CC-MK-00115-CN A_Poster Bicarbon 人工机械心脏瓣膜
Q&A ｜ 陈映舟：我的绘画与现实世界的关系就是我的绘画是现实世界里的一个物体
陈映舟
Chen Yingzhou
1995年出生于广东深圳，2019年毕业于中央美术学院雕塑系第三工作室，2021年毕业于马里兰艺术学院 Mount Royal School of Art (Multidisciplinary Art).
陈映舟致力于结合互联网网民制作图像的思维和传统架上绘画的绘制思维来创作作品，尝试使用meme（梗文化），trolling（巨魔），mash-up（杂糅）， kitchen sink（厨房下水道式的）等早期互联网内容创作思维来消解政治意识形态，热点时事议题，哲学宗教等的宏大叙事。作品形式类似讽刺漫画，波普艺术。手工模仿电脑电子绘图效果，结合漫画，插图的视觉元素。
参展经历：“夹山改梁 第一期”，中央美术学院版画系展厅，2017；“夹山改梁 第二期”，花家地北里小区某二居室，2019；“刚刚骑车突然有人问路，问：前有公园吗”，可以画廊，2019；“绿厂艺术节”，深圳绿厂，2019；“Nose Art Project 群展｜姑且相信”，凹凸空间，2019；“动情，1949后变局中的情感与艺术观念”，中间美术馆，2019；“绘画是观念艺术家的通行证，观念是绘画艺术家的墓志铭”，线上展览，2019；“大老黑”，上海某别墅，2019；“无论盛开还是不盛开，花都是”，可以画廊，2022。
Chen Yingzhou, born in 1995 in Shenzhen, Guangdong, graduated from the Third Studio of the Sculpture Department of the Central Academy of Fine Arts in 2019 and Mount Royal School of Art (Multidisciplinary Art) of the Maryland Institute College of Art in 2021.
He is dedicated to creating works that combine the thinking of Internet users in making images and the traditional drawing thinking of easel painting, employing meme, trolling, mash-up, kitchen sink, and other early Internet concepts to dissolve political ideologies, timely subjects, philosophies, religions, and other grand narratives. His works are similar to satirical cartoons and pop art, handcrafted to imitate the effect of computer graphics, combining the visual elements of comics and illustrations.
Exhibition experience: "Jasagala Phase I," Exhibition Hall of the Department of Printmaking, Central Academy of Fine Arts, 2017; "Jasagala Phase II," a two-bedroom apartment in Huajiadibeili community, 2019; "I was riding my bike, and suddenly someone asked for directions and asked: Is there a park in the front? " Keyi Gallery, 2019; "Green Factory Art Festival," Green Factory, Shenzhen, 2019; "Nose Art Project Group Exhibition｜Temporarily Believe," Aotu Space, 2019; "Moving Emotions, Emotions and Artistic Concepts in the Post-1949 Change", Middle Art Museum, 2019; "Painting is the Pass of Conceptual Artists, Concepts are the Epitaph of Painting Artists," online exhibition, 2019. "Big Old Black," a villa in Shanghai, 2019; "Whether blooming or not, the flower is," Keyi Gallery, 2022.
展览现场
Exhibition View
Q：流淌的液体，扭曲的肉体形象让人联想到克苏鲁文化，为何喜欢描绘这些形象？
A：流淌的液体是画的比较顺手的形象，肉体变形也是想画的更出其不意一些，也没有故意向克苏鲁靠，毕竟都还没画大触手。
Q: The image of flowing liquid and distorted flesh reminds people of the Cthulhu culture; why do you like to depict these images?
A: The flowing liquid is a more comfortable image to paint; the flesh deformation is also trying to paint with more surprises. There is no intentional leaning towards Cthulhu. After all, there are no giant tentacles yet.
Q：恐怖与幽默是你作品中显著的特质，你如何看待这两种元素？它们具有冲突性吗？
A：我觉得幽默是对苦大仇深的反叛，而且对于观众来说不需要门槛。恐怖倒没有故意使用，可能我画出来的东西就是很吓人？
Q: Horror and humor are distinctive qualities in your works; how do you see these two elements? Are they conflicting?
A: I think humor is a rebellion against bitterness and hatred, and it doesn't need a threshold for the audience. I don't use horror intentionally. Maybe what I paint is just scary?
少女与苹果 Young girl and apple
布面丙烯 Acrylic on Canvas
80cm x 60cm
2021
水上运动 Water Sports
布面丙烯 Acrylic on Canvas
120cm x 120cm
2021
夫妻拍档 Husband and wife team
布面丙烯 Acrylic on Canvas
120cm x 80cm
2022
少女、苹果与蜘蛛 Young girl, apple and spider
布面丙烯 Acrylic on Canvas
21cm x 30cm
2021
少女与苹果 Young girl and apple
纸本墨水 Ink on paper
21cm x 30cm
2022—2021
Q：在纸本作品中你频繁使用分格漫画的形式，这种形式对你来说意味着什么？试图表达什么样的观念？
A：可能是因为我有看过一些漫画，所以想用漫画的形式去创作，但我觉得这是一个弱点，因为很多时候无法在一个画框里把想讲的故事讲清楚所以才用分格来扩大空间。
Q: In your drawings, you frequently use the comic book format; what does this format mean to you? What kind of ideas are you trying to convey?
A: Maybe because I have read some manga, so I want to use the form of manga to compose. Still, I think this is a weakness because often, it is impossible to tell the story clearly in one frame. Hence, I adopt compartmentalization to expand the space.
Q：你认为自己分格漫画式的绘画和真正的分格漫画有什么区别？如果有的话，你如何使它成为绘画？
A：我没画过自己分格漫画，我的漫画都是找日常收集来的表格，把格子里原有的内容消除后再填入漫画，所以格子不是我分的，真正的分格漫画的格子是漫画作者分的，他可以按照漫画内容来调整格子，但我的是随机的。但这是不是可以成为绘画或漫画我也不知道，可能看你怎么定义绘画和漫画了。
Q: What do you think is the difference between your own manga-style drawings and actual manga? If so, how do you make it a work of art?
A: I don't draw my own comic book. I draw my own comic book using sheets that I collect every day. I then fill in the content after eliminating the original content of the grid so I don't divide the grid. In a real manga, the grid is divided by the manga author, and he can adjust the grid according to the content of the manga, but mine is random. But whether this can be a painting or a comic, I don't know. It probably depends on how you define artwork and comics.
Comic 5 & 26
纸本墨水 Ink on paper
21cm x 30cm
2020
Comic 27 & 22
纸本墨水 Ink on paper
21cm x 30cm
2020
Q：在纸本作品的纸张选择中你喜欢使用类似宜家说明书或某种表格一类的材料，为什么？
A：使用表格是因为想用表格的格子当成漫画的格子来画漫画，用打印材料是因为有时候面对空白的画纸无从下手，用本来就有内容的纸上可以消除下第一笔的恐惧。
Q: In the choice of paper for the drawings, you like to use something like IKEA instructions or some kind of table; why?
A: use a table because I want to use the grid of the table as the grid of the manga to draw the manga. I use print material because sometimes I can't begin to draw on blank paper, so I can eliminate the fear of making the first stroke on it with a piece of paper that already has contents.
自大狂的坟墓 The grave of egomania
纸本墨水 Ink on paper
21cm x 30cm
2020
Q：你的作品中常出现意识形态符号与批判性，你如何通过绘画来表达它们？
A：我觉得批判倒说不上，顶多算记录吧，因为很多意识形态也就产生不到几十年，而且不久后可能会消失。
Q: Ideological symbols and criticism often appear in your works; how do you express them through your paintings?
