的作品中，我故意将这两种艺术媒介结合起来。在创作雕塑时，我会将更加新颖的激光切割和数控雕刻等现代方法与传统的凹版印刷和绘画等技术相结合。这种技术的结合使我感知到现代标准化生产形式和工作生活中个人之间的触手可及的联系。

 

Q: Presentation methods of acrylic sculpture and photography tend to be relatively singular. What reasons influenced your decision to combine these two artistic mediums in your work?

 

A: The presentation methods of acrylic sculpture and photography often follow a singular approach. However, in my work, I have made the deliberate decision to combine these two artistic mediums. When creating my sculptures, I incorporate newer computerized methods like laser cutting and CNC alongside more traditional techniques such as intaglio printing methods and drawing. This combination of techniques reflects my fascination with the duality I perceive between contemporary standardized forms of production and the personal, tactile nature of surfaces in modern working life.

 

 

November 十一月, SIMULACRA拟像, 北京，2023

 

Q：分享一下双北极星系列的摄影部分采用的新技术的独特之处，这种技术对于摄影实践和创作过程有何影响和挑战？

 

A：双北极星（Double North Star）系列作品采用了独特的印刷技术，这为此作品增加了独特的品质。在这个系列中，我采用了一种叫做凹版半色调数字印刷的技术。这个过程是将感光箔涂在铜板上，然后用手工涂墨。是数字生产和传统方式的有趣结合，每个印刷品都是独一无二的，需要手动重新涂墨。

 

这个系列中，我展示了我在不同工作场合中拍摄的个人照片。重点捕捉工作环境中亲密关系和人际关系的时刻，而不仅仅着眼于生产方式本身。我很欣赏这种图形化的制作模式，它重新引入了一种质感，让人联想到数字照片拍摄的那一刻。

 

Q: Could you share the uniqueness of the new print technique used in the series of works Double North Star? How does this technology impact and pass views of your photography practice and creative process?

 

A: The series of works titled “Double North Star” incorporates a unique print technique, which  adds a distinctive quality to the graphic paper works. In this series, I utilize a print technique known as Intaglio type digital half tone print. This process involves applying photosensitive foil to a copper plate, which is then manually inked by hand. It is an intriguing blend of digital and analogue production, where each print is one-of-a-kind, requiring the plates to be re-inked manually for every print.

 

For this particular series, I feature personal photos depicting various working situations I have experienced. The emphasis lies on capturing intimate and relational moments within the context of the work domain, rather than solely focusing on the mode of production. I appreciate how the graphic mode of production reintroduces a textured quality to the presentation, reminiscent of the moment the digital photos were taken.

 

 

Double North Star (back view) 60×80cm, Intaglio type digital halftone prints, acrylic glass, museum glass,acrylic nuts and bolts, 2023, ©Villiam Miklos Andersen

 

Q：如何平衡观念与审美在作品中的表达？是否有意探索传统美学标准和艺术界的观念框架？

 

A：在我的艺术作品中，思想和美学之间的平衡与作品的物质性和所探讨的主题有较深的联系。作为一个雕塑家，我善于在历史和重大主题中找到艺术创作的价值。

 

在我的创作中，我将物品看作是集体物质性的储存方式。通过装置，我强调这些物体留下的痕迹，并强调它们与历史和政治选择的联系。我的作品通常由层层叠加的构图、拼贴或较多的装置组成。通过纳入可识别的日常物品，我不仅挑战了艺术品本身的客体化，而且强调了它固有的集体性。

 

在主题层面上，我的艺术实践是在个人日常生活领域和复杂的物流结构中发展起来的。作品中的子元素就像雕塑游戏中的零件一样被添加和制作，通过物体、空间背景、复杂的物流和个人欲望之间的关系呈现。

 

Q: How do you balance the expression of ideas and aesthetics in your artwork? Are you intentionally exploring traditional aesthetic standards and having the ambition to challenge established concepts?

 

A: The balance between expressing ideas and aesthetics in my artwork is deeply interconnected with the materiality of the works and the themes they explore. As a sculptor, I find great value in the historical and thematic significance of the materials I utilize in my artistic creations.

 

In my artistic practice, I approach objects as repositories of collective materiality. Through installations, I highlight the traces left by these objects and emphasize their connection to historical and political choices. My works often consist of layered compositions, collages, or installations rich in objects. By incorporating recognizable everyday objects, I not only challenge the objectification of the art object itself, but also emphasize its inherent collectivity.

