上海狮語｜技艺中的时间图腾——入舆问津：焯雄个展 ｜ 开幕对谈回顾

 

从左至右依次为：黄含康, 王凯梅, 任越

 

入舆问津——焯雄个展

ZHUO XIONG: AT FIRST IT WAS EXTREMELY NARROW

艺术家：焯雄

策展人：任越 

展期：2023.04.22 – 06.25

上海狮語画廊｜上海徐汇区武康路376号武康庭内

 

对谈主题：技艺中的时间图腾

主持人：任越 (策展人)

对谈嘉宾：

焯雄 (艺术家)

黄含康 (艺术家)

王凯梅 (策展人、评论人、藏家)

对谈时间：2023.04.22 15:00-16:00

 

对谈回顾 Talk Review

 

对谈现场 Event View

 

任越：各位观众大家好，我们很高兴今天能够在焯雄个展《入舆问津》的开幕邀请到王凯梅老师和黄含康老师，与我们在纽约的艺术家焯雄进行对谈。

 

焯雄老师现在是工作在纽约，今天在展览上和我们远程连线。作为创作者，他的取材总是带有一些转译的痕迹，曾经贴近我们日常生活的这些元素，逐渐在仪式和记忆当中变成图腾和一种供人怀念、想象和思索的对象，通过个人感情和思考，最终落到画布或者材料上面。焯雄的作品保留了艺术家人生当中一小段的时间，进而成为一种时间的标记物，也被他称为绘画“技艺”中的时间图腾。

 

焯雄和黄含康两位艺术家都有在海外留学和工作生活的经历，今天首先想请你们分享一下，早年的生活经历、在世界各地辗转的文化经验，是怎样体现在你们的创作中的？你们觉得这些变化对各自的职业生涯、研究方向，包括工作风格而言，是否有很明显的影响？或者，是什么能够让这些不同的生活经验在形成艺术语言后相互对话呢？

 

 

焯雄 Zhuo Xiong

大闹天宫 Havoc in Heaven, 2022

混合媒介 Mixed Media

200 x 105cm

 

【故乡、童年记忆对创作的影响】

 

焯雄：其实创作在从英国毕业到现在肯定是有变化的。早些时候的创作还是以认知我自己为主，围绕从故乡记忆创作的。到目前为止的创作关于认知外部环境更多一些，我觉得这是两个阶段最大的不同。

 

黄含康：我有一个很大的变化。因为中国文化的混杂，我们其实很难辨别日常经验里面哪些是中国，哪些是外国的文化元素。但当我去了巴黎，就发现欧洲有一个很清晰的文化脉络。对文化变迁的过程的了解会投射向自己：我是应该怎么往后面走、我的文化在创作中怎样跟我之前的中国脉络以及西方经验去共同组成一种关联或者是一种冲突。这个过程中会出现一些对艺术家非常有用的东西。

 

 

焯雄 Zhuo Xiong

抉择 Choice, 2019

混合媒介 Mixed Media

75 x 60cm

 

王凯梅：我可以分享一位诺贝尔得主的故事。瑞典诗人托马斯·特朗斯特罗姆写过一个关于他自己童年的故事，有一句话很打动我。他说，在80岁的时候去回看童年，人生就像是在天空闪过的彗星。彗星拖着一条非常宽的尾巴越来越走向远处，当它开始渐渐失去它的光亮的时候，你会看到彗星在尾巴上最闪亮的那个东西就叫童年记忆。所以对于诺贝尔得奖得主，或是我们的文学家、艺术家、诗人、电影导演，都是不停地在追随和重返自己的童年。但是如何把这种个人经验升华为一种我们人类的共同知识，这是一个艺术家是平庸或伟大，是日记的记录者还是历史时代的刻画者的区别吧。如何把自己的个人资源上升为一种人类共同的记忆，这也是对年轻艺术家的一个很大的挑战。在我们回顾往事的时候，很多旧事在当年是一个痛苦的回忆，却会被放上一层玫瑰色，就像我们今天所处的武康庭。大家迷恋这个美轮美奂的前法租界，而忘却了他真正含有的背景。在日据时期，也是国民党混乱时期，共产党接手上海以后，在改革开放的改变当中，整个近100年的历史肯定不是今天这种粉红的记忆，而是充满了无数个人叙事的历史。但是我们把它化作成了一种想象。