A: I think it's not so much a critique but a record at most because many ideologies have existed for less than a few decades and will probably disappear quickly.
凭什么他们能上天堂？我也牺牲了自己！Why could they go to heaven? I sacrificed myself, too!
布面丙烯 Acrylic on Canvas
80cm x 60cm
2021
意识形态批判你需要 Ideologycritiue you need
纸本墨水 Ink on paper
21cm x 30cm
2020
少女和苹果 Lady and an Apple
纸本墨水 Ink on paper
21cm x 30cm
2021
Q：你的绘画与现实世界是一种什么样的关系？
A：我的绘画是现实世界里的一个物体。
Q: What is the relationship between your paintings and the real world?
A: My painting is an object in the real world.
Q：素描在你的绘画中作为一个很重要的语言方式，你是如何看待并使用素描的？
A：素描比较顺手所以用了。
Q: Sketching is an essential language in your paintings; how do you see and use it?
A: Sketching is more comfortable, so I use it.
3p
纸本墨水 Ink on paper
21cm x 20cm
2019
公明少年 Koumei shounen
纸本墨水 Ink on paper
21cm x 30cm
2019
Q：你的纸本绘画与布面绘画在语言形式上呈现出一种混杂与分裂感，你如何看待这种状态，会去想要追求一种相对统一的语言吗？
A：可能是我还没有理解或者熟悉系列绘画的创作动机和过程，导致我想要一张里让画更有意思或者成立。可能到我理解了系列绘画的创作方式之后就会追求一种相对统一的语言吧。
Q: Your paintings on paper and canvas present a mixed and divided feeling in terms of language forms; how do you feel about this state of being, and do you want to pursue a relatively unified language?
A: Maybe I haven't understood or wasn't familiar with the motive and process of creating series of paintings, which led me to want to make the paintings more interesting or justifiable in single one. Maybe I will pursue a relatively unified language once I understand how to create a series of paintings.
Q：最近有什么新的创作计划与方向吗？
A：想要再画点画幅大的作品，或者绘制系列绘画？
Q: Do you have any new plans and directions recently?
A: Want to paint larger works or make a series of paintings?
烂番茄 Rotten Tomatoes
布面丙烯 Acrylic on Canvas
100cm x 80cm
2021
烂番茄 Rotten Tomatoes
布面丙烯 Acrylic on Canvas
21cm x 30cm
2021
无题 Untitled
Acrylic on Canvas 布面丙烯
80cm x 50cm
2020
Iroi
纸本墨水 Ink on paper
21cm x 30cm
2020
少女 Lady
纸本墨水 Ink on paper
21cm x 30cm
2021
少女和苹果 Lady and an Apple
纸本墨水 Ink on paper
21cm x 30cm
2021
圣卡 Saint cards
纸本墨水 Ink on paper
21cm x 30cm
2021
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Q&A｜刘劲祎：波波咯咯波波里波波里波
刘劲祎
Liu Jinyi
1995年生于中国北京，目前生活于纽约。他2018年在马里兰艺术学院获得学士学位（Maryland Institute College of Art），研究生目前就读于纽约视觉艺术学院纯艺专业 （School of visual art, MFA）。
刘劲祎的作品是对艺术创作和日常生活的玩味解读。关注互联网时代的文化性冲突，以及文化冲突背后相互对抗又相互依存的共存关系。艺术家认为，我们当前的信息环境已经超出了人类的感知能力。图像、视频和图形嵌入并不断的增生，迅速的占据了在线世界的每个角落，其数量似乎无穷无尽。“我从这个网络宇宙中收集图片。电子游戏、漫画、流行音乐和网络小说。我将它们作为一个象征性的图像与我的绘画痕迹结合起来。用它们来制造一些充满误解但同时具有乐趣的对话和叙事。”艺术家采用了生物学上有机结合的概念。他把源自不同文化的不同符号看成是生物细胞，并让它们在他的画作中有机的结合，转化为全新的语言和叙事。
近期展览：“变态者绘画指南”，拟像空间，北京，中国，2022；“热烈的共舞于街中”，弥金画廊，上海，中国，2022；“Conceive：怀耘构月”，Latitude Gallery，纽约，美国，2022；“成对的破坏者”个人项目，盘子空间，北京，中国，2021；“No Theater” 放映厅，喜马拉雅美术馆，上海，中国，2021；“正在重新规划路线”，树美术馆，北京，中国，2021。
Liu Jinyi (b. 1995, Beijing, China) is an artist currently living in New York. He received his bachelor's degree (Maryland Institute College of Art) in 2018, and his graduate degree is currently studying at the School of Visual Art (MFA) in New York.
Liu Jinyi's works are playful interpretations of artistic creation and daily life. Focus on the cultural conflicts in the Internet age, as well as the mutual confrontation and interdependence behind the cultural conflicts. The artist believes that our current information environment is beyond human perception. Images, videos, and graphics are embedded and proliferated, rapidly occupying every corner of the online world in a seemingly endless number.
"I collect pictures from this cyber universe. Video games, comics, pop music, and web novels. I combine them as a symbolic image with my drawing traces. I use them to make something misunderstood but fun at the same time. Dialogue and narrative."
The artist adopts the concept of biological integration. He regards different symbols from different cultures as biological cells, and allows them to be organically combined in his paintings, transforming them into a new language and narrative.
Recent Exhibition: “The pervert’s guide to painting”, Simulacra art space, Beijing, China, 2022; “Romantic street dance”, Gene Gallery, Shanghai, China, 2022; “Conceive”, Latitude Gallery, New York, United State, 2022; “Pair of spoiler” solo project, Plate Space, Beijing, China, 2021; “No theater” video art screening, Himalayas museum, Shanghai, China, 2021; “Redirecting”, Tree museum, Beijing, China, 2021.
展览现场
Exhibition View
Q：如何看待绘画中的幽默性，这只是一种个人趣味还是对作品表达有更多的功能性？
A：当然最开始的驱动力是个人趣味，我会把觉得好玩的想法放到作品里。但是后来细想想，幽默性的表达一定有其功能。我之前读过一本书，是哲学家Simon Critchley的On Humour。在这本书里他对幽默有一个解释，“ 幽默可以让我们成为生活的哲学旁观者”。我非常认同。
Q:How do you see the humor in your paintings? Is it just a personal interest, or is it more functional to the expression of the work?
A:Of course, at first, it was driven by personal interest; I would put ideas into my work that I thought was funny. But then I thought about it and realized that humor must have a function. I read a book by philosopher Simon Critchley, On Humour, in which he explains that humor can make us philosophical spectators of life. I couldn't agree more.
Q：根据你的海外经验，中国年轻艺术家和美国年轻艺术家最大差异性在哪？（受教育经历和审美差异）
A：我个人没觉的有什么特别的差异。
Q:Based on your experience abroad, what are the most significant differences between young Chinese artists and young American artists? (Educational experience and aesthetic differences)
A:Personally, I don't see any particular difference.
Q：你在美国纽约做过展览，那边艺术圈从参展到销售是什么逻辑，你的感受怎么样？
A：我感觉挺好的。
Q:You have exhibited in New York; what is the logic of the art circle from exhibition to sales there, and how do you feel about it?
A:I felt pretty good.
孩子们眼中的希望是什么形状 The shape of hope in the eyes of children
丙烯和数字打印拼贴 Acrylic and ink on canvas
157cm × 120 cm
2022
无量の砍在了空处 Infinite blade void
布面丙烯 Acrylic on canvas
150 x 150cm
2021
Q：可以详细介绍一下这种图层式以及PS笔刷式的绘画语言背后的观念吗?