 

On a thematic level, my artistic practice evolves from the encounter between structural and logistical complexities and the realm of the personal and everyday. The sub-elements within my works are added and crafted like pieces in a sculptural game, emerging through the relationships between objects, spatial context, logistical complexities, and personal desires.

 

 

Consignment № 13 (Earthly Delights), 120×185×80cm, Acrylic glass, intaglio type digital halftone print, oak wood, plywood (poplar), battens (spruce), acrylic nuts and bolts, EUR pallet, brackets, screws, 2021, ©Villiam Miklos Andersen

 

Q：简单介绍下“The Pawn Shop”这个项目，在卡塞尔文献展上是一个怎样的呈现，与这次展览的作品是否有一定的相关性？

 

A：“The Pawn Shop”是一项探索个人物品、价值体系和伪商业模式的艺术研究工作。在卡塞尔第十五届文献展上，它采用了一个真实当铺的形式。我与建筑师Lauge Floris和艺术家M.B. Pedersen合作创作了这个装置，以三位艺术家装扮成当工人，在开放时间内经营当铺为特色。

 

在100天的展览过程中，“The Pawn Shop”演变成一个与当地社区合作和接触的平台。该装置促进了讨论、表演、音乐会和其他互动活动，并与卡塞尔及其周边地区的30多个地方的倡议者合作。

 

谈到目前在SIMULACRA的展览，“The Pawn Shop”和展出的艺术作品之间有一些联系。例如，“The Pawn Shop”项目深入研究了个人物品和价值体系的主题，这与在SIMULACRA展出的艺术作品产生了共鸣。在SIMULACRA展出的艺术作品中，有 "公共建筑 "系列中的19世纪公共卫生间的亚克力雕塑，“双北极星”系列中被转化为凹版数字印刷的个人照片，以及描述19世纪角落防尿器复制品的雕塑。这些作品和其他作品一起，探索历史框架、个人叙事和日常物品的重新定义的语境。

 

虽然在SIMULACRA展出的艺术作品可能没有直接提到“The Pawn Shop”项目，但这两个展览有共同的主题和创作方法。两者都强调了对物品、价值体系和历史背景的探索，为观众提供了关于物质性和社会构造的发人深省的观点。

 

 

November 十一月, SIMULACRA拟像, 北京，2023

 

Q: Could you provide a brief introduction to 'The Pawn Shop' project and its presentation at the Documenta Fifteen exhibition in Kassel? Does it relate to the artworks showcased in the current exhibition at Simulacra?

 

A: The Pawn Shop project was conceived as an artistic research endeavor exploring personal objects, systems of value, and pseudo-business models. Presented at the Documenta Fifteen exhibition in Kassel, it took the form of an actual pawn shop. Collaboratively created with architect Lauge Floris and artist M.B. Pedersen, the installation featured the three artists dressed as pawnshop workers, operating the shop during its opening hours.

 

Over the course of the 100-day exhibition, 'The Pawn Shop' evolved into a platform for collaboration and engagement with the local community. The installation facilitated discussions, performances, concerts, and other interactive events, partnering with over 30 local initiatives from Kassel and its surroundings.

 

Moving to the current exhibition at SIMULACRA, there are connections that can be drawn between 'The Pawn Shop' and the showcased artworks. For instance, 'The Pawn Shop' project delves into themes of personal objects and systems of value, which resonate with the artworks presented at SIMULACRA. Among the artworks featured at Simulacra, there are acrylic glass sculptures of 19th-century public urinals in the 'Public Establishments' series, personal photos translated into intaglio type digital prints in the 'Double North Star' series, and a sculpture depicting a reproduction of a 19th-century urine deflector. These works, along with others, explore historical references, personal narratives, and the re-contextualization of everyday objects.

 

While the specific artworks at SIMULACRA may not directly reference 'The Pawn Shop' project, there are shared themes and approaches that link the two exhibitions. Both emphasize the exploration of objects, value systems, and historical contexts, providing viewers with thought-provoking perspectives on materiality and societal constructs.