 

 

焯雄 Zhuo Xiong

夜色温柔 Tender is the Night, 2022

混合媒介 Mixed Media

75 x 60cm

 

任越：焯雄在处理自身的经历和消化一些外部信息时，形成了比较写意的风格。就像大家能看到的画面，也都是采取了一些抽象的转译之后，才形成我们现在看到的这个样子。这就造成了他的作品会同时存在着回忆、印象和想象。也是为什么我们可以在欣赏一件作品时，心里同时浮现出一种混杂着往昔印象和未来想象的事物，正像焯雄画中这种“时间的切片”一样。但是黄含康老师的作品给我的感觉是，它并不存在明确的时间标记，因为它在符号选取或者说材料意向的选取上面，就像是一个异世界。他从人与科技、技术本身互动关系的历史和未来走向中探索并展开创作。我觉得你们在创作作品的时候，很自然地形成了对时空关系不同的处理方法。你们会关注自身作品的时间性吗？在这些年的创作脉络中，自己的时空观有没有新的调整或者发现？

 

 

焯雄 Zhuo Xiong

愿无违 Not Against My Will, 2022

混合媒介 Mixed Media

75 x 60cm

 

【作品的时间性】

 

黄含康：我之前在巴黎待了10年，但我童年的记忆是在苏州。我小时候的“世界经验”来自于家里人带来的历代器物，我就看着这些东西长大。但我觉得中国古代的部分不是被我主动接触的，比如今天如果不是跑到武康庭来看展，而是这个展览被运到家里了，就会产生一种逆反心理。然而这个逆反是促使我去国外的一个很大的动机，因为我觉得再天天看这些东西可能会变“腐朽”了。当我到了巴黎以后经常看一些前卫的东西。但随着时间的推移，再看现代主义和古典以及中国古代部分的东西，就重新打开了我的童年的记忆。我个人创作目前的时间线索其实是非常长久。当我回看之前的创作时，我是无意识地在进入这条线索，因为这是一个巨大的人类知识库。

我这些年一直在关注世界范畴的古代文明，像中国的青铜器跟中国夏商周三代的玉器，包括南美以及埃及古代文明的部分。其实他们都是在筑建一个概念。可以打个比方，在夏商周时期，它们是一个祭祀宇宙的模型。它的门户、墓葬的位置，以及它的仪式、制造出来的这些物件，我们现在都可以称之为观念艺术。它以宇宙模型来影射个人的宗族信仰，而其实每个文明的总体观念，都是用自己的眼睛看到的范畴去理解世界而形成的。我要把过去、今天跟未来连在一起。所以我的个人创作就像在一个巨大的海洋中遨游。

 

王凯梅：说到时间，想到我前两天刚刚去到光州双年展。从我自身对时间的一个理解来说，2018年是一个乐观的时期。那时候朝鲜与韩国南北互访，签下了取消核武器的协议，两位领导人在一起度过了兄弟般的8个小时。那年的双年展的名字叫做“想象的边界”。刚才讲到历史，其实2018年到现在，5年的时间本来很短，婴儿只是刚刚长大，处在懵懵懂懂、还在学语言的时候，但是世界就已经发生了如此巨大的震动。而历史的几千年是一种更为久远的时间跨度，记忆又是一个完全另外的形式。

 

 

焯雄 Zhuo Xiong

奥威尔 1 Orwell 1, 2022

混合媒介 Mixed Media

91 x 142cm

 

任越：大家现在看到的这幅焯雄的《看得见风景的房间》创作于去年。这幅作品中的抽象表达其实是他压抑了很多感情的结果，大家可以看到面前的画作呈现了非常明快的浅蓝、橙色和明黄。但这幅画的创作原委其实是他的一位当时处在隔离方舱当中的朋友，透过方舱的窗户给他拍了一张照片，所以大家也能从这个画面上看到有很多小叉，代表着当时被封控的一种状态。这也是他第一次通过数字图像去创作，因为以前都是从记忆或者印象当中提取出来的一些素材来创作，这个是通过写实的照片再进行艺术处理的转变。我觉得有时候，从不同的地方提取创作灵感再把它放到作品当中的时候，很多你看到或者你想到的东西已经发生了一些变化，这也是时间对印象的扭曲和对作品的一种“纹饰”。