A：我特别喜欢街头艺术。不是那种精致的Graffiti，而是街头那些贴着一层一层，被撕开又有破损的海报和广告，还有那些喷在上面的乱糟糟的线条。我一直认为网络社群就是另一个街头。它从功能上继承了，也在视觉语言上有一定的相似。我会把鼠标的敏感度调高，然后在ps上画出很失控和幼稚的线条，这个感觉和我第一次用Spray paint很相似。
Q:Can you elaborate on the concept behind this layer-based and PS brush-like painting language?
A:I especially like street art. Not the exquisite graffiti, but the posters and advertisements that are torn and damaged and the messy lines sprayed on them. I've always thought of the online community as another kind of street. It inherits its functionality and also has some similarities in visual language.I would turn up the mouse's sensitivity and then draw very out of control and childish lines on ps. This feeling is very similar to my first time using spray paint.
Q：作品中的中文字符，在非中文语境扮演的角色是怎么样的呢? English-speakers对这些符号是怎么认知的呢？
A：我研究生的导师总是问我一个问题，就是 “你的观众是谁”。而我觉得我的作品还是要依托一个中文的语境去解读的。而且我觉得中文字符给我的画面一种特殊的气氛。我小时候特别爱看港漫，什么《天子传奇》那些。每次里面角色用个什么技能，旁边就会有书法字体写的很中二的招数名hhh。所以我画面里的中文的作用一方面是传递信息，一方面是作为一个记忆中的视觉元素去烘托气氛。
Q:What is the role of Chinese characters in the work with non-Chinese contexts? How do English speakers perceive these symbols?
A:My graduate advisor always asked me, "Who is your target audience? "And I think my work still has to be interpreted in a Chinese context.
And I believe that Chinese characters bring a unique atmosphere to my images. I especially loved watching Hong Kong manga, such as "Legend of the Son of Heaven," when I was a kid. Every time a character uses a specific skill, there will be a cheesy calligraphy font that writes the name of the move next to it, lol. So the role of Chinese in my image is, on the one hand, to convey information; on the other hand, as a visual element of memory to enhance the ambiance.
危险危险危险 Dangerous
丙烯和数字打印拼贴 Acrylic and ink print on canvas
121cm x 91cm
2022
世界第三 No.3
丙烯和数字打印拼贴 Acrylic and ink print on canvas
150cm x 119cm
2022
Q：如何看待流行文化对绘画的影响？
A：流行文化是我创作的基础和背景。我认为的流行文化就是当下进行中的文化，不应该解读成有着某种意识形态属性和时代背景的文化。
Q:How do you see the influence of pop culture on painting?
A:Pop culture is the basis and background of my creation. What I think of as pop culture is the ongoing culture of the moment and should not be interpreted as a culture with specific ideological attributes and the background of the times.
Q：你怎么看待在今天当代艺术的状态，绘画这个媒介, 或者说你为什么选择绘画？你想表达的是不是必须通过绘画才能实现？
A：我也不是只做绘画，我也做装置和影像。但是绘画我觉得是更私人和自由的。
Q:How do you see the painting medium in today's state of contemporary art, or why did you choose painting? Does what you want to articulate have to be realized through painting?
A:I don't only do painting; I also do installation and video. But as for painting, I think it is more intimate and accessible.
成对的破坏者 Pair of spoiler
互动装置及影像 Interactive installation & video
2022
每天跑步让我减了10斤 Lost 10bls by running every day
影像 Video
2020
铁甲蛹的爱情 Metapod love
互动装置及影像 Interactive installation & video
2020
Q：艺术家是否该将社会实时动态和新闻融入进创作？
A：我不会说该不该，我很反感艺术家责任这种东西。但是我觉得肯定是会收到时事影响的。我觉得我在创造时总是会不自觉的联系到一些对社会新闻的感想，可能老是逛知乎逛的头大。
Q:Should an artist incorporate real-time social developments and news into his work?
A:I wouldn't say yes or no; I detest such things as artist responsibility. But I think it is definitely influenced by current events. I guess I always unconsciously connect to some feelings about social news when I create; maybe I always have a headache from browsing Zhihu.
前有朋友 Friend ahead
布面丙烯 Acrylic on Canvas
157cm x 157cm
2022
星之卡比 Star@snorlax
布面丙烯 Acrylic on canvas
120cm x 94cm
2022
我已再不渺小 I am not little anymore
布面丙烯 Acrylic on canvas
152cm x 198cm
2022
Q：你的作品使用了大量的视觉符号现成品，你是如何做出这一选择的呢？
A：我觉得使用现成品不是一种选择，对他们视而不见才是吧，毕竟身边到处都是。如果非要跳过这些去选择别的，有点不自然。
Q:You use a lot of visual symbols in your work; how did you make your choice?
A:I don't think it's a choice to use ready-made products; it's a choice to ignore them; after all, they are everywhere around us. It's a bit unnatural to have to skip them and choose something else.
到此一游 Was here
布面丙烯 Acrylic on Canvas
162cm x 167cm
2021
剪影你的轮廓太好看 I am in love with the shape of you
布面丙烯 Acrylic on Canvas
187cm x 111cm
2021
热烈的共舞于街中 Romantic street dance
布面丙烯 Acrylic on Canvas
190cm x 114cm
2022
社交名流巨像保镖 Celebrity look like security
布面丙烯 Acrylic on Canvas
137cm x 127cm
2021
什么玩具可三人共享 Toys that can be shared
布面丙烯 Acrylic on Canvas
167cm x 96cm
2021
Give me a computer when I am 18
布面丙烯 Acrylic on canvas
157cm x 157cm
2022
Teeeeam work
布面丙烯 Acrylic on canvas
170cm x 96cm
2021
拜泪 Save your tears
布面丙烯 Acrylic on Canvas
101cm x 119cm
2021
©文章版权归属原创作者，如有侵权请后台联系删除
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Q&A ｜ 吴凌昊：¿¿¿¿¿¿¿¿¿
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吴雷蕾 艺术家工作室, 米兰 2023 |
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" 伪装的条纹和断层线，定格在纹理光滑又完美的一刻 "
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你的作品很多时候都与特定的空间相结合，如何看待作品在叙事中扮演的角色？ | ||||
| 很荣幸有机会能够被一些有能量的场域邀请去做特定地点(site-specific)的展览。去年做的第一个小型个展是通过米兰设计周的Alcova平台的扶持，他们每年都给一些年轻人提供自由思考的试验场。当时的场地是在一个郊区的废弃军事医院里，整个工作流程非常不可思议，我参与了一切的激活废墟工作：除草，吸尘，清洁房顶，接电表箱等等。我将雕塑作品拟态化，并让它们在空间内执行某种特定机制。最终将展览场地建设成一个神秘、偶然的避难所，一个离奇的故事正在被慢慢激活。随后同一套作品又去了一个在入侵牙科诊所临床空间的群展，展览声称了一种不同的存在生态，希望通过恢复对身体的倾听，从而诊断被压抑的人。我希望通过作品中的晕眩和秩序，带给观众情感相互交织的复杂感受。我的固定的作品（约束，条件）可以替换不同的维度去适应和构建新结构和模式，更像是一种“潜在文本”（Ouvroir de Littérature Potentielle）的游戏。 |  |