 

 

The Pawn Broker, documenta fifteen, Kassel, 2022

©Villiam Miklos Andersen

 

Q：在你最近的系列作品中，探讨了现代男性主导的工作环境的主题。你能阐述一下强调敏感、关怀和有意义的审美时刻的潜力背后的目的和意图吗？这种审视模式是否意味着对这些环境的批判性观察或反思？

 

A：作为一个在农村长大的酷儿，我一直对不同社会阶层和背景的工作得到不到成比例的认可感兴趣。作为一个雕塑家，我旨在深入这些主题和矛盾之中。在我最近的一个系列作品中，我探讨了物流业中男性占主导地位的工作环境，重点是关系、欲望、短暂性和供应链等方面。

 

我的作品研究的核心内容之一是调查供应链以及支撑它们的网络。例如，我在SIMULACRA展出的 "双北极星 "系列中，我展示了我在瑞典基律纳的世界上最大的地下铁矿周围进行研究的照片，以及相关的铁路网络延伸到有极地景观的挪威纳尔维克的铁港口，在那里材料被运到全球。

 

目前，我还在从事对全球各种食品配送中心的长期探索，如布朗克斯区的亨茨角配送中心和巴黎的隆吉国际市场。

 

通过研究供应链，我还在深入研究它之间的关联性以及集体劳动形式，同时也认识到物流业中工作群体固有的男性主导的性质。我很好奇供应链内工作方法的标准化和优化与产品的同质化之间的交叉点。通过我的作品，我试图探索这些联系及其美学意义，并推测类似的规范性思维可能主导这两个领域。作品在强调男性主导的工作环境中敏感、关怀和有意义的审美时刻，是为了对这些环境提供一个批判性的观察和反思。通过揭示这些动态，我希望挑战社会规范，促进对话，并探索围绕劳动、权力和我们与工作世界的关系的其他叙事。

 

 

Double North Star (Royal Diner), 60×80cm, Intaglio type digital halftone prints, acrylic glass, museum glass,acrylic nuts and bolts, 2023, ©Villiam Miklos Andersen

 

Q: In your recent series of works, you have explored the theme of modern male-dominated work environments. Could you elaborate on the purpose and intention behind emphasizing the potential for sensitivity, care, and meaningful aesthetic moments? Does this mode of scrutiny imply a critical observation or reflection on these environments?

 

A: As a queer person who grew up in the countryside, I have long been intrigued by the disproportionate recognition of different types of work based on social class and context. As a sculptor, I aim to engage with these themes and the contradictions they present. In my recent series of works, I have explored the concept of male-dominated work environments within the logistics industry, focusing on themes of relationships, desire, transience, and supply chains.

 

One of the central aspects of my artistic research is the investigation of supply chains and the networks that underlie them. For instance, in my 'Double North Star' series exhibited at SIMULACRA, I present photographs from my research conducted around the world's largest underground iron mine in Kiruna, Sweden, and the associated railway network stretching across the polar landscape to the iron harbor in Narvik, Norway, where the materials are then shipped globally.

 

Additionally, I am currently engaged in a long – term exploration of various food distribution centers worldwide, such as the Hunts Point Distribution Center in the Bronx and the Marché International de Rungis in Paris.

 

By examining the supply chain, I am delving into the interconnectedness and collective labor that it represents, while also recognizing the inherent male-dominated nature of working communities within the logistics industry. I am intrigued by the intersections between the standardization and optimization of working methods within the supply chain and the homogenization of products to fit seamlessly into its loop. Through my work, I explore these connections and their aesthetic implications, postulating that similar normative thinking may dominate both fields.

 

In emphasizing the potential for sensitivity, care, and meaningful aesthetic moments within male-dominated work environments, my intention is to offer a critical observation and reflection on these environments. By shedding light on these dynamics, I hope to challenge societal norms, prompt dialogue, and explore alternative narratives surrounding labor, power dynamics, and our relationship with the world of work.

 

 

Double North Star (Bar Cock), 60×80cm, Intaglio type digital halftone prints, acrylic glass, museum glass,acrylic nuts and bolts, 2023, ©Villiam Miklos Andersen

 

Q：在您探索现代男性主导的工作环境时，是否有意识地考虑了性别、身份或社会角色这些因素对个人生活和社会组织的影响？

 

A：是的，在我对现代男性主导的工作环境的探索中，性别、身份和社会角色是必不可少的考虑。我在有意识地研究这些因素对个人生活和社会组织的影响。

 

通过关注男性主导的行业，如物流业，我旨在阐明在这些工作环境中发挥作用的性别关系。通过我的艺术研究，深入探索了社会规范和期望如何塑造性别身份并促成权力失衡的复杂性。