 

 

焯雄 Zhuo Xiong

看得见风景的房间 A Room With a view, 2022

布面丙烯、油彩 Oil and Acrylic on Canvas

142 x 222cm

 

【绘画的创作年代背景和形态】

 

王凯梅：焯雄之前是在广州美院，广州美院在中国美院的系统当中比较传统，主要是国画、山水画之类的。然后又去了英国受到西方美术史的影响，以及到今天他主动选择去了纽约。他描述这种状态的时候，让我想到50年代，就是艺术家能聚在一起、跑到纽约去，大家可能白天创作，晚上喝酒。我觉得在今天应该很少有这样的情况了，现在的艺术家们都早早有了自己系统性的职业规划。

 

任越：凯梅老师讲到大家在五六十年代有一种凝聚力非常强的社群感和创作方式。我觉得现在的年轻艺术家脱离了学校的环境后其实是比较难建立自己的“共同体”的，所以在创作对象的选择上往往迥异，也更多地偏向了自身的情绪、情感和记忆。这在年轻的创作群体中并不少见。焯雄站在个人立场上构建作品的语境，其实都提取于对社会底层群体的观察和对一些社会事件的理解，可以说他是在面向群体而创作、或者说希望作品能够达到某种公共性的。他的创作动机也是去为一些自己认为不该被遗忘的事件留下“见证”，但是他选择把它转译成为抽象的视觉语言之后，这种很广阔的问题意识又是极难解读的。某种程度上，这也是这次展览的英文标题“At First it was Extremely Narrow”的来源。他从个人角度出发去解读很广袤的问题，希望导向的是一种最终开阔的境地，但是有些时候这种社群性，或者说这种公开程度是很难实现的。这在广义上来说也是所有创作者都要面对的悖论吧。

 

 

对谈现场 Event View

 

黄含康：我之前看过一些关于前画廊时代跟后画廊时代的艺术家状态的资料。我们现在是处在画廊业非常丰富和成熟状态下的艺术家，但是50年代之前的创作者，跟现在拥有完整的运行体制之后的艺术家的状态是截然不同的。比如在三四十年代的时候曼雷那一批在欧洲的艺术家，二战发生的时候大家想的第一件事情就是跑，然后跑到纽约非常开心去喝酒。现在的艺术家都会关心政治跟时事，但我发现以前艺术家的似乎完全不关心政策，杜尚就说政治都是愚蠢的事情，他们关心的事情跟现在的艺术家不一样。这些创作者到达纽约的状态就是自己做东西，有点像木匠做了一把椅子放在家里一样，作品很多都是自发的。其实他不知道这个东西是需要有展览的，最多只是一个沙龙的形式，临时的一小群人来组织一个内部展示跟个人交流。所以在早期现代主义的作品里面能看到很多神秘的个人性，因为它是一个不对公众开放的内部圈层。但在二战结束、西方画廊建立了以后，艺术家的状态变成一个公共状态，艺术家内心都会衡量自己的作品能到什么级别的画廊，能不能到达美术馆。这时候艺术家作品的创作体量就变大了。战前的巨幅作品很少，因为它就是一个家庭物件。曼雷跟杜尚的大部分装置或者最前卫的概念作品都是小件，但很多艺术品现在变成巨大尺寸的，从公共艺术的到现在的沉浸式艺术。所以我觉得这是一个本世纪艺术家状态最大的变化。

 

 

焯雄 Zhuo Xiong

暗影 Shadow, 2020

混合媒介 Mixed Media

105 x 150cm

 