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Curious, if ture., 2022, curated by Yicong Sun, photo credit：Tessa Chung，supported by Alcova 2022
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由于你的作品通常是以3d打印等数字制造的形式呈现，怎么选择作品材质的？ | ||||
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出于对工艺和工业的高度尊重和对各种材料的数字制造技术的掌握，我会从材质出发来创作作品，我试图在数字雕塑工艺语言与自然语言的极度接近中找一种时间维度的突破口，构建新人类的幻觉和梦想，进入一个新版本的现实世界当中。这些年尝试过不同的构建方法和材料，通常以增材构建（additive manufacturing）为主。在SIMULACRA的“不太纯粹的理性批判”展览中，是我第一次使用铝这种材料去进行减材制造（subtractive manufacturing），这次展览同时也标志我进入了一种混合制造（hybrid manufacturing）的工作流程，也是我第一进行架上作品的尝试。在本次“竞技场”上，数学的严格性和无尽的自由结合。我使用了干净闪亮的金属铝在数字实验室中被熔炼出的混乱状态，伪装的条纹和断层线，定格在纹理光滑又完美的一刻。 |
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The Thing, 2022, Strange Unproductive Thinking, curated by Leonardo Bentini e Deborah Maggiolo, photo credit: LawLup
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你的作品的雏形/来源是什么？ | ||||
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在UC1000-04系列中，呈现的是我和个人叙事架构和世界观中的切片（slicer），是我想象中的景观的一部分。通过对想象力的研究，生命出现了一种复杂潮湿，产生了一种不可逆转的切片，宇宙时间的启示，金属铝纯粹的冷漠，重塑数字切片在物理世界的感知和概念。就像古罗马诗人奥维德在变形记中表达的那样，无机生命和有机生命，并不是相反的两极，而是沿着统一万物的连续体流动和融合。 |
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UC1000系列，2023，Critique of Not-so-pure Reason不太纯粹理性批判，curated by SIMULACRA拟像
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你希望你的作品首先传达出气质还是内容？ | ||||
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气质。于我而言，气质带给人的感受更加强大和真实。 |
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你认为艺术与装饰物（家具、首饰等）的区别在哪里？你认为你那些有功能性的雕塑作品，是否模糊了艺术与家具间的边界呢？ | ||||
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我不太认同艺术和装饰物的需要以品类分类界限划分，比较认同的是以个人为探索为分支的自定义创作（bespoke）和以商业目的标准化批量生产（Mass production）来划分。 如今在们生活在一个由我们自己造就的单调的产品世界里，新一代的年轻艺术家出于各种材料和成型方法的热衷与敬畏，以及欧洲商品相对高的物价，除了各自的主线创作工作，闲暇之余在日常生活中也会用擅长的材料给自己制作具有功能性的日常用品。我们私下经常交换各自bespoke的小物件。我都视作珍宝，这些物件的能量就好像是陨石碎片。是艺术家自身对当下状态的一种投射，愉悦，表达。 在外界看来我一直在试图模糊艺术和家具两者的边界。但我并不认为这两者存在鸿沟。我只专注于材料和技术之间美丽的混乱，我想这是一种解放。 |
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The Thing, 2022, Strange Unproductive Thinking, curated by Leonardo Bentini e Deborah Maggiolo, photo credit: LawLup
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你认为在未来，艺术与设计这两个词还会有矛盾性吗？ | ||||
| 其实也没有必要下结论。因为一种新的具有包容性和多样性的生态正在稳定的意义领域逐步建立新的秩序，以激发变革和平等为目的的创造才是最关键的。人类情感是复杂的，在一些因素的激化下，强大的情感冲击附着在某一主体或实体上能达到最佳的扩张作用，不可抗拒地召唤着思想和想象力的塑造力量，突破时间、空间和一切。 | |
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The Thing, 2022, Strange Unproductive Thinking, curated by Leonardo Bentini e Deborah Maggiolo, photo credit: LawLup
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Your work is often combined with an off-site. How do you see the role it plays in the narrative? | ||||
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It's a privilege to be invited to site-specific exhibitions by energetic venues. The first small solo exhibition I did last year was supported by the Alcova platform of Milan Design Week, which gives young people the opportunity to experiment with free thinking every year. The site was in an abandoned military hospital in the suburbs, and the whole work process was incredible. I was involved in activating the ruins: weeding, vacuuming, cleaning the roofs, connecting the meter boxes, etc.. I anthropomorphised the sculptures and made them perform a specific mechanism within the space. The final construction of the exhibition site is a mysterious, serendipitous sanctuary where an offbeat story is slowly being activated. The same set of works then went on to a group exhibition in the clinical space of an invasive dental clinic, where the show claimed a different ecology of being, hoping to diagnose the repressed by restoring a listening ear to the body. I want to bring the viewer a complex feeling of intertwined emotions through the dizziness and order in work. My fixed works (constraints, conditions) can be replaced with different dimensions to adapt and build new structures and patterns, like a game of potential texts (Ouvroir de Littérature Potentielle). |
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Curious, if ture., 2022, curated by Yicong Sun , photo credit：Tessa Chung，supported by Alcova 2022
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As your work is often digitally manufactured in the form of 3d printing, how do you choose the materials for your work? | ||||
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Out of high respect for craftsmanship and industry and a mastery of digital fabrication techniques in various materials, I create my work from materials. I try to find a breakthrough in the temporal dimension in the extreme proximity between the language of digital sculptural processes and the language of nature, to build new human illusions and dreams, and to enter a new version of the real world. Over the years, I have experimented with different construction methods and materials, often with additive manufacturing. SIMULACRA's exhibition, 'A less purely rational critique', was the first time I used aluminium as a material for subtractive manufacturing, and the exhibition also marked my entry into a hybrid manufacturing process. This exhibition also marked my entry into a hybrid manufacturing process and my first attempt to work on the shelf. In this 'arena', mathematical rigour and endless freedom are combined. I used the chaotic state of clean, shiny metallic aluminium melted down in a digital laboratory, camouflaged streaks and fault lines, framed in a moment of textural smoothness and perfection. |
