访谈|松郎:我甚至可以体会到对焦虑的掌控感

◆松郎 – S


◆苏申玉 – S


S:去年在合肥空间的个展「纯良流域」跟这次的个展「安塞尔提」相比,两次展览表达上最大的变化是什么?


S:《纯良流域》是关于故乡、家庭与个人成长的合集。其中的作品既关注个人心理状态,也强调与外部地理、历史环境的关系,企图用更丰富的角度和媒介去探讨个人身份认同的问题。在《安塞尔提》中,我聚焦了在家庭环境中感受到的“焦虑”情绪,并用单一、重复的方式进行强调。


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「纯良流域」展览现场


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「安塞尔提」展览现场


S:在作品《走神的家庭日常》中也你用到了蕾丝的元素,跟安塞尔提系列作品有联系吗?


S:这是两件同样都在讨论家庭的作品,蕾丝元素在两件作品中都指向家庭,但略有差异。《走神的家庭日常》中使用的PVC材质蕾丝源于我家的餐桌:一块防水油的蕾丝桌布上盖着一层玻璃,我通过对餐桌造型的复刻重现家庭生活中吃饭时交谈的瞬间。《安塞尔提》中的蕾丝象征意味更加明显,我提取家中各种用途的蕾丝布如防尘盖布、窗帘的花纹作为家庭的象征,将无意识抠刻墙皮的行为自我规训在规整的图案中。


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走神的家庭日常2

2024

综合材料:玻璃、木板、金属夹、PVC桌布、微喷照片

50 x 30 cm

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安塞尔提 1502001 

2025

木板,腻子,乳胶漆

150 × 200 cm

S:是什么灵感让你想要做这个展览的?


S:在经历了外地求学与生活的几年后,我重新回到从小长大的家里,突然发现墙面上有很多小时候用指甲抠刻的坑坑洼洼的痕迹,不同光线的照射下,白色的墙面仿佛镂空的蕾丝布。回想起童年时自己的这个无意识的习惯,源自难以排解的焦虑情绪。而如今,与家庭的关系仍让我反复思考,于是我想做件作品呈现这样的状况,并在去年合肥空间的群展上展出了第一件《安塞尔提》。做完后我发现只有一件作品的话更像是某种观念的传达,情感的强度不够,这件作品所探讨的问题也始终伴随着我的生活,所以我想用更长的时间,投入更多的精力去做一组作品,并期待在这个展览的过程中产生形成新的感触。


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安赛尔提
2024

木板,腻子,乳胶漆

120 × 90 cm

S:抠墙皮这个动作缓解你的焦虑情绪了吗?


S:在形成作品之前,以及创作的前期,抠墙皮的行为确实缓解了我的焦虑。随着日积月累的重复,这个动作的意味也逐渐发生了变化,我甚至可以体会到对焦虑的掌控感。


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影像截帧

S:爱与束缚是可以永远讨论下去的话题,你近期有这种类似的感受是什么情境?


S:爱与束缚的核心或许在于爱会让人产生拥有感和归属感,而这种感觉一不小心会滑向“控制”。它可能体现在生活中的任何细枝末节里,太具体的情况暂时想不起来了。


S:作为观众总能感受到你作品里隐隐的痛感,担心你会受伤,观众对你的这种惦记会让你爽到吗?


S:不会。在表演的过程中我专注于自身的感受,没有考虑观众的惦记。表演前的作品构思环节我会预设观众的想法,希望可以更多的调动观众的感性,观众关注作品完整逻辑的表达对于我来说更重要。


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图片由艺术家提供

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图片由艺术家提供

S:你享受现场做行为艺术表演吗?


S:享受。


S:你做现场的时候是什么样的心情?


S:郑重、放松。


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图片由艺术家提供


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图片由艺术家提供


S:《安塞尔提》系列作品还会继续创作吗?


S:会。


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安塞尔提 1502002

2025

木板,腻子,乳胶漆

150 × 200 cm

S:这系列作品会想做什么新的尝试?


S:期待《安塞尔提》系列和我的焦虑情绪一样伴随着我的生活,我会随着心境变化,做出各种新的形式语言的尝试。




关于艺术家 


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松郎,1998 年出生于江苏省徐州市,2020 年本科毕业于西安美术学院实验艺术系,现生活工作于江苏。松郎的创作关注人与其生存空间的关系。她切身进入多种现实场景,通过对生活末枝的的异化来撬动惯常经验,打乱并重组日常规制,以精心营造的间离感或戏谑、或诗意地形成观念输出。其作品曾获 2021 年西戏 / 想象力学 / 马丁·戈雅生意“明日视线”第二名、2020 年绘画艺术坏蛋店第一届“新鬼”不得不服第一名。


她的个展有:“安塞尔提”,可以画廊,(北京,2025);“纯良流域”,可以画廊,(合肥,2024);“松郎x张珂:游客中心”,想象力学实验室,(杭州,2022);“选择用力”个人驻地项目,华侨城盒子美术馆,(佛山,2021)。她参加的群展有:“正午、荒原、息流、瓦舍、废墟、剧场”,上海当代艺术博物馆,(上海,2025);“上海廿一当代艺术博览会”,艺博会,(上海,2024);“首届中国当代影像艺术年鉴展”,多伦美术馆,(上海,2024);“狂喜”,想象力学实验室,(杭州,2024);“步行指南”,长征独立空间,(北京,2023);“活成行为艺术家”,没顶美术馆,(上海,2023);“不可思议的行动”,A4 美术馆,(成都,2022);“存在与重复”,春美术馆,(上海,2022);“说我们的 100 种方式”, 新市剧院 & 歌德学院,(德国,2021)等。


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“围捕热”展评|乔泓凯:之间|香格纳西岸中环

香格纳西岸中环荣正在呈现由DUO Projects担任策划的群展“围捕热”,展出艺术家陈旭、韩锋、黄蕾、刘丽娟、咪咪史有限公司、邵安南、宋紫薇、唐茂宏、万朵云、王芮、武雨墨、徐赫、杨迪的作品。展览将持续至10月26日。

之间

文:乔泓凯

展开褶子不是褶子的反义词,而是跟随着褶子直到另一个褶子。

——吉尔·德勒兹

观者在进入香格纳西岸中环展览“围捕热”的现场之前,需经过一处螺旋楼梯,楼梯连结着地上空间与地下空间,或者说,构成了日常空间与展览空间的某种过渡——一如“拱廊街”所构成的公共空间与私人空间的过渡。在现代都市空间经验中,地上空间与地下空间“之间”的区别十分模糊,二者的区别被一种统一的、均质化的“水平性”逻辑所取代——这似乎也是香格纳西岸中环展览空间得以构成对我们寻常感知的挑战的契机。本次展览主题也可以在这个角度上进行理解:展览邀请我们进入当代主体的精神纵深,去感知、寻找、理解那些潜隐在我们内心深处,那些被强行压抑、闭锁在我们的“心灵地下室”中的禁忌,那些在意识“之下”的冲突、交织的欲望和情感。

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“围捕热”展览现场,香格纳西岸中环


展览“围捕热”描述了一种独特的、困托邦(stucktopia)式当代体验,个体被抛掷于一个日益稠密的社会之中,如同捕鼠板上被粘黏住的白鼠。这种稠密度由过量的信息所提供,同时也恰如其分地描述了当代复杂、缠结且无法约简的主体间网络。个体在粘稠的状态中被追逐、捕捉与编码,又在滚烫的记忆和欲望中自我消耗。“围捕”意味着制度、权力与技术的罗网;“热”则意味着焦虑、爱欲、狂欢的群体症候与危机的能量学隐喻。如果使用某种更加概念化的方式,我们可以将这一困境描述为一种“间”的危机——主体间、主体与世界间的关系系统如同层层叠叠的褶子,从一个褶子到另一个褶子,我们的时间与生命就在褶子们的运动中无限度地被迭代、压缩直至内爆。

“之间”刻画了这样一种灰白色地带,正如伫立在展览现场中央的万朵云作品的标题所喻——“房顶压在地基”上,人类建筑活动所创造的“之间”在这件作品中被取消,或者说如褶子般被压缩,这是一种对日趋扁平化的当代主体的生存状态写照,轻盈的玻璃与沉重的铁块“之间”,轻盈的生活与沉重的生活“之间”,是由人力维持运转的节拍器所发出的、钟声般的嘀嗒声。节拍器的重复运动对被困的当代人来说如同某种恐怖的寓言,前者会轻易地让人联想到周期性的、沉闷的工作和生活。

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万朵云《房顶压在地基上》

“围捕热”展览现场,香格纳西岸中环

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万朵云《房顶压在地基上》局部

2025,铁、玻璃、节拍器,146(H)x300x140cm

王芮的《轻盈的循环》同样描述了这种“不复轻盈”的体验——在简洁的、几何化的底座支架之上,两颗人脸苹果漠然地凝视着观者,令人想起今天完全系于网线的、相互基于凝视逻辑的社会关系。对于在“之间”中迷失的当代人来说,每个个体都如同“飞翔的荷兰人号”上的船员,漫无目的地、无休止地迷航,也如展览中徐赫《彷徨》画面里的幽灵,挣扎、苦闷而彷徨。

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王芮《轻盈的循环》 

2025,环氧树脂、⾦属、合成颜料、保护漆,155(H)x33x15cm

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左:徐赫《彷徨》,2024,布上丙烯,142.5(H)x90.5cm