王凯梅：刚才说到艺术家聚群这件事情，比如说在二战之后，大批的欧洲艺术家移到美国，艺术的中心也因此从巴黎转到了纽约。这就是艺术史上很重要的一个里程碑，所以我们才会看到抽象表现主义、极简主义等等这些艺术进入美术馆。但是中国是一个很精英化的制度，比如说当代艺术所处的这个位置，本来就是属于他们的特点，是精英之精英，那么可能只有在北上广这些城市当中，大家有一种自娱自乐的狂欢。而只要走到稍微基层一点的地方，比如我之前去的内蒙古包头，那里有非常大的美术馆和博物馆，从外形看也是相当壮观的当代建筑，但进去以后我对于艺术的感知又回到了小时候上学的状态，当时老师会带我们去群众艺术馆，所有的作品就从墙上往下这么来回放。我就想到我们在上海在进行布展的时候，艺术家、策展人和画廊老板对着这个光到底是高一度低一度、黄的还是白的，在这里纠结无数的时候。在我们的边疆地区，展览和过去是没有任何的变化，展出的就是一些中小学生的钢笔字练习贴，就是中小学生庆祝节日的一个展示会，这之间的落差就非常之巨大。所以又回到我们说当代社会，尤其是当代艺术在做什么？摆在画廊当中做艺术作品以及商品，但是与此同时它是否还具有刚才说的社会性？

 

 

开幕现场 Opening View

 

【艺术的当代性】

 

任越：我们今天所说的当代，恰恰是因为它有很多被忽略的、被习以为常的混杂性。没有被所谓外界提醒的一些元素远远落在我们的目光之后，但正是这些混杂的元素，组成了我们的当代光谱。就像我在看黄老师作品的感受一样，他作品中的意象有神话的、古迹的和日常的，这些碎片组成了他对当下和过去的一种时间印象。它又在当代图层当中构成一个参考的点位，我们可以透过这个点位去大致了解每个人的“当下”到底有哪些差异。刚才讲到群己关系还有艺术家社群之间的关系，黄老师也讲到画廊业的发展对艺术家自己作品的发展是不是在公众面前具有了一种表演性，展示会不会影响艺术家的创作。我跟焯雄之前也聊到他绘画技法的发展，我们可以看到他这些年画面风格的一些区别。它不是单纯的布面丙烯、油画的创作技法，一些作品中除了帆布材质的机理区别之外，艺术家在颜料和绘画工具上面也做了非常多的改进和实验，比如说《看得见风景的房间》，其实它有一些流感是用透明的涂料隔出来的。大家看到的是一个颜料自由、自然的美好状态，但背后是通过非常精细的人力去把它打造而成的。

我觉得这个可以部分地回应刚才我们聊到的，艺术家个人怎么去和周围环境信息进行一个互动：就是我到底要不要让它看起来“有卖相”，还是说让作品在自己的美学追求脉络上面更进一步。所以这些材料实验是艺术家在询问自己的欲望，在持续的追问中才让自己的美学最终呈现出这样一个结果。可以说作为年轻艺术家，焯雄自己还是持续地处在一种自我博弈和自我对话当中。

 

 

开幕现场 Opening View

 

黄含康：我所理解的当代性就像是我的生活，只要你开车，一定会看到红绿灯，就要按照这个次序走。当你把作品按照一种程序性的方向去推进的时候，就会设立了一个框、一个限制，然后去思考在这个限制的范畴里面怎么产生破坏。这很像我以前在的巴黎学校，它有很多不同但工作室。我们甚至还有芭蕾舞课，它是告诉我们，所有创作无论绘画、装置还是影像，都是你身体的运动。一个美院学生可能一开始对教室很多不同的科目都感兴趣，所有的材料都想做，所有的可能性都想试。但一个成熟的艺术家必然是把所有的东西都试过一遍，发现了最终想走的那条路。

 

 

焯雄 Zhuo Xiong

大地裙摆 Hem of the Land, 2019

混合媒介 Mixed Media

40 x 30cm

 

其实我觉得在当代的范畴，所有的创新跟创作都是在搜索的过程中逐渐形成固定趣味、达到个人风格的过程。同时，你会在一定成熟的阶段去背叛自己的趣味和风格。这就是一个能让风格延续下去的点，因为有很多人做成熟了以后会自我重复。所以我会跟一些朋友，或跟我自己也会说，当一种体系特别成熟的时候就是一个“危险点”，因为下一步你可能就会重复你的工作，就像一个坑一样。所以你要在成熟的体系里找到打开其他通路的可能性，这也是我个人的创作方式。

 

 

开幕现场 Opening View

 

【创作时的关联性】

 

任越：我知道焯雄的材料实验是和叙事相关的。想问问含康老师是怎样将材料、意象融合进作品叙事的？或者说你是否追求一种从材料到作品的“逻辑闭环”？能不能谈谈最初选择绘画的决定是怎么做出的，转向装置是基于怎样的考虑呢？