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Curious, if ture., 2022, curated by Yicong Sun, photo credit：Tessa Chung，supported by Alcova 2022
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What is the origin of the prototype of your work? | ||||
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What is presented in the UC1000-04 series are slicers from my personal narrative structure and worldview, part of my imagined landscape. Through the study of the imagination, life emerges as a kind of complex humidity, producing an irreversible slice, the revelation of cosmic time, the sheer indifference of metallic aluminium, reinventing the perception and concept of digital cuts in the physical world. Inorganic and organic life, as expressed by the ancient Roman poet Ovid in his Metamorphoses, are not opposite poles but flow and merge along a continuum that unifies all things. |
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Curious, if ture., 2022, curated by Yicong Sun, photo credit：Tessa Chung，supported by Alcova 2022
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Do you want your work to convey, above all, temperament or content? | ||||
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Aura. For me, aura brings a more powerful and real feeling. |
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Curious, if ture., 2022, curated by Yicong Sun, photo credit：Tessa Chung，supported by Alcova 2022
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What is the difference between art and decorative objects (furniture, jewellery, etc.)? Do you think your functional sculptures blur the border between art and furniture? | ||||
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I'm afraid I have to disagree that art and decorative objects need to be divided by category boundaries but rather by bespoke creations that branch out into personal exploration and mass production for commercial purposes. Today we live in a monotonous world of products of our own making, and the new generation of young artists, with their enthusiasm and awe of various materials and forming methods, as well as the relatively high prices of European goods, are making functional everyday objects for themselves in their spare time, in addition to their main line of creative work, using the materials they specialise in. We often exchange our bespoke objects in private. I consider them to be treasured. The energy of these objects is like a meteorite fragment. It is a projection, a pleasure, an expression of the artist's own state of being. To the outside world, I am trying to blur the border between art and furniture. But there isn't a divide between the two. I focus on the beautiful confusion between material and technique, which I feel is liberating. |
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Curious, if ture., 2022, curated by Yicong Sun, photo credit：Tessa Chung，supported by Alcova 2022
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Do you think that in the future, there will still be an ambivalence between the terms art and design? | ||||
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There is no need to conclude. Because a new ecology with inclusivity and diversity is gradually establishing a new order in the field of stable meanings, it is a creation with the aim of inspiring change and equality that is crucial. Human emotions are complex, and with several factors stirring them up, a powerful emotional impact attached to a subject or entity can achieve optimal expansion, irresistibly summoning the shaping power of thought and imagination to break through time, space and everything. |
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Curious, if ture., 2022, curated by Yicong Sun, photo credit：Tessa Chung，supported by Alcova 2022
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关音夫：创作是我与物的双向找寻
“关音夫：肉眼重力”展览现场
© 凯旋画廊
由凯旋画廊提供
在虚拟空间无限延展的时代，人面临着肉身的危机：包括生命在内的一切都可以被监控、测量、统计乃至预测，丰富的实体世界信息被数据化、扁平化，压缩至7英寸以内的平面，看似多样态的内容呈现，实则取消了实感、深度和异质性，将我们的身体和视觉经验规训为韩炳哲于《美的救赎》中所言的“平滑”的单向活动，不知何物可“看”却耽于回音壁式的信息流中不停俘获和读取自身观看欲望的我们与单细胞的原生动物“草履虫”无异。
与屏幕上过于平滑的观看相比，进入关音夫“肉眼重力”的展览现场会对官能造成截然不同的冲撞和压迫，在抹去任何附加语言的纯白色展览空间中，超越身体大小的巨幅画布上厚重、粘滞、有机的色块拒绝提供可预期的图像、符号和叙事性，仅以某种绝对存在显现着自身。纯粹的颜色、形象、质料以其重量、肌理和运动痕迹牵引着观者从日常充斥着“平滑美学”的观看惯性中剥离出来，重新感知逐渐消逝中的真切肉身的实存，回归到一种本真的观看体验与生命在场感之中。
“关音夫：肉眼重力”展览现场
© 凯旋画廊
由凯旋画廊提供
关音夫作品中对被工具理性和生命政治治理技术持续压抑的身体感的恢复与他的创作方式高度相关，当画布尺幅两倍、三倍于身体，创作便不再精细、可控，而是成为事件和竞技场，艺术家身在其中，与物博弈。
2005年至今，关音夫的作品中没有明确的阶段性分野，但前期他的作品因为采用木箱、粘土等混合材质而具备更突出的大地及泥土属性，近两年在以轻薄颜料堆叠出东方意蕴和呼吸感造型的“被破坏的秩序作品系列”中，以及在2022年以厚实色块的爆发力凸显肉身感的新作中，我们则能看到他尝试通过不同媒介剂混合颜料的极限实验逼近某种精神强度的推进。
无论采取何种形式，关音夫始终抛弃知识化的固定图式，避免让作品沦为艺术家“神圣化”、中心化的自我主导和全知意志的投射物，他对主-客体二元对立的创作和观看方式进行沉思，让材料的物性得以充分释放并与之对话，在不停面对材料主体性造成的“失控”和对其重新控制的角力中，实现弗朗索瓦·利奥塔 (Jean-Francois Lyotard) 所说的“超越自身抵达一种不同于它自己的状态”，直面并回应充满不可见现象、多维而真实可感的主体间与内在知觉世界。