右:王芮《⽆题》,2025,环氧树脂、⾦属、合成颜料、保护漆、彩铅、假发,171(H)x13x21cm

“围捕热”展览现场,香格纳西岸中环

汉字“间”的本意,来自一个颇为诗意的意象——夜晚,在门的缝隙处望见月光,此谓之“间”。当然这似乎也可以被理解为是作为人造物的“门”对自然的“围捕”。这种之间的体验对当代城市主体来说显然再熟悉不过。当代人往往需要驱车数公里才能获得一处城市的“缝隙”,从而使原本作为都市的“遥远背景”的、海市蜃楼般的自然景象在缝隙中浮现(这种缝隙通常会成为城市的网红机位)。展览中陈旭的《壁质穴》即反映了这种都市经验。一幢矗立于墙角的、由瓦楞纸这种廉价、脆弱,却又无处不在的制造业材料制成的高楼,却能有效地使观者重新体验晚间下班之后,面对被星星点点的灯光所点缀的写字楼时的那种压迫感。人造物已在今天逐渐演化为吞噬人的物。正如陈旭的另一件作品《过好自己的生活就好了》,其标题以一种几乎带有自我安抚意味的日常口语,暗示了个体在系统性的规训与重压中,所采用的一种微弱、反讽式的抵抗而自持的姿态,这并非真正的解脱,而是一种居于“之间”的妥协。

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陈旭作品于“围捕热”展览现场,香格纳西岸中环

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陈旭《过好自己的生活就好了》

2023,装置,金刚纱网、不锈钢,400(H)x200x30cm

而在艺术家咪咪史有限公司的《城市雨林日志》系列中,此种“之间”的都市经验以一种文献的方式得到了陈列。《城市雨林日志》将都市空间与自然语汇混合,营造出一种复杂而空洞的奇观。在今天,城市已然成了一个“雨林”般的生态系统,高楼与霓虹犹如巨树和藤曼,商品与信息则像是空气中弥漫的湿气。

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咪咪史有限公司《城市雨林日志》系列

“围捕热”展览现场,香格纳西岸中环

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咪咪史有限公司《城市雨林日报_20250407、20250411、20250429、20250516、20250701》,2025,纸上水彩,19(H)x24cm

斯洛特戴克在他的“复数球域学”中提出了一种“泡沫”结构,身处一个去中心化的当代社会,在与任何具有庇护性的单一的球域脱离后,每一个个体都需要在一种非稳态中发展自己的假体免疫球域,其结果便是一种泡沫般的社会形态——每个个体的“气泡室”都直接依赖于另一个体的、同样脆弱的气泡壁,每一个独立存在的领域都与他者的关系有着内在的联系,并由此定义。

杨迪的《褪染》《理发店》和《泡沫女孩》即讨论了这种泡沫——既是去“之间”化的泡沫社会,也是在复数的球域中无尽的自我指涉的游戏。通过洗浴、理发所构筑的私人“气泡室”,以及一场自千禧年以来的、泡沫化的赛博罗曼史,艺术家重新考察了当代主体与外界之间令人困惑的连结方式,对今天的人来说,电子屏幕即气泡壁,屏幕既是欲望的通道,也是将我们与危险分隔开来的铠甲。


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杨迪作品于“围捕热”展览现场,香格纳西岸中环

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杨迪《乐园》,2023,皮影牛皮、丙烯喷漆、矿物颜料、动物胶,108(H)x205cm

在宋紫薇的影像作品中,屏幕的此种角色以一种更为沉重的方式得到了体现。《循环》通过呈现了艺术家的父母不断排练通过电话告知亲友女儿“死讯”的场景。这一“假设性的练习”带有强烈的荒诞感,但其背后的沉重不言自明:死亡如何被告知?在一个去死亡化的社会,影像的重复,使得这种不可能的“演练”成为一种令人不安的仪式。《今天无事发生》则截取了新闻播报中“无话可说”的静默时刻,这是一种症候性的失语,一种危险的沉默,在循环中不断重演,却无从逃逸。

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宋紫薇《循环》截帧,2018 ~ 2019,影像

而唐茂宏则通过公共与私人、严肃的宏大叙事(太阳系、时间、命运)与日常主题(邮政箱、果实、茄子)“之间”的缝隙,通过荒诞的转折揭开现实的暧昧性,以一种轻快、戏谑的方式勾勒了当代主体的窘境。在展厅的一角,邵安南的装置和影像共同营造出一种混合着生物主义和后人类美学的氛围,邵安南的“爬行咖啡”理念暗示了饲养者-宠物、围捕者-猎物之间角色的不稳定的转化关系,消费主义的巨大泡沫似乎正在悄然将一切个体都纳入“被饲养”的逻辑。

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唐茂宏《时间被果实击倒》《命运被茄子纠缠》

“围捕热”展览现场,香格纳西岸中环

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邵安南作品于“围捕热”展览现场,香格纳西岸中环

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邵安南《爬行咖啡》截帧,2024,3'38''

“围捕”意味着将被捕者置于某种被设定的“间隙”空间中——渔网的有效性很大程度上是由网眼的大小所决定的,在围捕不同尺寸的鱼类时需使用不同网眼大小的渔网,从而实现对被捕者的过滤。网眼这一“之间”的空间,表面上是一种结构化空隙,但却实际上造成了更精细化的束缚。而在展览现场的中间区域的墙体上,观者也会发现这种空洞结构——武雨墨的摄影作品被有机地嵌入其中,摄影既是对现实的重组,也是对现实的“猎取”,正如弗鲁塞尔(Vilém Flusser)所说,“如果人们观察一个拥有相机的人的动作,他们仿佛是在等待。这是古老的跟踪行为,可以追溯到旧石器时代在冻原上的猎手。”[1]

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武雨墨作品于“围捕热”展览现场,香格纳西岸中环

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黄蕾作品于“围捕热”展览现场,香格纳西岸中环

黄蕾的工作则直接回应了渔网在其原初意义上的功能性角色。基于她童年时代在舟山群岛随家人捕鱼的记忆,黄蕾以鱼线等材料的编织创造出了一个复杂的、流动的几何织体的宇宙。而在许多文化中,都存在着织物(丝线)和时间的类比——编织、缝合这一过程本身象征着时间的流动。每一根丝线的编织或交错,都代表着时间的累积和延续,织物在其形成的每一瞬间都在记录和表现时间的流逝,织物成为了时间的“物化”形式,承载了人类的记忆和情感。观者在展览中黄蕾的作品前,仿佛感到被无形的时间之网、秩序之网缠绕与吸附,被它们捕捉与禁锢——今天网中的我们究竟是过于敏感还是过于麻木?正如展览中刘丽娟的作品《离开矿井的金丝雀》所隐喻的那样——金丝雀在矿井中的历史功能,是作为危险预警的“活体报警器”:它们一氧化碳非常敏感,微量的一氧化碳泄露就会让它们焦躁、啼叫甚至死亡——相比之下,我们似乎要“坚强”许多。

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刘丽娟作品于“围捕热”展览现场,香格纳西岸中环

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刘丽娟《离开矿井的金丝雀》,2024,摄影,30(H)x20cm

围捕还在继续,生活如同一场巨大的迷梦,亦幻亦真、似是而非、方生方死——真假之间、是非之间、生死之间,我们被困于之间。

注释:

[1] Vilém Flusser, Towards a philosophy of photography. London: Reaktion Books, 2006: 33.

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关于作者

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乔泓凯,复旦大学艺术哲学系博士候选人,主要研究图像理论与艺术哲学。译有德文版《记忆女神图集》《人与空间》(待出版)。在《文艺研究》《文艺理论研究》《电影艺术》《艺术学研究》等处发表学术论文二十余篇。曾担任UCCA当代艺术中心讲座嘉宾、展览“雅努斯的界面”(2023)艺评人、展览“图像记忆:德国当代新闻摄影的政治性图像记忆”(2024)学术翻译、多伦美术馆“屏幕上的受苦者”对谈嘉宾等。近期撰写的艺术评论有《空心山和太阳土》《漂浮的迷宫》等。

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TRIUMPH|文献:苏天赐、朱新建谈吴维佳的绘画

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吴维佳,《千乘行》,2025年

纸本水墨丙烯,140 × 185 cm

凯旋画廊2025年9月27日至11月2日期间呈现艺术家吴维佳在画廊空间的首次个展“尘埃与野马”,由策展人王将担纲策划。展览汇集了艺术家近年来的诸多佳作。其主题“尘埃与野马”源自《庄子·逍遥游》,喻指万物在气息吹拂中生灭流转的宇宙观。这一命题不仅呼应了吴维佳近期的一件同名作品,更贯穿于他整体的创作理念之中。


吴维佳的创作融汇西方现代及后现代的绘画语言,并深植于东方哲学传统,尤其是庄子“齐物”思想与禅宗直观体悟的方式。他的绘画不再局限于对现实的再现或心理的表达,而是走向一种“物我齐一”的观照,并强调直觉感知与内在自由。而那些破碎、层叠、未完成的痕迹,使其作品具有了“坏画”的特征。他拒绝封闭的意义,从而构建出开放、多义的“活句”。


为呈现吴维佳较为完整的创作生涯和对艺术的思考,我们精选了两篇评论文献,皆是与艺术家关系密切之人所写。一位是吴维佳在南京艺术学院就读期间的老师苏天赐,另一位是吴维佳的挚友,画家朱新建,他们从各自视角讨论吴维佳及其作品,现与大家分享。

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吴维佳个展「尘埃与野马」展览现场

凯旋画廊,北京,2025

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吴维佳于80年代初期入学南京艺术学院,时在开放初期,西方现代艺术的观念正逐步渗透于学术领域。他是在同辈中较早受到影响的一个。早春乍暖还寒,他偏能自得于任由本性作画。以直觉取代理知,在过去是要被视为另类的,他却画的投入。不论速写、油画,都随意而为,不求形似,不合规矩,却自成系统,竟有一种率真的美。