 

黄含康：我创作的跳跃性有点强。我最近在做一件作品叫《圣米歇尔》，这件作品会在5月中的个展里面展出。从早以前文艺复兴的时候，在欧洲的很多广场会有一个屠龙的形象，是一个美少男长着天使翅膀，他是一个天使首领。这个形象是横跨基督教、伊斯兰教的，在欧洲很多广场上有这个雕塑。天使的形象是代表正义，龙则是西方人认为的邪恶形象。我的这件作品是圣米歇尔的身体已经消失了，只剩下一个翅膀跟一部分躯体，手持宝剑，下面是一个龙很痛苦的形状。但是他踩的这个龙下面有一个智能机器狗，是美国军用的一种智能机器。像现在也嵌入了Chat GPT，有AI系统，它可以在很艰难的条件下快速行动做出很多比如重力或者是科研的工作。所以在欧洲广场里面正义在屠杀邪恶的形象被智能机器代替了。因为智能机器就是我们发明的那条龙，我们在利用一个工具，但我们人类会被自己所开发的工具反过来使用，这可能是我们未来。于是我想到这个点，把一个古代神话跟今天的AI机器联合在一起。所以我的作品大部分是从概念出发，用材料结合我的语调、情绪去阐述这个观念。

 

 

焯雄 Zhuo Xiong

圈地跑马 Horse Running in Enclosure, 2022

混合媒介 Mixed Media

91 x 142cm

 

【不同风格的绘画与相互呼应】

 

任越：凯梅老师在近段时间的研究和关注中，有没有发现年轻世代创作者在绘画媒介上关于取材和技法的发展趋势，或者发展路径呢？或者说它已经不是一个单纯的艺术门类，而是融入到了“当代”这个大的文化语境和时代背景下了？

 

王凯梅：我觉得每一种新工具出现的时候都会重新宣布“绘画”一次，绘画真正的生命力就是在于它能够在巨人的肩膀上。这也是为什么在摄影要宣布绘画死亡的时候，摄影的技术本身就给了画家新的动力。今天一个很大的趋势，就是计算机社交媒体这些数码的图像给到艺术家们一种新的绘画对话方法。比如说现在我看到很多艺术家从数码计算机等等这些工具当中取一些对他们产生灵感的来源，然后把它用绘画的方式再去描述出来。就如同在80年代出现的摄影带，把这个照片用极其写真的方式放在画布上。所以这样的来回折腾是对于绘画的一种贡献，就是我们人类和图像的关系。因为人类最早在对文明开始认知的时候，比如说向天、向巫师去祈求的时候产生的图像是人类意念当中对未知物的视觉化的过程。今天我们这么多人在电脑的光晕当中去呈现一种对世界的描述，可能也就是影射了一种6000年前的人类，当他遇到打雷闪电不可解释的时候，他想表达心中那种对未知物的那种恐惧，然后用一个鹿、马、巫师的形象把它展现出来。

 

 

焯雄 Zhuo Xiong

圣旨 Imperial-Edict, 2016

混合媒介 Mixed Media

135 x 105cm

 

我觉得焯雄的艺术当中很大的一部分就是来自于他自己的童年和来自中国传统绘画。他的画作中像是我们古代绘画当中盖印的这种方法，结合了他的抽象化。我认为这也是当今年轻绘画当中的一个新的趋势，或者是正在开拓的一种形式，就是抽象和具象越来越多的混杂纠缠，以至于很难确定一幅绘画是一个抽象还是具象的绘画。比如说之前张恩利在和美术馆的展览叫肖像，但是整个展览当中没有一个人的肖像，这就是重新去定义何为肖像。那么当一个物件被赋予了灵魂之后，它是否可以是肖像？或者当一个感觉被视觉化了之后，他是否还可以成为一个真实的人？这就是抽象和具象之间的相互纠缠。太阳底下没有新鲜事，每一个艺术家，他都是站在前辈的肩膀上，去发展自己的新的语言。

 

 

焯雄 Zhuo Xiong

旺火 The Second Dance – You See Love, 2020

布面丙烯、油彩 Oil and Acrylic on Canvas

135 x 105cm

 