“关音夫：肉眼重力”展览现场
© 凯旋画廊
由凯旋画廊提供
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Art-Ba-Ba：本次“肉眼重力”展览中展出的作品大部分是2022年的新作，其中有命名为“惰”的系列作品，你是如何理解这种“惰性”或者“缓慢”的？你之前的作品大都没有具体的标题，这次展览的作品为什么都有了明确的命名？
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关音夫：我对“惰”的理解是在工作的过程中产生的。每当我抱着一罐颜料以极缓慢的速度倒在画板上，几块颜色因自身惯性而互相挤压、覆盖、阻挡或发出一些“噪音”，就像互相躺靠，让我感觉以“惰”来形容是十分贴切的，但它并不是单一的“懒惰”，也含有支撑的意味。
说到“缓慢”的话，我的工作就是缓慢的。这个世界需要慢，很多思考都是在慢下来的时间中产生的，特别是在大流行病让这个效率至上、极速飞驰的世界放缓甚至停滞的几年间，我们更应该对代偿性的高速发展隐匿的副作用有所反思。
“关音夫：肉眼重力”展览现场
© 凯旋画廊
由凯旋画廊提供
关音夫，《惰-系列作品1》，2022
木板丙烯，180 × 150 × 10 cm
© 关音夫
关音夫，《惰-系列作品3》，2022
木板丙烯，180 × 150 × 12 cm
© 关音夫
命名是在创作完成之后才产生的，原来我的作品都没有名字，因为任何文字的形容和表述都是一种语言，它可能会限制人的想象力。色彩其实也是一种语言，这次展览的空间采用了空白的墙面和地面，也是为了去除附加语言的局限性。我给这次的作品命名仅是一种尝试，标题来源于我从创作时的理性与感性混淆状态中撤出后看到作品的第一感受，因此想试图以标题给予观众一个精神上的牵引。
关音夫，《无题》，2014
木板丙烯，360 × 244 × 10 cm
“关音夫：肉眼重力”展览现场
© 凯旋画廊
由凯旋画廊提供
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Art-Ba-Ba：现在的作品你都将图像性、文本性控制到最低限度，但早年从事雕塑工作和临摹的一些小稿都是具象性的，这种由具象到抽象的转变如何发生的？
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关音夫：具象无法完全和直接地传达我的想法，技术在具象操作中还是占首位的，抽象却能直达我们的精神系统，这是我慢慢转变的根源。这个世界给予我们的很多信息都太明确，但有更多的东西其实很难被表述，就像室外的阳光带给你的感受，以及阳光和月光之间的不同，所以抽象是建立在感性条件上的理性分析——把不可呈现之物进行提纯，通过材料的组织让作品自身散发出视觉信息和语言，并作用于我们的精神领域，我拒绝直接生产叙事性的图像去提供程式化的视觉经验和联想。
关音夫，《蓝色的傲慢》，2022
木板丙烯，220 × 160 × 10 cm
© 关音夫
由凯旋画廊提供
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Art-Ba-Ba：在作品的色彩和背景材质上的选择你是如何考量的？在你之前的作品中有使用金属材质，也有使用木箱作为背景。
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关音夫：色彩并不是我们看到的单一物理色彩，色彩之间的关系是相对的，本身艳丽的一些颜色经过与其他颜色的组合可能又变得温柔，不同的环境和光线也会影响我们对色彩的知觉，在空间上它可能会造成一种浸入感，因此我很强调色彩在我的作品整体中占据的分量，它们之间的相互比例和关系是我非常关注的。
关音夫，《惰的红》，2022
木板丙烯，244 × 244 × 15 cm
© 关音夫
在背景的材质上早期我曾尝试过以金属这样的单一材质去创作，也是受到大卫·史密斯 (David Smith) 在雕塑中对金属运用的一些启发，但我随即发现金属本身的材质属性过于强烈从而造成很大的限制性。之后我又运用了木箱，其实它们是我作品的运输箱，它们往往被视为不起眼甚至破旧，但在当时我认为它可以很准确地承载我的作品，也是对当时将艺术作品视为“高级”这种观念的排斥，所以对木箱的运用是一种观念先行的产物。其实材料的使用对我来说并没有太多的障碍，只要它是适宜表现作品的，就能为我所用。
关音夫，《停下来的》，2022
木板丙烯，180 × 150 × 11 cm
© 关音夫
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Art-Ba-Ba：在创作的过程中，你会让颜料自身运动，它们本身强烈的物质性在超越身体的大尺幅空间中是一种不可控因素，但在最终形象的形成和相互之间的关系上，你又会以一些干预性的动作（如倾倒、刮抹等）进行控制，你是如何通过这种有限度的控制建立作品的有效性？
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关音夫：我特别重视大尺幅，我的作品大部分也是以较大的尺幅完成。因为在画小尺幅作品时，我对作品能够完全地掌控，但当它与你的身体等大甚至达到两倍、三倍于身体的尺寸时，你就置身其中了，颜料、材质、厚度和造型，一切都以未知的比例放大，我甚至能感受到来自它们的压迫。颜料的物理性决定了它会自然的流淌，我想要避免对它的精神干预，却不得不对它施以控制来让它尽量接近我最初设想好的形象，这其实是一个博弈的过程，这种物质不断超越“我”的不可控性和我不断想要控制它的角力，以及其间产生的偶然和误差是令我着迷的，有时我认为是“错误”的却能给我惊喜。
尤其是在这种“失控-控制”的过程中，在将颜料与不同媒介剂混合产生不同浓度质地的实验中，我能渐渐寻找到材料在某种程度上的极限，它难于量化却绝非感性可得，而是在持续的劳作中通过操作经验的积累和身体训练的记忆逐渐逼近，这是我与材料的双向寻找。唯有在这样面向极限的推进中，材料被忽略的质感才会爆发式地显现，有效的视觉语言才能建立，直至抵达内在的精神强度。
所以我一直说我的创作在我与我的作品进行的协作和对话之中展开，我的作品在完成后也并非属于我，它拥有自己的主体性，它对我会继续产生失控的诱惑与控制的渴望。
关音夫，《慢以至于更慢》，2020
木板丙烯，244 × 244 × 14 cm
“关音夫：肉眼重力”展览现场
© 凯旋画廊
由凯旋画廊提供
关音夫，《无意义的意义》，2022
木板丙烯，280 × 200 × 11 cm
© 关音夫
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Art-Ba-Ba：在“被破坏的秩序作品系列”中，你以极薄的色块相互叠加产生微妙的层次，而展览“肉眼重力”中呈现的作品却使用了凸起、厚重、具有粘滞感甚至肉身感的色块，这种薄和厚的反差是不是属于刚才你所说的极限探索？
关音夫，《被破坏的秩序作品系列 – 6》，2021
木板丙烯、艺术涂料，200 × 200 × 8 cm
© 关音夫
关音夫，《惰-系列作品2》（局部）
© 凯旋画廊
由凯旋画廊提供
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关音夫：薄和厚是我去年开始突然想探索的两个方向，我想在画面的内部和外溢上进行两个极端的实验看看会有什么效果。在薄的方向上我尽力将颜料调至我能达到的最薄，一层层压下来得到一个隐现的边缘，它更近似平面但又具备细微的空间层次，而相形之下厚实的颜料色块会产生一种反差式的爆发力，其实它本身重量是极轻的，但却会用空间上的体量感传达给你力度。我总是回避直接地制造图式，我试图通过两个方向上的视觉可能的探索，建立另一种广义上的叙事潜能。
戏剧里有一种关系叫“观演关系”，波兰的戏剧导演和理论家耶日·格洛托夫斯基 (Jerzy Grotowski) 在他不懈的实验中揭示了戏剧质朴的本质：去除包括布景、道具、化妆甚至话语在内的一切冗余之物，戏剧仅靠演员与观众之间感性、直接、鲜活的交流就能发生。其实正如他提出的另一术语“艺术如同载具 (Art as vehicle) ”所指出的，各个艺术门类虽然工具和方法不同，但要传输的东西却相通。混沌和感性并无边界，如何以简化的语言去解决绘画或者是卢西奥·丰塔纳 (Lucio Fontana) 之后的空间本质问题，创造有效的精神形象去推动甚至压制观众的心理感受，是我一直在思考的。对我来说材料就是能使之成立的有效语言，只有这种薄和厚度对我来说才有意义，它的厚度是真实的，而非停留于画面内部虚幻的模拟厚度。
关音夫，《精神也是有形像的》，2022
木板丙烯，300 × 400 × 13.5 cm
© 关音夫
“关音夫：肉眼重力”展览现场
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Art-Ba-Ba：在轻薄色块叠加的系列作品中，其实能感受到一种近乎山石般宁静而具有呼吸感的东方意蕴，而在今年的新作中，那些不那么圆润的色块，又会产生一种大巧不工的“拙”感与生涩，这其中带有的文化气息是有意去寻找的吗？在此次工作室的拜访中，包括从展览中的《文艺复兴的黄》这幅作品中，我看到你好像在研究西方文艺复兴时期的古典绘画与自己创作的关系，这会对接下来的创作有什么影响吗？
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关音夫：我其实并没有特地去寻找或者输出这种文化语言，但我一直对中国传统艺术的源流及脉络很感兴趣，包括“大写意”、“小写意”、浅石窟造像、书法等等，明清的一些艺术家也是极有趣的，我很喜欢八大山人的作品。这些之于我是一种个人的修习和辅料，对我作品如果有影响可以说是潜移默化的，无论是在造型上还是空间问题的处理上。
其实东方系统中也有抽象和简化，比如说留白，或者以笔触来组合的造型，东方绘画中也不是以单点透视，而是以叠盖来体现空间结构上的高低起伏、前后远近层次，在这种精神和审美中一直存在抽象性，但它与西方逻辑式的抽象理解从思维和根源上就大相径庭。在东方语境中如何去实现西方的抽象是很困难的，日本的“物派”是一个极端，但也不太一样。
关音夫，《文艺复兴的黄》，2022
木板丙烯，100 × 180 × 11 cm
© 关音夫
“关音夫：肉眼重力”展览现场
© 凯旋画廊
由凯旋画廊提供
我认为当下的一个现状是东西方艺术家做的作品，似乎差别越来越小，关注的问题也相似，所以我一直在思索怎么以东方的文化去回应西方这种厚重的古典传统，去产生不同的作品，而不仅仅是在形式上不同，纯形式走到最后只是一个固化的样式了。
另一方面西方的古典主义大师的作品是我们如今在学院派教育中一直接触和模仿的对象，他们的作品至今都难以被超越，有些东西我是越看越喜欢，但绝对不会去操作实践。站在现在的时间节点上，我思考的是我们如何以当代的作品去继承与照应这种古典传统，我到现在还没有想得很清楚，但有一个模糊的概念。
“关音夫：肉眼重力”展览现场
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Q&A｜刘川：不看待 不知道 看不懂 得问居委会
刘川
Liu Chuan
1991年生于吉林，现居燕郊。2012年毕业于鲁迅美术学院国画系。2018年毕业于中央美术学院版画系。
Liu Chuan, born in 1991 in Jilin, now lives in Yanjiao. He graduated from the Department of Chinese Painting of Luxun Academy of Fine Arts in 2012 and the Department of Printmaking of Central Academy of Fine Arts in 2018.