从80年代后期开始,吴维佳陆续创作了《南风》、《戏剧人生》等清新可喜的作品,风格日趋成熟。这时候,国内画坛已露出一片繁茂的新芽,现代诸流派都有投影,他的画也可看到一点当年巴黎画派的余韵。但他不盲目追随,且追求东方艺术的神韵。比之与追求某种目的,他更爱的是绘画本身。对于他,画的命题只是动机,而非标的。画中或有符号的隐喻,却无意于深谈哲理。就像用风趣的语言讲述一个梦幻的故事,引人入胜之处在于语言的敏感和机智、节律的优美与和谐。

吴维佳在表述它的创作状态时,曾说:“凭着对事物的直觉,我总是在工作的过程中找到一些有意思的东西。”这是一种难得的天赋。吴维佳的画,顺其天性,所以流畅自如。

2003年9月16日于养龙山庄

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吴维佳,《九曲悦》,2025年

纸本水墨丙烯,140 × 181 cm

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大学毕业不久的时候,我在南京,维佳在南通,有一次收到他一封信,说画画的都是好疯子。意思是说,我们疯归疯其实人挺好的,有点自我表扬和互相表扬的劲头,挺臭美的。


那时候他迷毕加索和立体派,非常认真地把金冬心也算成立体派,梁楷也算,四王不算,因为,那时候他认为四王画得不好,凡是画得好的都算,好像安格尔和塞尚也是立体派。他用他认为的“立体派”方法疯狂地画画,油画、水墨、水彩、铅笔什么都画,布上、纸上、墙上甚至连书的侧面都画,到处画,他的感觉很细腻,却粗犷、直爽、毫不扭捏啰唆,笔下有罕见的自信。


后来,我去巴黎流浪,他到南京师范大学去教书了。有几年没在一块儿泡。只是经常在一些刊物、杂志上看到他的画,“派头”一直很大。


后来,我回了南京,又在一块儿泡了。


离开南京十几年,觉得南京更像南京了,这块据说已经消尽了金陵王气的六朝烟水地,好像一直就是艺术家们“堕落”、偷懒的乐园,且不说如李煜、龚贤这样的古人,即使是如朱自清、俞平伯笔下的“灯影”“桨声”也足以教我们“不求进取”了。再见到维佳的时候,我们都是二号小老头了,这家伙已经很像“南京人”了,张罗张罗新屋的装修,打打跑牌或八十分,很有学问地喝喝茶,坦然地睡睡懒觉。


画画本来与喝茶、打牌、睡懒觉一样,是快活事情。读维佳近作,觉得这家伙越来越快活了,笔底下自由、通脱起来。有人形容江南士风喜欢用俊逸、超然这样的字眼,我想,用来形容维佳的画倒是不错的,我喜欢我这个快活的老朋友的画。

2001年2月12日于南京

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吴维佳,1960年生于江苏南通,1982年毕业于南京艺术学院美术系油画专业,师承苏天赐。现生活工作于江苏南京,任教于南京师范大学美术学院,长期从事绘画教学及绘画创作。

在吴维佳持续四十余载的艺术生涯里,他致力于不同媒介的绘画实践,跨越油画、中国画、书法等诸多领域,表现出高超的艺术才能和精湛的艺术造诣。其作品被国家大剧院、江苏省美术馆、南京艺术学院美术馆等诸多重要艺术机构收藏。

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王将,独立策展人、艺术评论人。他同时是寸止设计(Inch Office )创始人兼视觉总监,并担任四川美术学院硕士研究生导师,及中国当代艺术年鉴特约编委。

从业至今,王将策划了逾百场当代艺术展览,并编辑、设计众多艺术出版物。他的研究与写作聚焦于“中国新绘画”呈现的多元可能性,关注议题包括:具象绘画的复兴与叙事重构;材料实验与新物质主义转向;屏幕文化对架上绘画的渗透;全球化与东方美学的张力;社会运动与集体记忆的视觉化;艺术史谱系的解构与重写。其艺术评论广泛发表于 Artnet、Artnews、Artbaba、ArtAlpha、Hi艺术等专业媒体及各大艺术机构官方平台。他近期的个案评论涉及:袁运生、马可鲁、吴维佳、孟禄丁、王玉平、刘锋植、王音、杨茂源、毛焰、马轲、王迈、黄宇兴、王亚彬、秦琦、陈彧君、关音夫、闫冰、夏禹、高瑀、亓文章、陈柏豪、黄亮、吕松、许宏翔、刘海辰等艺术家。

自2024年起,王将持续进行着对“屏幕一代”的深度访谈、研究与系统梳理工作,试图在此基础上建构后屏幕绘画的核心概念与理论框架。


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上海狮語|《庞海龙:隐力》|开幕对谈回顾


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庞海龙:隐力

上海狮語画廊 


艺术家|庞海龙

策展人|王晓松

展期|2025.09.21- 11.02

地点|上海徐汇区武康路376号武康庭内三层


开幕论坛:艺术“软”了吗?

时间:2025年9月21日15:00-16:00

论坛嘉宾:黄笃、高远、庞海龙

主持人:王晓松




对谈回顾

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王晓松、黄笃、高远、庞海龙(从左至右)


王晓松:大家好,欢迎各位在周末来到狮語画廊,参加庞海龙的个人展览开幕论坛。我是今天的主持人王晓松。非常荣幸向大家介绍台上的几位嘉宾:著名批评家、策展人黄笃老师;策展人、北京工业大学艺术设计学院副教授高远先生;以及本次展览的艺术家庞海龙。


我们借着海龙这个展览的机会,今天可能不仅仅是聊海龙个人的作品,因为我们这些人都跟海龙是很熟的朋友,对他的创作有长期的关注。他的这套作品其实在以前其他地方也展出过,但这次在狮語画廊如此完整地呈现,尤其是在这样一个具有特殊历史感的空间里面,我们昨天晚上布展时大家都感受到了一种特殊性。这种特殊性在中国当代艺术的当下语境中显得尤为珍贵。


在当下这个环境里,我们都在思考,除了庞海龙个人的作品之外,他的这种创作方式在中国当代艺术中到底处于什么样的位置?我们知道今天的艺术环境一定跟10年、20年前有很大的差异。通过这样一个具体的个案,我们是不是有机会去讨论一些最近这些年可能被我们有意或无意遮盖的话题?中国当代艺术除了在方法论和策略上需要思考,还有一个很重要的维度就是它的现实关怀。除了我们今天看到的技术层面,以及海龙作品中那种需要观众踩在脚下才能完全感知的物理特性之外,当代艺术是否需要与更大的社会现象发生直接关系?


我们看到当下很多艺术语言越来越偏向于一些说不清道不明、但又缺乏实质内涵的方向。这类艺术越来越缺乏感染力,它没有体感,没有艺术应该给人的那种冲击力。所以我们今天想围绕这个话题展开讨论,这不仅仅涉及艺术实践本身,还包括艺术史脉络,以及全球艺术实践中这类具有社会关怀的艺术对于整个艺术生态意味着什么。


我之前一直关注黄老师做的案例和文章,其中有两个概念我觉得与海龙今天的现场特别相关:一个是"物派",这是日本当代艺术中最具国际影响力的艺术现象之一;另一个是特定场域艺术。如果大家只是在图片上看这些作品,很难获得真正的感受——这也是我们特别强调艺术需要关注现场的原因。现场带来的体感是具有唯一性的,是其他传播方式无法替代的。那么,我们先请黄笃老师就作品展开话题,谈谈您的看法。


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展览现场


黄笃:谢谢晓松。不过我觉得开场白还是应该先请艺术家本人来讲述他的创作思考,他是如何考虑作品的呈现,以及如何运用材料完成这件作品的。我们可以根据艺术家的陈述,再进行更广泛的交流。我认为主角应该是艺术家,我们更多是作为阐释者,从旁观者的角度来解读作品。艺术家的自我阐述是最重要的基础。


庞海龙:好的,谢谢晓松,谢谢黄老师。其实我觉得在这个作品中,每个人都是主角,尤其是策展人提到这件作品强调的不是艺术家的行为,而是参与者的行为,所以主体是多元的。接下来我和大家分享一下我的创作背景和思考。


首先从我的经历说起,我1998年大学毕业之后,差不多有十年时间没有专注于艺术创作,期间从事记者等一些大量接触社会各阶层的工作,积累了很多的社会经验和实践。2010年来到上海后,我开始思考如何将之前的生活经历转化为艺术表达。我是科班出身,但中间有十年断层,2010年重新开始艺术创作时,我无法再从二维绘画的方式去思考如何与自己的经历结合,来表达我对社会的认识和反应。于是我选择了装置艺术这条路径,实现从二维到三维的转变,这种创作方法与我过去的生活和社会经历密切相关。


2010年刚到上海时,我花了将近一年时间去看展览——美术馆、画廊、博物馆、博览会,与艺术家交流,也通过网络了解国内外信息。我没有立即动手创作,而是大量学习。那个时期上海的实验艺术氛围很活跃,与现在偏重商业的环境有所不同。我当时思考的是如何表达物质层面的力量感。我原本学习的是架上绘画,但来到上海后我发现二维媒介很难表达我对世界的认识和生活给我的反馈。我不想仅仅成为一个审美意义上的画家,而是希望成为一个行动者。


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作品局部


一个偶然的机会,我开始接触不同的材料。2011年,我在上海大学美术学院99创意中心做了第一个个展,主要材料是灰尘。我发现灰尘存在于空间之中,它能融合时间与特定的时刻,将真实的事物覆盖掉。灰尘之下蕴含着某种暴力,这对我触动很大。从那以后,我不断尝试各种材料,2013年开始使用牛骨创作,一直持续到现在。


这次在狮語画廊的展览,我首先要特别感谢Leo先生,他给了我这次机会让《隐力》这件作品得以最完整地呈现。这件作品之前在上海油画雕塑院美术馆、安仁双年展等地方展出过,但这次是最完整、最接近我理想效果的一次。