 

我通常对质疑与行业相关的传统男性观念特别感兴趣。我的目标是探索在工作内外，这些期望是如何影响个人的经验、关系和生活的。

 

此外，我对性别和身份的探索还延伸到更广泛的社会角色及其对社会组织的影响。我试图了解根深蒂固的性别角色和期望是如何影响男性主导行业内的集体劳动的。通过审查这些方面，我希望促进对性别平等、社会公正以及需要包容和多样性的工作环境的批判性讨论。

 

通过我的艺术实践，我旨在为性别、身份和社会角色的更广泛对话作出贡献，促进对男性主导工作环境中个人面临的复杂性和挑战的更深入理解。

 

 

November 十一月, SIMULACRA拟像, 北京，2023

 

Q: In your exploration of modern male-dominated work environments, are you consciously considering the influence of genders, identity or social roles on personal lives and social organization?

 

A: Yes, within my exploration of modern male-dominated work environments, gender, identity, and social roles are essential considerations. I am consciously examining the influence of these factors on both personal lives and social organization.

 

By focusing on male-dominated industries such as the logistics sector, I aim to shed light on the gender dynamics at play within these work environments. Through my artistic research, I delve into the complexities of how societal norms and expectations shape gender identities and contribute to power imbalances.

 

I am particularly interested in questioning and challenging traditional notions of masculinity that are often associated with these industries. I aim to explore how these expectations impact individuals' experiences, relationships, and personal lives, both within and outside of work.

 

Furthermore, my exploration of gender and identity extends to examining broader social roles and their impact on the organization of society. I seek to understand how entrenched gender roles and expectations influence the collective labor and dynamics within male-dominated industries. By scrutinizing these aspects, I hope to encourage critical discussions about gender equity, social justice, and the need for inclusive and diverse work environments.

 

Through my artistic practice, I aim to contribute to a broader dialogue on gender, identity, and social roles, fostering a deeper understanding of the complexities and challenges individuals face in male-dominated work environments.

 

 

Consignment № 5 (The Portal), 120×210×80cm, Acrylic glass, oak wood, plywood (poplar), battens (spruce), EUR pallet, brackets, screws, acrylic nuts and bolts, 2021, ©Villiam Miklos Andersen

 

Q：你的作品中呈现的庞大系统网络给观众传达了什么？

 

A：在我的作品中，我运用各种技巧和概念描绘了广泛系统网络和生产优化对个人生活的影响。通过视觉表现出相互的关系和象征意义，我试图引发对现代社会组织、劳动模式和人际关系的深思熟虑。激发对这些系统后果的批判性反思，以及促进解决这些问题的方案的讨论。

 

Q: What does the vast network of systems presented in your work convey to the viewer?

 

A: In my artworks, I depict the impact of vast systemic networks and relentless optimization on individual lives using various techniques and concepts. Through visual representations of interconnected networks and symbolism, I aim to evoke contemplation about modern social organization, labor patterns, and interpersonal relationships. My intention is to spark critical reflection on the consequences of these systems and stimulate conversations about alternative approaches to these issues.

 

 

Umsteigemöglichkeit, Kunsthal Aarhus, Denmark & Aarhus, 2020

©Villiam Miklos Andersen

 

Q：你在接下来的实践有新的想讨论的问题吗？

 

A：我很高兴能在SIMULACRA展览的基础上探索新的主题和问题。这是第一次，我通过制作一系列的 "公共建筑 "来重塑公共空间的历史结构，其中的亚克力雕塑代表了在哥本哈根发现的公共卫生间。通过这个系列，我以一种酷儿视角看待我的作品，寻求挑战并重新思考公共空间中被忽视的元素。这个主题和艺术形式使我产生了很强的共鸣，我打算在我未来的雕塑作品中进一步发展和探索它们。

 

Q: Do you have any new topics or questions to explore in your upcoming artistic practice?

 

A: I am excited to explore new topics and questions that build upon the exhibition at SIMULACRA. For the first time, I recreated historical structures from public spaces by crafting a series of Public Establishments,' which feature acrylic glass mosaics representing public urinals found in Copenhagen. Through this series, I approach my work with a queering perspective, seeking to challenge and reimagine neglected elements of public space. This theme and artistic form have resonated strongly with me, and I intend to further develop and explore them in my future sculptural works.

 

 

November 十一月, SIMULACRA拟像, 北京，2023

 

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