展览现场
Exhibition View
人脸画板反面 Mini Installation in Gallery
人脸画板正面 Mini Installation in Gallery
Q：为何痴迷于卡通与漫画？有什么契机？
A：谈不上痴迷卡通和漫画吧，很久没看了，契机就是初中的时候镇里开了一家一角书店，漫画一天一毛钱，都是盗版的合订本，后来两毛了，穷人的消遣，其实我更想要Gameboy。
Q: Why are you obsessed with cartoons and comics? Is there any reason?
A: I don't think I'm obsessed with cartoons and comics; I haven't watched them for a while, but the trigger was when a 10-cent bookstore opened in the town during junior high school, the comics cost 10 cents a day, and they were all pirated bound copies, and then they became 20 cents, the poor man's entertainment, and I actually wanted Gameboy more.
Q：区别于硬边平涂的卡通一代绘画，我们观察到你的作品中在卡通的风格下加入了丰富的绘画语言的使用，为何会这样选择？
A：这个问题属于谜底就在谜面了，硬边平涂很棒，不过在独幅作品上需要加入一些所谓的绘画语言，匹配度更高一点吧，毕竟平涂挺难的。
Q: Different from the hard-edged matte painting of the cartoon generation, we notice that you have added the use of extensive painting language under the cartoon style in your works; why did you choose to do so?
A: The answer to this question is in the riddle. Hard-edged painting is great, but in a single piece, you need to add some so-called painting language to match a little bit more; after all, painting is quite tricky.
Painter
62 × 120 cm
布面油画 Oil painting on canvas
2021
CHRISTIE'S
布面丙烯 Acrylic on Canvas
50cm x 50cm
2021
Who are you
木板丙烯 Acrylic on wood panel
18cm x 26cm
2022
Q：对“绘画”或者说“画家”这个题材的兴趣是怎样产生的？(关于作品的题材选择)
A: 关于这两个题材，是没有别的题材的题材，画不出画很困惑所以就画画不出画很困惑的画。
Q: How did your passion for the subject of "painting" or "painter" come about?
A: Regarding these two subjects, there is no alternative subject matter, I can't paint, and I am confused, so I paint paintings of I cannot paint, and I am confused.
Q: 如何看待观念绘画与绘画中的观念性?
A: 不看待。
Q: How do you think about conceptual painting and conceptualism in painting?
A: I don't think about it.
Q: 幽默感在你的作品中扮演着什么样的角色？
A: 很在意也会努力想要拥有但最后不得的角色。
Q: What is the role of humor in your works?
A: A role that I care about a lot and try to have, but in the end, I can't.
Q: 我们在你的作品中看到了大量的意识形态批判，你是如何用绘画处理自己所面对的生存环境的？
A: 其实我没觉得我在批判，我只是需要，画完之后会好受一点，但是问题得不到解决。
Q: We see a lot of ideological criticism in your work; how do you use painting to deal with the environment you are facing?
A: Actually, I don't think I am criticizing; I just need it, I will feel better after painting, but the problem will not be solved.
拯救 Rescue
布面丙烯 Acrylic on Canvas
180cm x 290cm
2021
McDonald's
木板丙烯 Acrylic on wood panel
14.5cm x 20cm
2021
守门员 Goalkeeper
布面丙烯 Acrylic on Canvas
40cm x 50cm
2021
喀布尔航空 Kabul Airlines
布面丙烯 Acrylic on canvas
120 × 80 cm
2021
Q: 绘画是否可以作为一种真正的批判的武器？
A: 不知道，不理解什么是真正的。
Q: Can painting be used as a real critical weapon?
A: I don't know; I don't understand what is real.
Q：是否担心作品会变成一种“有趣的插图”？你如何处理这个问题？
A: 担心，我有好好的想过什么是插图，他可能只是文本的一点，有一种依附关系，也不存在误读的可能性，毕竟你可以去误读文本但不能跨过文本去直接误读他的附属品，处理方法可能是在出发点上不让作品成为一段叙述的片段，前后多一些空间吧，有趣的插图高于这个，毕竟有趣非常困难。
Q: Do you worry that your work will become a kind of " interesting illustration"? How do you deal with this problem?
A: Yes, I have thought a lot about what an illustration is. It could be just a little bit of the text, a kind of dependency, and there is no possibility of misreading it. After all, you can misread the text, but you can't cross it to directly misread its subsidiaries. The way to deal with it is probably to avoid letting the work become a fragment of a narrative at the starting point and having more space before and after. Interesting illustrations are above that; it's challenging to be interesting after all.
老年艺术家 Old Artist
纸本丙烯 Acrylic on paper
115cm x 173cm
2021
马尔代夫 Maldives
布面丙烯 Acrylic on Canvas
40cm x 50cm
2021
无题 Untitled
纸本水彩 Watercolor on paper
57cm x 76cm
2020
悬崖婚礼 Wediing on Cliff
布面丙烯 Acrylic on Canvas
120cm x 80cm
2021
Q: 流行文化成为作品中新的圣象，你如何看待这种趋势？
A: 这个问题我也看不懂。
Q: Pop culture has become a new icon in artworks; how do you see this trend?
A: I can't understand this question either.
Q：如何看待绘画在当代艺术中的处境？
A: 不知道，没思考过，这个得问居委会。
Q: How do you see the situation of painting in contemporary art?
A: I don't know. I haven't thought about it; I have to ask the neighborhood committee about this.
Q:电子游戏对你创作有何影响？推荐几部你最喜欢的游戏作品。
A: 我希望有影响，这样我玩游戏的时候就能说也是为了创作嘛，但实际上很困难，搞不好就会回到问题8上，当然如果当作素材用也可以，但这样游戏和别的东西没有区别，不需要划分。推荐黑暗之魂，没玩过的推荐血源。
Q: How do video games influence your creation? Recommend a few of your favorite game works.
A: I wish there was influence so that when I play games, I can say that I am also doing it to make art. But in reality, it's tough, and if I don't get it right, I'll be back to the problem above. Of course, it's okay if it's used as material, but then there's no difference between the game and anything else; no need to divide it. I recommend Dark Souls and Bloodborne.