我对这件作品的期待是希望观众能在视觉经验之外去感知作品的内涵。我想让作品回归到最单纯的状态——现在我们看到的是地板的形式,但只有当人们参与其中,踩踏其上时,作品才被激活,它的所指和力量才显现出来,否则它只是一种潜在的状态。


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展览现场



策展人王晓松在文章中使用"行为装置"这个词来形容它,我觉得特别准确。每个参与者都是作品的一部分,你们的身体就是作品的不同表达形式。这种身体性在我的整个创作脉络中是非常重要的元素。无论是使用牛骨还是其他材料,我试图表达的都是一种实在的力量感。


关于材料,我认为骨头是生命形式的另一种存在和延续。虽然它已经改变了形态,但仍然呈现出一种倔强的存在感,是具有极强生命性的材料。我大学四年级时去西藏、西北写生,在荒原上看到动物遗骸,包括牛头等,从中感受到生命在自然环境中的艰辛搏斗与被遗弃的命运。无论是动物还是人,我都在思考这些生命体如何与世界发生关系。


虽然我在不同材料之间转换,但作品之间的内在联系非常紧密。我一直关注作品与人、社会、空间的关系,它们是相互连接的。我的创作是对社会的一种应激反应,这种特点在我的作品中非常明显。我创作时不太考虑审美问题,而是思考如何表达世界给予我的最直观的感受。它是不是艺术可能都不重要,重要的是你表达什么、思考什么。


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展览现场


王晓松:感谢海龙的分享。下面把时间交给黄笃老师,请您回应海龙谈到的问题。


黄笃:我首先祝贺海龙的展览成功。我想客观地说,一件作品能否打动人,往往不在于它是否提供一个宏大的叙事。作品感动人的地方在于它是在你的经验之内还是之外。当你们看到这件作品,踩在地板上的时候,这种体验与以往去美术馆、画廊或博览会的经验是不同的,这促使我们思考:是什么将物质转换成了艺术品?


这里面有一个很有意思的点,就是艺术家的观念在起着重要作用。那么这个观念与什么相关?我认为观念与社会学、人类学有密切联系。比如当你去打猎或到荒野,看到动物尸骨、残骸,你会收集、整理它们,赋予它们审美意义。海龙将牛骨做成水磨石的形式,这里很重要的一点是艺术家的审美选择。这种审美不是一般的审美,而是在整个艺术谱系中寻找自我定位的过程。


有些人可能会将他的作品与日本"物派"联系起来,也有人觉得与意大利"贫穷艺术"有相似之处。这些问题可以讨论,但我认为与"贫穷艺术"有本质区别。"贫穷艺术"的叙事带有意大利式的文学性;日本"物派"强调物质与物质、物质与空间的关系。庞海龙的作品不属于这两个系统,他建立了一种自己的语言。


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关根伸夫(日本雕塑家,物派代表人物),《相位-大地》,1968


我认为这种语言很好。按照让·鲍德里亚的理论,这是一种"仿真"。我们看到的地板不是真的地板,而是根据地板的仿造品,是一个幻象。艺术家利用动物残骸,其中积淀了厮杀、枪杀或自然死亡等信息,这建立了一种与生命体的关系。我认为作品所隐含的意义已经超出了我们看到的形式,这就是作品的力量所在。


其实语言有时是苍白的,我们的描述可能只涵盖了一部分。作品实际包含的信息量远远大于语言本身。


王晓松:谢谢黄老师,您的分享对我们很有启发。您和海龙都提到了"经验"这个概念,这也是我与海龙经常讨论的话题。我们会反思我们这一代人是否过于强调某种叙事?如果接触更年轻的艺术家和策展人,他们可能会说:"你们关心的这些话题我们根本不关心。"这让我们思考是否我们的关注点出了问题?但经验确实是非常重要的一部分。


黄老师谈到的经验既包括我们这一代人的共同经验,也包括对艺术现场的经验。海龙的创作路径不是从艺术史线索中来的,因为他中间有很长时间没有从事艺术,他是从社会现场中走出来的,他的创作与个人的生活经验密切相关。在这种经验中,我们才能看到艺术的一种真实感,也就是黄老师说的,那种语言无法完全描述的感受。


我知道高远老师多年来主要从事西方古典艺术研究,同时也关注特定场域艺术和文物研究,他从这个角度介入艺术脉络。昨晚我们在布展时就在讨论这个空间,当时人比较多感受还不明显,但当环境安静下来,我们突然意识到这件作品具有一种神圣感。这种神圣感与他采用的材料、对生命的意识有关,会有意识地刺激到观者。下面请高远老师从他的研究角度谈谈看法。


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庞海龙,“宅生记”展览现场


高远:感谢晓松,感谢主办方,感谢海龙。今天有机会在狮語画廊现场讨论很荣幸。我2009年海龙刚到上海时就认识他,一直关注他的创作脉络。他今天呈现的作品引出了我想讨论的话题——特定场域艺术。


今天我们看到的庞海龙的作品,也基本可以看作是特定场域艺术。特定场域艺术有其历史和渊源,从极少主义、贫穷艺术、物派到大地艺术,都有这个线索。这种艺术模式在西方从1960年代开始发展,最初无论是在自然环境中(大地艺术),还是在特定场域如古堡、教堂或特定空间内发生,都需要找到其合法性和生效的逻辑。


庞海龙之前的艺术实践和艺术项目的线索,也能为我们理解特定场艺术提供一个前提,比如他策划的长期项目“宅生记”,一般都会选择一个特定的历史场域,比如老洋房、闽南古厝或者佛山古宅。我们今天看到海龙的作品,也是在一个具有历史感的场域——武康庭。周围是民国建筑,这个建筑本身是1950年代的办公楼,铺着水磨石地板。海龙的作品叠加于这个历史现场之上,形成当代对历史的一种叠加或覆盖。这种覆盖本身就是《隐力》展览的所指,也是一种力的作用模式——隐含地将历史覆盖。同时,牛骨制成水磨石的过程本身也是一种暴力——将骨头压碎、铸模、打磨、切割,最后我们踩踏其上,又是一种隐含的力的作用。


我从历史和当下关系的角度看这件作品,它覆盖在一个特定的、有历史意义的空间上。这个空间曾经是一个权力空间——1950年代只有机关办公室才会铺设水磨石地板,普通家庭是水泥地。因此作品一方面指向历史场域与当代现场的关系,另一方面也引发对权力记忆的思考。


第三点我想谈的是当今机构对特定场域艺术的扶持机制问题。当前艺术市场不景气,很多空间转向潮流或艳俗艺术,光滑、甜美的作品越来越多。机构对特定场域艺术的关注实际上在减少。大约10年前还有较多关注,当时北京有很多替代空间和实验空间专门做特定场域艺术,但2018年后这些空间大多关闭了。


现在需要商业画廊系统,尤其是头部营利机构,承担起原本替代空间的责任。像狮語画廊这样的空间做特定场域艺术,才能真正从营利机构中脱颖而出,展现独立性和思考深度。回顾历史,1960-70年代欧美顶级画廊就支持过艺术家的特定场域实验。那些著名的当代艺术家都创作过特定场域作品,并因此成为艺术史重要人物。


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《隐力》南海大地艺术节,广东,中国,2024


王晓松:高远老师谈到特定场域艺术的边界问题。除了边界感,我们如何判断特定场域艺术的有效性?为什么艺术界对某些作品不太认可?请高远老师再补充一下。


高远:回到特定场域艺术的有效性问题。这取决于材料、场域以及观念如何呈现,与历史现场形成怎样的对话关系。有效的特定场域艺术需要与现场语境深度结合。


黄笃:我补充一下。对海龙的作品,每个人可以有不同理解。作品不可能只有一个答案,有争议是最有意思的,能引发多种思考、反应和观点。在开放的社会中,不同的思维判断汇聚在作品上,是最理想的状态。如果作品只给一个答案,它就僵化了。


我举个例子帮助理解海龙的作品。德国艺术家沃尔夫冈·莱普的作品也很神奇,非常日常——他将花晒干、研磨成粉、装入瓶中,整个过程充满意义。海龙的作品也包含许多过程性因素,水磨石地板中蕴含了很多东西:不仅是牛骨,还有时间、地点、材料来源等,让人产生丰富联想。


好的艺术家能精准拿捏材料的转换。就像穿衣服,高级与否一看便知,这需要审美高度。艺术家的高度在于引领观众,而非迎合。海龙的作品提供我们经验之外的东西,促使我们从更立体的角度思考。


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沃尔夫冈·莱普作品


王晓松:黄老师通过多个艺术案例,为我们提供了宏大的视野。艺术家无论通过什么方式,只要能提供有价值的讨论话题,就很有意义。高远老师谈的特定场域艺术让我深有感触,因为我们每天都在一线工作。理论上可以有很多解释,但具体工作中,如何让一个现场有效发声才是关键。


艺术的力量感似乎在减弱,这有个人原因——我们自我调侃年纪大了;也有环境原因——艺术家开始更策略性地传递自己的方向。但无论如何,海龙早期作品中那种力量感,无论在什么时代都有其存在价值。这类作品现在确实越来越少,这也是我和高远老师特别关注海龙创作的原因。


王晓松:或许可以用艺术家徐冰的话回应:"生命的意义在于过程。"由于时间关系,论坛接近尾声。最后请海龙总结。


庞海龙:再次衷心感谢黄笃老师专程前来,感谢策展人王晓松、刘建华老师、高远先生的支持,特别感谢Leo先生和狮語画廊团队让作品得以完美呈现。同时更要感谢到场的每一位。你们不仅是观众,更是作品的参与者和完成者。你们的到来和行动,激活了作品的指向性,赋予了它真正的生命。谢谢大家。

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展览现场



关于艺术家 | About the Artist


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庞海龙

Pang Hailong


庞海龙1974年生于黑龙江,自1998年先后毕业于哈尔滨师范大学艺术学院和清华大学美术学院,现生活工作于上海。其创作涉及雕塑、装置、绘画和策展。此外,庞海龙于2020年创办宅生记®艺术展览品牌并组织策划系列展览项目至今。

庞海龙拥有从记者工作到创办企业;再于2010年回归艺术创作的丰富经历,这使其作品以关注生存现实、艺术介入社会为切入点。他善于通过对材料媒介的物性转译,来表现对于观者感知领域的干预,给观者提供一个无为而为的异景,去感知能“感知”到的现象,去忽略将被“忽略”的本质,从而让他的作品超越了艺术本身,具有广泛的人文意义。

其个展包括:“隐力”,赛麟空间,上海(2020);“叠园”,朱家角古镇课植园,上海(2018);“灰·尘”,上海大学美术学院99创意中心,上海(2011)。

Pang Hailong was born in Heilongjiang in 1974. He graduated from the School of Art at Harbin Normal University in 1998 and later from the Academy of Arts & Design, Tsinghua University. He currently lives and works in Shanghai. His creative practice spans sculpture, installation, painting, and curating. In addition, he founded the art platform ZHAISHENGJI® (宅生记) in 2020, through which he curates experimental projects.