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“约翰·莫尔之友”专访｜余宇：获奖是艺术生涯中一个小小的契机

 

编者按：

 

如何为更多不同背景的艺术创作者提供展示、交流的机会和平台？“约翰·莫尔绘画奖”（以下简称奖项）承载着这一希冀被设立，并于2010年引入中国，距今已过去十余年。4月6日，“第七届约翰·莫尔绘画奖（中国）作品展”在上海宝龙美术馆开幕。据悉，本届比赛共收到来自全国32个省、市、自治区的1702位艺术家提交的作品。这些参赛者有的来自艺术学院，有的是自由艺术家。其中，入围参展作品有118件，也是历届展出作品最多的一届。润识艺术就此专访了“约翰·莫尔之友”余宇（以下余宇简称余，润识简称润）。

 

第七届约翰·莫尔绘画奖（中国）作品展现场

来自：西海美术馆

 

 

利物浦富商自设“只凭作品论高下”的特殊奖项

 

 

润: 能否简单介绍奖项的背景？

 

余: 约翰·莫尔是一位利物浦商人，热爱绘画，但没有经历过科班训练。参加国际美术大赛后落选，也没有画廊愿意展示“非专业”画家的作品。他认为失败是因为自己的“身份”所导致的，也由此激发他设立了“约翰·莫尔绘画奖”。奖项成立于1957年，两年举办一次。评选活动向任何人开放，无需背景，不在乎身份，只凭画作来论高下（参与者须年满18岁，在英国居住或工作）。奖项以“匿名”评审的方式进行。

 

 

润：奖项和中国的关系？

 

余：奖项是2010年引入中国的，今年是第七届。5月20日，得奖和入围作品会从上海宝龙美术馆移师青岛西海美术馆继续展出。这也是该赛事首次在南北方两个地区相继展出。对于奖项的参与者来说，更大范围地向公众展示是很好的，也希望这种形式能固定。这次是在宝龙展一个月，然后转到西海去展示。喜欢绘画的观众可以去看看。

 

第七届约翰·莫尔绘画奖（中国）作品展现场

来自：西海美术馆，摄影师©黄少丽

 

奖项前6届的都是由约翰·莫尔利物浦展览基金会联合上海大学上海美术学院举办的。第7届开始由基金会单独举办，引入了与英国大赛一样的报名费和艺术赞助人——“约翰·莫尔之友”等新制度。

 

我作为“约翰·莫尔之友”的身份参与，身边也有朋友曾打听过是否可以运作一下，获得更好的成绩。但奖项的核心就是公平、公正，这是大赛公信力的源头。任何人都不可能影响评委的决定，比赛的公平性是毋庸置疑的。

 

 

润：今年的获奖情况？

 

余：组委会每届会邀请三位外方评委和两位中方评委参与评审，今年中方邀请的是刘野老师和谭平老师（颁奖活动刘野老师未出席，由丁乙老师代班）。组委会的成员里还有约翰·莫尔基金会的负责人以及约翰·莫尔家族的后代。每届评审团都有自己的选择标准，所有参赛作品都要经过评审团两个阶段的匿名评选。

 

第七届约翰·莫尔绘画奖（中国）作品展开幕式现场合影

来自：宝龙美术馆

 

今年的大奖是空缺的，评了五个优秀奖。大奖的评选要求是，必须五位评委一致认可的情况下，才能当选大奖获得者。这五位优秀奖获奖者会在今年九月份开启英国艺术之旅，去利物浦访问，作品会在当地市立美术馆展出。获奖者的作品可以参与利物浦当代艺术双年展（Liverpool Biennial of contemporary art）和相关的艺术活动，和当地的艺术家、机构交流。这也要求获奖者具备一定的英语能力。

 

我曾去过利物浦，也到访过市立美术馆。馆内将古希腊、古罗马开始的各个时期的艺术都做了梳理和展示。美术馆中的现当代板块，就是约翰·莫尔绘画奖的获奖作品，可见奖项的重要性。艺术史上不同时期的作品摆放在一起，给观众有传承、有延续的感觉。

 

 

润：本届的获奖和入围作品给您怎样的感受？

 