钟表人 Clockman
布面丙烯 Acrylic on Canvas
150cm x 230cm
2020
时间 Time
布面丙烯 Acrylic on Canvas
145cm x 95cm
2020
Runaway
木板丙烯 Acrylic on wood panel
51.5cm x 73cm
2021
榨汁机 Juicer
布面油画 Oil on Canvas
30cm x 35cm
2021
PAINT WITH HEART
布面油画 Oil on Canvas
50cm x 50cm
2020
画家 Painter
布面油画 Oil on Canvas
105cm x 145cm
2020
取暖 Warmth
布面油画 Oil on Canvas
180cm x 120cm
2021
艺术家粘土作品 Clay works by LC
背叛 Betray
粘土 丙烯 Arclic on Clay
画家 Painter
粘土 丙烯 Arclic on Clay
沮丧的画架 Depressed Easel
粘土 丙烯 Arclic on Clay
踢足球 Soccer
粘土 丙烯 Arclic on Clay
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国家卫生健康委医院管理研究所关于开展临床营养科建设试点单位遴选工作的通知
国家卫生健康委医院管理研究所
国卫医研函〔2022〕43号
对话｜陈小果
陈小果和他的“居民”
对话 | 陈小果
2022年4月20日
陈小果 = 陈
魔金石空间研究部 = 研
研：这次个展现场以一种全球化的、网络图像不断叠加的视觉经验呈现。被遮盖住的画作吸引观众的好奇心；画中大量的外国脸孔也让人猜想你是否在触碰身份议题。你似乎在不同层面上吸引大家的注意。请你先谈谈这些外国脸孔的意义。
陈：我选择的图像表面上是关于种族或者某种少数群体、政治正确或身份政治，其实是为了制造困惑。我并不认为我是戴着外国人的面具在作画，因为我处理的是任何人都会面临的问题。
《示意》（2021）这幅作品里的人物是切尔西球队的老板阿布（Roman Abramovich），之前他以藏家的身份进入艺术圈，得到了西方艺术圈的拥抱和欢迎。我记得大一的时候看过一个杂志封面，上面是阿布的照片，标题是“阿布会成为西方当代艺术的救星吗？”。今天俄乌战争后整个西方变了脸，他们要驱逐他，认为他是邪恶的，但之前艺术圈没有人认为他手里的钱是邪恶的。这甚至让我在看球时都开始变得矛盾——我一直那么支持切尔西，我是不是在支持一个独裁者？
居民-示意，2021，布面油画，108×98cm
在这场故事中我并没有把自己当成一个外国人，我只是一个切尔西粉丝。全世界的每个人，包括黑人、白人、黄人都可能是切尔西粉丝。这也是为什么我觉得怎样去画、怎样用这些外国人的图像，不是一个西方特权。这是全球化下一个球迷的普遍感觉。
我给这张画起名为《示意》，而不是“投降”或者“欢迎”，是因为我觉得任何一种具有鲜明指向性的词语对于我的作品来说都是特别危险的，不明确性才能让绘画更加无拘无束，而不是设置好一个指向性的终点。我用的形象很多都来源于足球文化，我把足球主题当作一个诱饵，但不是去再现这个主题，而是使绘画过程自由发挥，最终剥露出来绘画最真实的部分。比如《金球1》，它跟最初的图像主题已经毫无关系了，最后画面指向某种试验场景或者是流行的赛博朋克感。
居民-金球1，2021，布面油画，168×168cm
研：所以，你的图像是从切身经验而来，它们使你想起某些艺术图像的特质，并促使你开始工作。你所工作的这些图像对你的意义是什么？
陈：这些图像是我工作的切入点，但是我会让绘画最终呈现新的意境。《教父》（2021）的素材来源是Hauser & Wirth画廊微信公众号上推送的艺术家照片。当我看到这幅图像时，我觉得我几乎是遭遇了一个“事件”。我相信它是在背后人为地塑造着这位艺术家的形象，这些无形的意识常常蔓延在艺术系统里。在绘画的时候我故意让画面引导成一位教父的形象。每张图像的选择都是一种策略。另一幅作品画的是一个边境警察，我把他处理得特别漂亮，像一个有魅力的毒枭。
居民-教父，2021，布面油画，168×168cm
还有我命名为《演员》的几张作品，那些看起来特别暧昧的男性，其实都是普通人。我选择的初始图像都是一个特别日常的状态，就是大家拿着手机拍了一张照片发到ins或者上传至谷歌地图上，但我不会单纯地再现图像，而是把它们转变为具有模棱两可暗示性的绘画图像。
居民-街头演员2，2021，布面油画，200×180cm
我每天会遭遇很多“事件”，我捕捉它们、再现它们，让它们通过绘画的潜能释放。《临时国际》（2021）的标题是我自己制造的一个词。它像是某种宣言，又像是某种绘画流派，或者像当下某个潮牌的广告。临时性的、国际的，并具备一种意味，能够超越被归纳好的状态。不仅是此次展出的《居民》系列，去年在展览“爱在黎明破晓前”里的作品我也是这样处理的。
居民-临时国际6，2021，布面油画，300×200cm
研：说到超越被归纳好的状态，你似乎倾向于把画面处理地暧昧，无论是你的用笔、色调或人物形象，你模糊了日常图像的特定意指。另外，将画作彼此重叠也是在观看上制造暧昧性，暧昧是否是你重要的思考概念？
陈：不被现有的词汇归纳才是最好的状态，无论是对待艺术的姿态还是绘画的笔触等，我总是追求第一直觉和意外。佩顿（Elizabeth Peyton）的“暧昧”影响了我的绘画气质，她的第一个个展在切尔西旅店展出，直接启发了我在丽都的一家夜店做了第一次个展。对我来说，观众如何观看是一个很重要的问题，我期望能让他们打破以往的惯性姿态去观看。夜店展览中的作品本身都是在黑暗中的创作。就像古代的洞窟、教堂，我们进去之后，往往不记得里面的壁画或者雕塑，我们更多只记得一个感觉，这种观看经验正是我一直在寻找的状态。
这次“居民”的呈现方式也是一样，我模拟平时观看手机相册、谷歌地图的经验来做绘画的展陈，它们的排列和叠加也会让观众对那些被遮盖的画产生好奇。如何展览和观看，是艺术发生中的重要环节。
陈小果：居民，展览现场
研：让我们回到你个人与展览标题“居民”的关系，你画的都是你遭遇的事件，这些个人化经验是如何连结到“居民”这个总体性概念的？
陈：“居民”系列发生的契机是我对一位居住在昌平村里的黑哥哥西蒙的好奇。去年夏天的时候，何迟喊我去昌平西新城村的一个空间看看，我就发现空间对面的紫色房子在整个村里非常引人注目，正好一位骑着三轮的黑哥哥进了院吸引了我。我首先是作为居民住到那里，到了之后外来人的感觉特别强烈，我被村里狗追的时候我在想这狗应该不会追本村的黑哥哥吧，我看到他穿标有“USA”的T恤我就想象他是不是从美国来的，喜爱打篮球。村里挖下水道的时候，我发现我们都被影响了，还隔着挖掘机用眼神交换了意见……。某种意义上他和我一样都是外来人，虽然还未搭话，但远远地已经产生了亲近感。我画了一屋子关于他的绘画，黑人的形象不再是遥远的网络新闻，而是我实实在在的相触和碰撞。小半年过去了，我将我居住的AIYO空间里面贴满了他的画像，也放置了各种可以联想到非洲的绿色植物，就像雄鸟吸引雌鸟一样，我用艺术最终吸引他踏进这个空间……
居民，2021，纸本油画棒，13.1×9.4cm
以前我也画过一些黑人球星，但那单纯是因为某张图像让我觉得有意味，但是在遇到西蒙后，我在“居民”这个系列里画了特别多黑人，因为我真真切切地遇见了。
陈小果居住在Aiyo Space期间的创作现场1
研：和西蒙的相遇让你找到了某种生存情景的相似，但是居民的抽象概念是否会遮蔽个体的独特性？对你而言，居民在你的绘画中是如何被表达的？
陈：“居民”这个概念本身就有，并不是我们提出的。居民本来就是对平等状态的描述。我们谈人的时候，更应该在“居民”的状态下去谈，而不是从肤色、人种以及地域去谈，这恰恰是将被遮蔽的那部分通过绘画显露出来。
尽管西蒙是一位优秀的非裔音乐人，他也永远是机场海关最后放行的那一位。他因为疫情而滞留在北京一个村庄，就像我作为一位湖北人居住在北京，就像那么多外国人、外地人现在停在上海。切尔西的老板阿布作为俄裔犹太人从俄罗斯辗转到英国、以色列、葡萄牙，现在又被英国禁止入境，这些也都是当下居民的状态。
《居民》是诗人多多旅居阿姆斯特丹时写的一首诗，那首诗的第一句是“他们在天空深处喝啤酒时，我们才接吻”。当时我觉得这就是我跟西蒙之间的那种感觉，他经常在对面跟他的朋友聚会，各种黑人、华人、白人，小孩、大人、男男女女，而我一个人在他家对面的空间居住，我也在喝啤酒。所以我们就用了这个题目。
我觉得特别准确。
陈小果居住在Aiyo Space期间的创作现场2
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