With a diverse background that includes working as a journalist and establishing a business before returning to artistic creation in 2010, Pang’s work focuses on reality and social engagement through art. He is skilled at transforming the physical properties of materials to intervene in the viewer's perceptual field, presenting an effortlessly intriguing vision that invites the audience to perceive what is “perceivable” and overlook what is destined to be “overlooked.” Through this approach, his work transcends mere artistic expression and takes on broader humanistic significance.

His solo exhibitions include: Invisible Force, SAILING SPACE, Shanghai(2020); Over the Landscape Gardens, Zhujiajiao Art Project, Shanghai(2018); Grey • Dust, 99 Creative Center, Fine Arts College of Shanghai University, Shaghai(2011).



关于策展人 | About the Curator


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王晓松

Wang Xiaosong

艺术评论人、策展人。

曾策划:大型双/三年展、艺术家个案研究展及近现代艺术史专题展逾五十场次,发起并主持策划了此后六届“全球华人艺术展”,是目前唯一以华人艺术家的全球离散为研究与展览对象的综合性项目。著有《制造现代:晚清的设计与视觉文化》(2024)、《视线之下》(2016)以及其他各类出版物三十余种。

Art critic and curator.

Curated projects include: large-scale biennials and triennials, solo artist case studies, and hematic exhibitions on modern and contemporary art history over fifty exhibitions.He initiated and has curated six editions of the Global Chinese Art Exhibition, currently the only comprehensive project worldwide dedicated to the research and exhibition of the global Chinese-artist diaspora. His publications include: Fabricating Modernity: Design and Visual Culture in the Late Qing Dynasty (2024), Under the Line of Sight (2016), and over thirty other publications.

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TRIUMPH|策展人谈:尘埃与野马,吴维佳近作中的“迁流之象”


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EXHIBITION TITLE  展览名称

尘埃与野马

Dust & Wild Horse


ARTIST  艺术家

吴维佳 Wu Weijia


CURATOR  策展人

王将 Wang Jiang


DURATION  展期

2025.09.27 – 11.02


VENUE  地点

凯旋画廊  TRIUMPH GALLERY

北京市朝阳区酒仙桥路798艺术区2号院A05

A-05, 798 Art Zone, No.2 Jiuxianqiao Rd, 

Chaoyang District, Beijing

凯旋画廊2025年9月27日至11月2日期间呈现艺术家吴维佳在画廊空间的首次个展“尘埃与野马”,由策展人王将担纲策划。展览汇集了艺术家近年来的诸多佳作。其主题“尘埃与野马”源自《庄子·逍遥游》,喻指万物在气息吹拂中生灭流转的宇宙观。这一命题不仅呼应了吴维佳近期的一件同名作品,更贯穿于他整体的创作理念之中。


吴维佳的创作融汇西方现代及后现代的绘画语言,并深植于东方哲学传统,尤其是庄子“齐物”思想与禅宗直观体悟的方式。他的绘画不再局限于对现实的再现或心理的表达,而是走向一种“物我齐一”的观照,并强调直觉感知与内在自由。而那些破碎、层叠、未完成的痕迹,使其作品具有了“坏画”的特征。他拒绝封闭的意义,从而构建出开放、多义的“活句”。


在本次访谈中,策展人围绕艺术家的近作,从展览主题的选择、创作与内修、东方哲学的影响,以及展览作品的排布等话题展开讨论。在他看来,在图像过剩的今天,吴维佳的艺术提供了一种减速与内观的可能,其抵抗视觉消费与意义固化的倾向,展现出绘画的内在生机。

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吴维佳个展「尘埃与野马」展览现场

凯旋画廊,北京,2025

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TRIUMPH:王将老师好,作为本次展览的策展人,能否请你谈谈为何选择以“尘埃与野马”作为吴维佳先生的个展主题?


王将:“尘埃与野马”,这个题目出自《庄子·逍遥游》,原本是形容自然界中两种看似迥异而又同源的气息形态。野马如雾气升腾,尘埃如微尘沉降,体现了庄子所说的“生物之以息相吹”的现象,象征万物不断转化、生生不息的宇宙观。吴先生近期创作的一件作品就叫《尘埃野马》。在我看来,这件作品正是对这种流动性与变化性的视觉诠释。画面里的形象似乎处在生成与消逝之中,既有具象的痕迹,又有抽象的张力。


吴先生跟我说,其实他的每张画都可以叫做“尘埃与野马”。的确,他以独特的绘画语言在二维的画面上构建了微观的气象。有时,氤氲的色调如有尘埃的质感,而动感的线条组合则展现了游气奔腾的状态。作品中的气象隐喻超越了简单的符号对应关系,形成了自足的视觉语言系统。展览以此为题,可以引出他的绘画理念,点明他创作中的“迁流之象”。

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吴维佳,《尘埃野马》,2025年

布面油彩,186 × 228 cm

TRIUMPH:为筹备这次展览,你对吴维佳先生的创作脉络进行了深入研究。如果将这一个案放到中国当代绘画的谱系中去看,你认为他的创作是否具有某种独特性?

王将:吴先生的成就在于,他延续并拓展了西方现代和后现代的绘画语言,并在东方哲学中找到了着落点。同时,他承接了上世纪80年代以来中国当代艺术思潮中的反叛与实验精神,又在全球化语境中开辟出一条回归内在感知、抵抗图像过剩的个人化路径。他的绘画方式更像一种修行,里面融入了禅宗思想。他拒绝封闭的意义系统,也不制造完美的画面效果,而是采用看似“坏画”的手法进行创作,这使他的作品极具开放性与自由度。

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吴维佳,《人为峰》,2025年

布面油彩,226 × 188 cm

TRIUMPH:你提到他的绘画是一种“修行”,能否具体解释一下这种创作态度?


王将:他告诉我,创作中他会尽可能地让直觉来推动形与色的生发。这种态度接近于禅宗的“直观”,不执着于形象的分析与重构,而是直接去感知画面、推近画面。他画里那些看似破碎、未完成的痕迹,仿佛对我执的破除。而这种创作方式,使他的艺术获得了一种精神上的通达。


艺术家将创作视为修行,日常的绘画行为就被赋予了仪式性意义。我认为这种实践方式体现在三个维度上。一是时间性,强调长期坚持的累积效应,而非灵感的瞬间迸发。二是过程性,重视创作过程本身的精神价值,而非最终的作品成果。三是身体性,通过身体的实践达到精神的提升,体现身心合一的理念。

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吴维佳个展「尘埃与野马」展览现场

凯旋画廊,北京,2025

TRIUMPH:你认为吴维佳先生的艺术对当下的观众有何种启示?


王将:在图像过剩、视觉消费化的今天,吴先生的艺术提供了一种“减速”与“内观”的可能。他的画面邀请观众静下心来,进入一种直觉的、体悟式的观看。这让我们重新思考看的本质,不是识别、不是判断,而是感受。我认为,这种艺术态度,实际上是对当代生活中过度理性化、工具化视觉模式的一种抵抗。

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吴维佳,《黎明之前》,2020年

布面油彩,177 × 136 cm

TRIUMPH:吴先生的创作深受庄子与禅宗思想的影响。你认为东方哲学是如何具体渗透在他的绘画语言中的?


王将:其实刚才就已经零散说到了。再往深里讲,这种渗透不是表面化的符号挪用,而是内在思维方式与观看世界的角度转化。庄子的“齐物”思想让他摒弃了一般描绘事物的等级观念,在画中赋予所有形象以平等的存在价值。一块抽象色斑与一个具象形象可能具有同等分量。而禅宗推崇的“不立文字,直指人心”,则体现在他对“悟”与“直觉”的强调上。他创作过程中的直觉感知优先于理性分析,形成了一种独特的方法论。长期的技术训练和思想锤炼使他将绘画技巧内化为身体记忆,使创作行为能够达到心手相应的自在状态。可以说,这种直觉认知是建立在深厚积累基础上的高级认知形式。


而他的很多画面都刻意保留未完成感、制造断裂与冲突,以此打破观众习惯性的、依赖于逻辑和语义的观看模式,让我们回到感知的原点。可以说,这或许就是一种以笔参禅,画面本身就是他的公案、他的活句,不提供标准答案。

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吴维佳,《王的故事》,2020年

布面油彩,173 × 160 cm

TRIUMPH:你用禅宗的“活句”来形容他的画作,这非常有意思,可以在展开聊聊吗?另外,你又是如何在展览布局中引导观众去“参活句”的?