余：每届获奖作品间的差异很大，参赛者将自我风格发挥到了极致。“海选”阶段一般会收到几千份的投稿，初选的方式是通过筛选。初筛选出几百份之后，再要求（选上的这些参赛者）寄出实物。曾有评委提出，这种评选方式存在局限性：因为作品和实物间的差异非常大。对于有设备限制的参赛者来说，的拍摄质量会很大程度上影响参赛结果。谭平老师曾提到：评选进到入围阶段是需要特别小心的，每位参赛者只提供一件作品，很难选。因为一件作品的好坏有偶然性，如果能让入围者补充其他的资料，就更能看到他（她）的全貌。对待入围的作品，每届评审们都会再三斟酌，希望能尽量评出符合艺术家真实水平的名次。

 

四月初我参与了在宝龙美术馆举行的获奖及入围作品展览。活动现场的座谈会环节，入围和获奖者一圈圈地围坐着。让我印象比较深的是，本届一共有118件作品入围，其中108位（入围者）都来到了现场，很多都是拖家带口参与的，围坐在评委周围，一一发言。

 

第七届约翰·莫尔绘画奖（中国）作品展座谈会现场

来自：宝龙美术馆

 

年龄跨度也很大，最大的参赛者是一位在福建的老教授，最小是一名高一的学生。有不少参赛者是非艺术创作科班出身，但都热爱绘画。他们中很多人坚持绘画很多年了，周围不支持、不理解，非科班的身份也不受业内的认可。知道自己入围这个奖项后，还是很受鼓舞的。交流会结束后，大家一起去展厅看作品。两位评审老师被入围者团团围住，能够在自己的作品前和顶级艺术家交流的机会太难得了。

 

获奖作品是很具有偶然性的，艺术家本身没有（足够成熟的）经验。在和一位入围者交流时，她谈到自己的参赛作品反反复复画了2个月，不断地修改，可见她还不能算是老练的艺术家。

 

第七届约翰·莫尔绘画奖（中国）作品展开幕式现场

来自：宝龙美术馆

 

润：自奖项引入中国已过去十余年，中英奖项上存在着哪些差异？

 

余：首先是奖项参与者。在英国会有很多成熟艺术家参赛，英国奖项的往期获奖者名单非常重量级，有大卫·霍克尼、彼德·多依格、理查德·汉密尔顿等等。国内这个奖项很少有成熟艺术家参与；还有年龄段，英国奖项有年纪大的参赛者，曾经也出现过70岁的获奖者；再来是作品方面，英国奖的参赛者会更多地使用新媒介进行创作，国内参赛作品在这方面运用得比较少，只有个别尝试了新方法。在中国，新媒介的使用，更多还是发生在专业美术院校里，普通爱好者使用得不多。

 

英国奖项还有一点不同，他们的获奖作品在美术馆展出的同时，大部分可以明码标价出售，中国没有这样的习惯。

 

作品本身来说，英国获奖作品的多样性更丰富。每年的评委不同，加之时代的变化。60年来，获奖作品的材质、风格，展现的时代特征都在变化。现在的艺术家会使用软性材料，通过使用折叠、解构等非传统的绘画方式。绘画的概念一直在被突破，时代感很强，没有被固定的范式限制住。

 

中国获奖作品也具备多样性，风格差异非常大，很多观念性的作品让人印象深刻。有三位入围者均是来自非具象研究中心高研班的学生（非具象研究中心是一个名师项目，聚集了央美、清华等诸多院校及国际著名艺术家，是一个让大家进行学术交流和教育培训的平台）。艺术观的输入和形成，最终还是和教育息息相关。

 

 

润：奖项参与者中也有专业院校的学生，会影响公平性吗？

 

余：有几位参赛者是专业院校里学（艺术）理论的，甚至是在读的博士，学习理论后再实践绘画是一种有趣的现象。之前有一位从新疆过来的获奖者，本来都准备放弃（绘画）了，后来还是一直在坚持。

 

 

润：奖项展现出的多样性与艺术市场中（如，艺博会）成熟作品的多样性相比，在材料选择和创作方向上是趋同的吗？

 

余：从某种角度上来说，约翰·莫尔奖参展作品的多样性是要超过艺博会中的作品的。和艺博会中的作品有区别，更多是来自艺术家创作本身的多样性。

 