王将:在我看来,有些画面如同禅宗意义上的“活句",构建了具有多义性的视觉结构。在这种结构中,图像元素之间缺乏明确的逻辑关联和叙事线索,形成了一种开放的意义网络。观者无法通过习惯性的解读模式获得确定的意义,而是需要放弃固有的认知框架,进入一种探索性的观看状态。这种多义性结构的生成依赖于意象的非确定性、视觉元素的平等化,以及有时留白空间的巧妙运用,这都为观者的想象提供介入空间。


要说如何引导观众“参活句”,这是一个关于展览实操的问题。“活句”的核心是开放性与多义性,拒绝单一的解读路径。为了呼应作品本身的这种特质,我们在布展时就没有采用线性的、叙事性的呈现方式。相反,我们有意让不同主题、不同尺幅的作品之间形成一种“气息”上的呼应和对话。展览空间的节奏是舒缓而沉浸的,灯光也力求均匀,避免用强烈的焦点引导去告诉观众看哪里。目的是创造一个能够漫步的场域,让观众能在作品间自行建立联系,停留、回味。

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吴维佳个展「尘埃与野马」展览现场

凯旋画廊,北京,2025

TRIUMPH:在他的创作中,我们能看到一种对“完美”和“完成”的抗拒。这种“未完成性”是刻意为之的吗?


王将:在很多同行眼里,他采用了"坏画"的手法。他刻意保留创作过程中的偶然痕迹、意外效果和断裂现象,使作品始终处于开放的未完成状态。我认为这不是简单的姿态或风格策略,而是源于他核心的艺术观念。“完成”,或许意味着封闭和终结,意味着意义被固化,我想,这应该与他所理解的世界永恒流变的本质是相悖的。吴先生追求的是一种“生成”的状态,画面应该像生命一样呼吸,保持开放。它们为观众的思考和想象留下了空间。这是一种对消费主义时代“即看即得”视觉模式的抵抗。

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吴维佳,《九曲悦》,2025年

纸本水墨丙烯,140 × 181 cm

TRIUMPH:你在策展文章里提到他“突破风格的程式”,但这些作品似乎又具有鲜明的辨识度。我们应如何理解这种“反风格”的风格?


王将:这正是艺术家高明的地方。他所突破的,是那种可以被轻易归类、标签化的“风格主义”,或者说,是一种固定的、可预期的视觉套路。他的辨识度并不来源于某种标志性的图式或符号,而是源于其一以贯之的思想、态度以及创作方法,那种对直觉的信任、对齐物的追求、对完成性的质疑。因此,他的画面语言是流动的、生长性的,每一笔都服务于当下那一刻的直观感受,而非服务于构建某种统一的外观。所以,你能认出他的画,是因为你认出了那种状态,那种气息,而不是认出了某个具体的形象或技巧。这无疑是一种源于内在修养的、更高级的“辨识度”。

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吴维佳,《千乘行》,2025年

纸本水墨丙烯,140 × 185 cm

TRIUMPH:全球化语境下,很多中国当代艺术家的创作都涉及自身身份的问题。你认为吴维佳的实践为此提供了怎样的思考?


王将:文化身份的确立,未必需要通过外在形式的民族符号堆砌,或是对东方神秘主义的简单贩卖。它完全可以是一种更深层的、思想观和方法论层面的回归与重构。吴先生游刃有余地运用源自西方的绘画媒介和现代主义以来的抽象、表现语言,但其内核驱动的却是东方的哲学。不过,他不是在画哲学,而是在绘画过程中去体悟道,这种方式使得他的艺术超越了东西方的二元对立,既扎根于深厚的本土文化精神,又能与国际性的当代艺术进行对话,并提供一种内在的、精神性的方案。

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吴维佳个展「尘埃与野马」展览现场

凯旋画廊,北京,2025

TRIUMPH:对于并不熟悉吴先生作品的观众,你会给出怎样的观展建议呢?


王将:没有建议,但我希望观众不要急于在画里寻找一个故事,或辨认画的是什么,更不必担忧自己的解读是否“正确”。这场展览更像是一次视觉冥想的邀请。观众可以尝试放松下来,用直觉去感受画面上的气息流动、笔触的力度与速度、色彩的沉浮与碰撞,就像聆听无标题的音乐。这个时候,可能正是我们打破惯性思维的开始。

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吴维佳,《孔雀》,2018年

布面油彩,125 × 150 cm

TRIUMPH:吴维佳先生从事艺术创作四十余年,近年似乎迎来了一个创作的爆发期。你如何看待艺术家这种持续的创造力?


王将:在我看来,年龄对艺术家而言,反而是积淀的升华和心境的更加澄明。他年轻时就经历过各种艺术思潮,对西方现代主义的诸多流派风格有过深入的研习和实践,那是技术的积累和视野的开拓。而现在,他将这所有技巧都内化了,技巧不再是需要刻意彰显的东西。你所说的爆发,要我讲,那就是一种“化境”,是技术、修养、哲学观和生命体验融合后的自然流露。艺术家更自由,更加信任自己的直觉。这种生命力是一种深沉、内敛、持续涌动的能量。

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吴维佳个展「尘埃与野马」展览现场

凯旋画廊,北京,2025

TRIUMPH:最后一个问题,你自己在这次展览策划中最深的感受是什么?


王将:这个问题有点个人化……对我而言,最深的感受是经历了一次“重新学习”的过程。吴维佳先生对艺术的虔诚、对名利的淡泊,让我敬佩。在深入解读他作品的过程中,我不得不一次次放下常有的理论框架和阐释惯性,学着用更直观、更沉浸的方式去体会,这对我自身的观看和思考习惯是一次有益的“祛魅”。

采访整理:周思远

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吴维佳,1960年生于江苏南通,1982年毕业于南京艺术学院美术系油画专业,师承苏天赐。现生活工作于江苏南京,任教于南京师范大学美术学院,长期从事绘画教学及绘画创作。

在吴维佳持续四十余载的艺术生涯里,他致力于不同媒介的绘画实践,跨越油画、中国画、书法等诸多领域,表现出高超的艺术才能和精湛的艺术造诣。其作品被国家大剧院、江苏省美术馆、南京艺术学院美术馆等诸多重要艺术机构收藏。


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王将,独立策展人、艺术评论人。他同时是寸止设计(Inch Office )创始人兼视觉总监,并担任四川美术学院硕士研究生导师,及中国当代艺术年鉴特约编委。

从业至今,王将策划了逾百场当代艺术展览,并编辑、设计众多艺术出版物。他的研究与写作聚焦于“中国新绘画”呈现的多元可能性,关注议题包括:具象绘画的复兴与叙事重构;材料实验与新物质主义转向;屏幕文化对架上绘画的渗透;全球化与东方美学的张力;社会运动与集体记忆的视觉化;艺术史谱系的解构与重写。其艺术评论广泛发表于 Artnet、Artnews、Artbaba、ArtAlpha、Hi艺术等专业媒体及各大艺术机构官方平台。他近期的个案评论涉及:袁运生、马可鲁、吴维佳、孟禄丁、王玉平、刘锋植、王音、杨茂源、毛焰、马轲、王迈、黄宇兴、王亚彬、秦琦、陈彧君、关音夫、闫冰、夏禹、高瑀、亓文章、陈柏豪、黄亮、吕松、许宏翔、刘海辰等艺术家。

自2024年起,王将持续进行着对“屏幕一代”的深度访谈、研究与系统梳理工作,试图在此基础上建构后屏幕绘画的核心概念与理论框架。



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重磅变动!诺华中国CMO将调任

2025年9月,诺华集团宣布重要人事任命:现任诺华中国首席医学官吴铃将于12月1日正式出任拉丁美洲及加拿大地区医学事务部负责人,直接向全球医学事务负责人汇报。此次跨洲调动被业内视为诺华对其“中美双域经验”的高度认可与重用。


吴铃在诺华任职超过20年,职业生涯起点是诺华美国分公司的基层研发岗位,随后逐步晋升至美国肿瘤医学科学与教育负责人。


2018年,她回到中国,担任诺华中国首席科学官,全面统筹中国区药物研发策略与管线推进。2022年5月,诺华调整架构,她转任创新药物中国医学事务部负责人兼首席医学官,主导医学事务体系升级,并推动创新药在中国的准入及患者可及性提升。

在华任职期间,吴铃带领团队实现了从“成熟产品支持者”向“创新诊疗驱动者”的转型,打造高绩效医学团队,通过真实世界证据(RWE)、患者中心型研究等手段,加速了Entresto、Cosentyx等创新药的临床落地,使诺华中国成为全球创新药的重要增长引擎。

吴铃此次调动,将利用其在中国和美国的市场经验,来应对拉丁美洲及加拿大市场的挑战。

拉丁美洲市场是诺华的重要新兴增长区域,业绩由心血管、免疫学和肿瘤学等领域的创新药物销售驱动,如Entresto®、Cosentyx®和Kisqali®等。但该地区各国独立的监管审批、经济波动、汇率风险以及药品定价报销的不确定性,都对运营效率和盈利能力构成挑战。

加拿大市场则相对稳健,诺华处方药销售额位居前列,增长来自Kesimpta®(奥法妥木单抗)和Leqvio®(英克司兰)等重磅药物的市场渗透。然而,严格的药品定价与报销体系(需与泛加拿大制药联盟等机构谈判)成为制约增长的关键因素。

业内分析认为,吴铃的职业生涯横跨研发、医学、全球三大领域,具备中美双域经验与战略领导力,是诺华“全球化+本地化”人才战略的典型代表。她的调任不仅是对个人能力的认可,更是诺华全球化布局的重要一步–通过本土化高管整合全球资源,应对新兴市场挑战,加速创新药普及。未来,吴铃在拉美及加拿大的表现,将成为观察诺华全球化战略成效的重要窗口。

来源:一度医药

对话默克周虹:MNC如何助力中国医药生态嵌入全球价值链?

时代为每一位参与者发放了角色牌。在中国市场深耕近百年的默克,希望用超350年积淀的系统能力,成为中国创新药国际化征程中的“首选合作伙伴”。而参与、见证中国医药产业从“跟随”到“引领”历程的周虹,顺理成章成为默克这一角色的重要代言人之一。  

 

海归不再是中国医药创新的主流,本土科研机构孵化的初创公司已崭露头角;靶点扎堆的“内卷”态势渐退,多元疗法与技术路径成为行业新风向;资本寒冬的寒意逐渐消散,“春天感”正在产业中蔓延。


从数据到现象,从理性判断到感性认知,在这场超90分钟却仍意犹未尽的对话中,周虹勾勒出过去一年间,她观察到的中国创新药生态细微却影响深远的变化。


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自2021年履新默克医药健康全球执行副总裁、中国及国际市场业务负责人以来,周虹观察中国医药产业发展的视角,从“聚焦局部”升级为“研判全局”。


与视角的跃迁相得益彰的是,当默克在全球明确推出“自主研发+外部引入”双翼驱动战略,且将核心领域的外部引入占比提升至50%,周虹对中国医药创新发展节奏与底蕴的洞见,更加深度融入了默克全球决策体系。


连续举办三年的“中国生物技术总裁圆桌会”(China Biotech CEO Roundtable),既是包括周虹在内默克全球管理层深度了解中国医药创新力量的契机,也是向中国市场传递默克开放合作诚意的重要窗口。


与前两年不同,默克今年更进一步,首次在中国举办开放创新日(Open Innovation Day):一方面扩容在中国的“朋友圈”,另一方面贴合中国医药创新近年的变化,主动寻找代表下一阶段创新方向的潜力伙伴。


这些变化背后是行业心态与创新生态的双重进化。同所有看好中国医药创新潜力、斥重资引入产品的跨国药企一样,默克希望与进化中的中国医药产业“同频共舞”。


紧迫感与使命感


若说2024年中国药企完成超90笔海外授权交易、总金额突破500亿美元的数据,让全行业看清“借船出海”是创新药渡过“资本寒冬”、在国际市场实现价值的清晰路径。那么2025年上半年,超50笔海外授权交易、传统大药企身影频现、总金额达484.48亿美元的盛况,则标志着中国医药创新已深度嵌入全球医药创新价值链的塑造过程。


从辉瑞与三生、诺华与舶望等今年引发行业热议的BD案例可见,跨国药企对中国创新药的关注,已从前两年的“扫货”逻辑,蜕变为“押注下一代技术”。他们期望借助已积累的全球化能力,与中国药企在未来国际市场中实现价值共创。


严格来说,默克与中国药企的合作并非最早,数量也不是最多,但周虹认为,默克对每一个合作项目都极为珍视:将外部项目引入到自身体系中更要认真对待。“默克在对外合作上,更聚焦、更关注,且希望达到平等共赢。” 


支撑这一理念的显性例证是与默克达成授权合作的恒瑞、和誉、泽璟,其在研项目均按节奏推进至关键阶段。以默克与和誉围绕针对腱鞘巨细胞瘤的Pimicotinib的合作为例,该产品的上市许可申请已获中国国家药品监督管理局药品审评中心正式受理,并计划在美国及其他全球市场同步递交上市许可申请。


而外界较少知晓的是,默克对外部创新的决策速度也已悄然升级。2023年,默克与恒瑞仅用不足5个月便完成交易。今年,默克外部创新投资委员会的步伐加快,决策效率进一步提升;与此同时,默克还在逐步拉平外部创新项目与自研项目的评价标尺,实现资源均衡分配。


周虹表示,这些改变源于默克对全球医药创新格局的三个判断,以及由此推导的明确结论:


第一,历史上新药研发的重大突破,均根植于疾病治疗理念的革新。在治疗理念未出现重大突破的当下,由研发技术进步驱动的“组合式创新”仍将延续,而这类创新的核心竞争力在于速度与效率。


第二,中国科学家一贯的勤勉所释放的“工程师红利”,让中国药企在生物医药组合式创新背景下,正从“跟随”蜕变为“引领”。这在ADC、双抗等细分技术赛道已经得到体现。


第三,过去10年中国医药产业创新生态的完善,无论是本土培养的创新人才,还是新近归国的科研力量,都为中国医药创新注入了新动能。


这三个判断背后的结论已显而易见:中国创新药企的海外BD交易,无论是数量还是质量,都将呈现上升态势。


默克的角色


自1933年进入中国市场,默克在中国生物医药产业中,兼具“百年品牌”与“创新引擎”的双重身份——既用格华止、优甲乐、爱必妥等经典品牌药见证着行业变迁,也通过快速引入全球创新药,积极参与中国医药创新生态的构建。


众所周知,在制药领域,没有任何国家或企业能实现完全自给自足。跨国药企与本土企业的合作,本质上是一种社会分工。“内部创新与外部创新相结合,是跨国药企长期采用的模式。”周虹表示。


但默克“首选合作伙伴”的定位内涵,与传统BD合作有所不同。周虹用两个“转变”进一步阐释:从“交易型合作”向“利益共同体打造”转变,从“聚焦补益管线的单点合作”向“聚焦长期战略价值与全链条协同”转变。


当然,所有转变的核心目标只有一个:助力包括中国药企在内的医药创新,借助默克卓越的全球商业化能力参与医药价值链重构。“默克与本土创新的合作,不仅在于产品,更在过程中,传递成熟的全球临床与运营经验。”


依托超350年的发展积淀,以及在全球65个国家的商业化布局,默克拥有对不同国家/地区复杂医疗体系的深刻理解、与各国监管机构的高效对接经验、结合全球视角与本地化洞察的市场动态适应力。周虹认为,这些能力支撑默克“在不同国家高效推进产品商业化,加速创新药物落地,提升患者可及性”。


以高度多元化的欧洲市场为例,它由32个细分市场组成,不同市场的发展节奏、准入体系差异显著。默克凭借系统能力,助力加速新药的审批和准入时间。“新药在欧洲平均获得医保的时间为531天,而我们的Bavencio(阿维鲁单抗)408天就获得准入,Tepotinib(特泊替尼)更是仅用305天就完成快速准入,还取得了良好的价格优势。”周虹分享道。


与默克“focused leadership strategy(做精做强、精准制胜)”一脉相承,其BD方向聚焦“自身擅长且具备丰富临床及商业化经验的领域”,同时对存在显著未满足临床需求的相邻赛道保持战略开放性。


基于不同的市场战略视角,周虹进一步分享了默克对合作方式与合作阶段的规划,即精准匹配不同市场需求与创新阶段,实现全球资源与区域价值的最优协同。


对于In China for Global,默克聚焦具备全球竞争力的First-in-class(首创新药)或Best-in-class(同类最优)药物,依托默克全球临床研发与商业化网络推动国际化。例如与和誉合作的Pimicotinib,正是通过这一路径将中国本土创新推向全球舞台,助力中国研发成果参与国际竞争。


对于In China for China,默克瞄准填补本土临床空白的晚期资产,快速响应国内患者的迫切需求。如与泽璟合作的注射用重组人促甲状腺激素(rhTSH),针对中国甲状腺癌术后管理的未满足需求,通过本地化合作缩短研发周期,让创新疗法更快惠及患者。


对于In China for Region,则更多挖掘适配新兴市场的“可支付性创新药物”,在医疗可及性与商业价值间寻找平衡点。这种“因地制宜”的思路,既拓展了创新产品的覆盖范围,也为默克在区域市场建立了差异化竞争优势。


在具体实施中,默克也会根据不同治疗领域的特性调整战略重心:肿瘤与神经领域覆盖“早期至晚期”全阶段项目,以捕捉前沿创新机会;内分泌、代谢与心血管领域则侧重晚期资产,利用现有商业化资源实现快速落地。


这种差异化的组合策略,让默克的BD战略既能深耕本土需求,又能放眼全球机遇。而这种深度融合的合作模式,也正是周虹,这位跨国药企中职位最高的华人高管希望完成的产业使命。


“虹”的世界


无论在罗氏还是默克,同事们都习惯称周虹为“虹”。某种层面上,带着桥梁意味的“虹”不仅是她的名字,更是她世界的底色:在跨国药企多元化管理团队中,她是中国创新与全球资源的“协调者”,联结起跨国药企与中国药企的深度化学反应。


她清晰地记得,2023年6月,默克关注到恒瑞在美国临床肿瘤学会(ASCO)年会上披露的PARP1抑制剂相关数据后,在她的搭线下,默克与恒瑞管理层的线下会面很快促成;4个月后,欧洲肿瘤内科学会(ESMO)大会召开期间,默克与恒瑞团队确定合作意向,ESMO会议结束,恒瑞直接转道默克德国总部,仅用时一周便合同谈判成功,默克德国团队被“中国速度”所激励,见证了中外团队深度融合带来的高效协同。


10年前,周虹为自己的“中国梦”列下一份任务清单:让全球创新药更快惠及中国患者、助力中国创新药走向世界、赋能中国人才登上全球舞台。10年后,她坦言:“前两项已基本实现,第三项也在稳步推进中。”


事实上,“中国梦”的第三项任务,也寄托着周虹对中国药企国际化的期许。她坚信,中国药企的名字未来必定会出现在全球制药TOP20榜单中,但仍需系统性构建“产品、企业、生态”三层出海能力:“创新产品的出海已实现突破,但企业乃至生态层面,还有很多‘内功’需要打磨。”


其中,至关重要的“内功”便是国际化人才储备。周虹认为,尽管如今已有不少中国高管在国际医药市场担任重要角色,但数量仍远远不够:“世界需要更深入地了解中国,唯有让中国声音融入全球战略决策,才能通过精准传递信息,让中国医药市场的形象更立体。”


出生于中国、成长于德国、求学于英国,在默克任职期间负责多国的国际市场业务,这些“沉浸式历练”,让周虹深刻理解不同市场的商业逻辑,也让她渴望将自己一路“趟”出来的经验,传递给更多同行。


基于自身经历,周虹认为,国际化人才最关键的能力是“在不同文化语境中灵活调整沟通方式与领导风格”,“全球领导岗位的核心要求,是能适配文化差异。” “比如面对巴西市场,需以‘热情共情’建立信任;对接日本团队,需以‘细节严谨’传递尊重;而带领德国团队时,需要给予更多的自主权和赋能。”


这种“换位思维”的本质,是“既懂全球规则,也懂本土逻辑”,避免因文化隔阂导致策略落地偏差。而这恰恰是中国医药创新以集成之势走向海外,面对目标市场国保守派对“竞争格局冲击”的担忧,中国药界人士需以“换位思考”传递真实信息的关键所在。


周虹希望通过助力更多中国人才突破“国际化能力瓶颈”,让中国医药创新真正在全球产生深远影响力。为此,她笑言早已规划好退休后的角色:“我想在退休后做年轻管理者的辅导员”。这样,她就可以把自己带着温度的实战经验,传递给更多的人。


来源:E药经理人

5.6亿美元!罗氏达成重大合作

Starpharma将运用其专有DEP®平台技术,开发整合基因泰克药物的树枝状分子药物偶联物,用于特定肿瘤靶点。Starpharma将立即启动开发工作,并就上述靶点与基因泰克开展独家合作。


Starpharma将获得550万美元(约合830万澳大利亚元)的前期付款,并有资格获得最高达5.6亿美元(约合8.55亿澳大利亚元)的研发、商业化及净销售额里程碑款项,同时还将按分级结构获得合作产品全球净销售额的版税。


Starpharma的DEP®平台技术在药物开发中具有显著优势,包括提高溶解度、提高疗效、药代动力学控制和改善毒性特征。这些优势可应用于广泛的药物类别,例如小分子、肽和蛋白质,以及化疗药、放射治疗药和抗体药物偶联物的开发。这些好处为公司提供了通过区分其产品组合和解锁其他治疗适应症来增强产品属性的机会。


Starpharma首席执行官Cheryl Maley评论道:“我们很高兴签订这项协议,该协议认可了Starpharma的树枝状聚合物技术及其有利于新药开发的潜力。这也反映了Starpharma和基因泰克在过去三年中所做的辛勤工作,我们之前的合作研究重点是利用Starpharma专有的树枝状聚合物技术平台DEP®创新和开发癌症疗法。基因泰克世界一流的科学专业知识使他们成为理想的合作伙伴,我们期待共同努力改善患者的治疗效果并实现Starpharma的DEP®技术平台带来的优势。


“在三年的合作研究基础上,我们相信两个团队的共同承诺和优势将实现有效的执行,其总体目标是为患者提供有意义的结果。


“Starpharma的一个关键战略优先事项是建立新的、高影响力的合作伙伴关系,以释放我们DEP®平台的全部潜力。通过积极寻求许可机会并与领先组织合作,我们的目标是扩大市场范围,使我们的合作伙伴能够为全球患者提供显著改进的疗法。


罗氏企业业务发展主管Boris L. Zaïtra评论道:“60多年来,我们一直在开发创新的肿瘤药物,我们对癌症护理转型的奉献精神始终坚定不移。我们致力于将科学转化为改变患者生活的突破。


参考来源:Market Index

专访周虹:默克BD进化的速度、火种与桥梁

在2023年6月的美国临床肿瘤学会(ASCO)年会上,一则标注着"PARP1-selective inhibitor HRS-1167"来自中国药企恒瑞的临床数据,吸引了默克全球BD团队的合作兴趣。 

 

仅在5个月之内,默克和恒瑞便达成正式合作协议:默克获得HRS-1167在中国大陆以外的全球范围内开发、生产和商业化的独家权利,以及对于ADC药物SHR-A1904的独家选择权。恒瑞获得1.6亿欧元的预付款,此外,基于合作研究项目取得的特定研发进展、注册进展和商业化里程碑,恒瑞有权获得最高达14亿欧元的额外付款。


这只是一个小小的破冰之旅。紧接着,和誉、泽璟等不同的中国创新药企与默克先后达成了外部创新合作。近年来,随着中国创新药的License-out呈现井喷之势,中国创新药的价值和速度也获得了公认,默克的布局有着先验者的姿态。面对中国创新药企的蓄力崛起,默克这一拥有350多年历史、在华深耕超过90载的老牌德国药企表现出了诚意与敏捷:自研与引入双翼驱动,在华频频出手达成合作。


9月初,在默克第三届中国生物技术总裁圆桌会(China Biotech CEO Roundtable)的次日,周虹接受医趋势专访,作为目前在跨国药企全球管理层里职位最高的华人女性,她用自己的视角解析跨国药企在华BD提速的现象,深度探讨中国创新生态与老牌跨国药企之间的共融共生,以及默克致力于成为医药健康领域“首选合作伙伴”背后的底层逻辑。


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▲默克医药健康全球执行副总裁、中国及国际市场负责人周虹


一切正在发生变化


2021年,从罗氏中国区总裁到接过默克抛来的橄榄枝时,周虹给自己的定位是“桥”:“我希望做好多元文化中间的桥梁,不管是在德国、中国还是其他国际市场,就好像一个外交官一样能促进互相之间的理解和支持。” 周虹管理着默克医药健康业务除北美外的全部市场。此外,周虹还负责默克全球心血管、代谢和内分泌业务,这一业务占据默克四大治疗领域的核心地位。


话题从刚刚结束的默克中国生物技术总裁圆桌会和首届默克开放创新日(Open Innovation Day)开始,今年有什么新的变化呢?“不同于以往大部分海归背景的标配,今年圆桌对面的创始人,一些并没有海归背景,而且,我们不仅看到成熟生物技术企业的创新力在不断发展,一些科研机构、院校孵化出来的公司创始人还非常年轻、很有活力。”周虹直言,“另外一个最重要的变化是更多元化。不同于以往比较集中的热门靶点,如今的创新可能发生在不同的领域、不同的疗法、不同的技术和不同的阶段。“


速度、高效仍然是中国创新公司不变的标签,变化的是越来越多聚焦First-in-Class或者Best-in-Class的创新产品。这是过去十年中国创新药产业积累的结果,当中国创新药力量的蓄力崛起,与跨国药企的管线调整布局双向奔赴,会快速生长出新鲜的故事。


比如2023年12月,默克与位于上海的和誉医药达成一项重要合作:默克获得了CSF-1R抑制剂Pimicotinib在中国内地、中国香港、中国澳门及中国台湾的独家商业许可,并拥有全球其余市场的选择权。首付款7000万美元。


2024年11月,全球III期MANEUVER研究针对腱鞘巨细胞瘤(TGCT)的研究结果公布。数据显示,MANEUVER研究达到主要终点,第25周时,Pimicotinib组的客观缓解率(ORR)达54.0%,相比安慰剂组的3.2%具有显著优势。


2025年4月,默克行使全球商业化选择权,行权费用为8500万美元,从而获得了全球范围内商业化Pimicotinib的权利。


三年三大步,和誉和默克合作的范式,一方面呈现了中国创新展现出同类最佳(Best-in-Class)潜力,获得了突破性进展,其临床价值逐渐获得国际认可;另一方面,对于默克这样的跨国制药公司来说,助力中国创新走向国际舞台正在成为一再被验证、切实可行的落地战略,中国正在成为外部创新重要的策源地。


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首选合作伙伴与借船出海


中国医药健康业务是默克全球的第二大市场。在默克医药健康全球,中国业务贡献率超过15%。这从侧面印证了中国市场对于默克的重要性。


2023年,在全球管理层达成一致,将外部项目合作作为公司补益研发管线的重要战略后,默克专门成立了“外部创新投资委员会”,成员除周虹之外,还包括北美市场负责人、研发负责人、CEO以及CFO。今年,外部创新投资委员会的决策步伐更是进一步加快。


那么,什么样的项目会成为默克的优选呢?“战略契合度、科学创新性、执行能力是默克考量的三个主要维度。”周虹解释道。


“首先,我们不会踏足完全没有经验的领域,合作项目与默克本身管线应该具有协同效应;其次,是对应未被满足的临床需求,合作项目具有创新性;再来,是合作伙伴对研发及创新的持续投入;最后,当然离不开合作项目是否可商业化,诊疗路径是否可预见。”


默克的策略是“focused leadership strategy”,即优先聚焦现有核心治疗领域,同时,对存在巨大、未被满足临床需求的相邻赛道保持战略开放性。在全球寻找合作项目时,默克也基于不同的市场战略有着细分的侧重方向。对于China for Global,默克重点关注具有全球创新竞争力First-in-class或Best-in-class的创新药物;对于China for China,默克侧重能够填补中国临床空白、满足未被满足的医疗需求的优质创新资产;而对于China for Region,默克则关注更具可负担性的创新药物,希望能够切实惠及患者,尤其是在新兴市场。


依托超过350年的深厚积淀,默克在全球65个国家都有商业化布局,在全球各主要市场均根基深厚。“凭借对不同国家/地区复杂医疗体系的深刻理解、与各国监管机构的高效对接经验,以及结合全球视角与本地化洞察的市场动态适应力,默克在不同的国家都能高效推进产品的商业化,加速创新药物落地,提高产品可及性。”周虹如是说。


在创新驱动发展战略的支撑下,中国的整体创新环境正在不断演变,一年以前还在担心资本寒冬的中国创新药市场,如今创新生态自我生长的速度更快到来。周虹把这种现象称为“内生性火种”。在她看来,中国医药产业正在跨过“Me-Too 冗余—资本出清—源头重生”的完整周期,而跨国药企如果还停留在“来扫货”的认知,将错过下一波“生态共创”的红利。

来源:MedTrend医趋势