第七届约翰·莫尔绘画奖（中国）优秀奖作品

聂力《迷墙》

亚麻布油画

高 H: 150 X 宽 W: 300 cm

1987年出生于云南宣威，现生活工作于重庆

来自：约翰莫尔绘画奖

 

第七届约翰·莫尔绘画奖（中国）优秀奖作品

陈加斌《李晓燕》

布面油画

高 H: 50 X 宽 W: 50 cm

1987年出生于福建泉州，现生活于嵩山

来自：约翰莫尔绘画奖

 

第七届约翰·莫尔绘画奖（中国）优秀奖作品

由鑫《静默时刻》

铝板、光学颜料、水性媒介剂、3M胶带

高 H: 137 X 宽 W: 220 cm

1982年出生于黑龙江大庆，现生活和工作于北京和哈尔滨

来自：约翰莫尔绘画奖

 

第七届约翰·莫尔绘画奖（中国）优秀奖作品

彭勇《一念三千No.86》

布面油画

高 H: 198 X 宽 W: 120 cm

1985年出生于湖南邵阳，现工作于天津美术学院

来自：约翰莫尔绘画奖

 

第七届约翰·莫尔绘画奖（中国）优秀奖作品

金大伟《无题F2208》

丙烯颜料、帆布、金属扣

高 H: 45 X 宽 W: 48 cm

1982年出生于河南周口，现生活工作于昆明

来自：约翰莫尔绘画奖

 

润：获奖对参赛者有哪些影响？有人就此走上职业艺术的道路吗？

 

余：丁乙老师在发言中特别提到：虽然国内历届的获奖者，有一些能和专业画廊建立合作关系，转变为职业艺术家，但还是要更理性地对待获奖和入围。约翰·莫尔的获奖，只是艺术生涯中一个小小的契机，艺术道路很难走。曾经就发生过，一位获奖者决定投身职业艺术，在上海租了工作室，专心创作多时，结果是没有获得进一步发展。获奖是一种鼓励和某一维度上的肯定，但不代表可以以此来改变生活。

 

第七届约翰·莫尔绘画奖（中国）作品展现场

来源：西海美术馆，摄影师©黄少丽

 

润：奖项入围作品，能够代表当代艺术作品的样貌吗？

 

余：约翰·莫尔的入围作品在某种程度上展现了中国年轻创作者的创作状态。真正优秀的年轻艺术家中的绝大部分已经被画廊发现，开始合作了。

 

 

润：奖项的初衷是为了打破身份限制，为非专业的创作者提供机会。但艺术创作完全聚焦“普世”，是不是另一个角度上的局限？

 

余：约翰·莫尔奖项最大的意义是给所有人提供了一个公平参与的机会。民间的好苗子被挖掘出来是好事，但非科班出生的艺术爱好者很难真正成为高水平的艺术家。从我个人的角度来看，这次的118件作品中，还是存在少部分相对观念偏旧的作品。当代艺术创作和每个人当下的生活相关，需要从个人的生活感悟中发掘。脱离当代性的概念，很难出好作品。这就要说到艺术教育，中国的当代艺术教育比较薄弱，广大（非中心）地区的情况更弱。对普通人来说，接触高水平当代艺术的机会很少。这也是我和我的团队创办ArtOnTime项目的初衷。

 

第七届约翰·莫尔绘画奖（中国）作品展现场

来源：西海美术馆，摄影师©黄少丽

 

 

约翰·莫尔绘画奖的背景补充

 

约翰·莫尔（1896-1993）1896年出生于利物浦附近，埃克勒斯一个贫穷的工薪阶层家庭。他14岁离开学校开始创业，是利物浦Littlewoods公司的创始人。约翰·莫尔热爱绘画，对英国艺术界特定圈层日益增长的支配情形感到担忧，由此设立了“约翰·莫尔绘画奖”。奖项以“匿名”评审的方式进行，以“客观”、“民主”为原则，为广大艺术创作者创造了更多展示作品的机会。获奖者的作品将获得在沃克画廊（Walker Art Gallery）展示的机会。1980年，约翰·莫尔因其在业界的杰出贡献，获得了骑士勋章，成为约翰·莫尔爵士。

 

来自：National Museums Liverpool

 

第一届约翰·莫尔绘画奖的获奖展于1957年举行。这也是二战后，时隔六年，沃克画廊重新开放后的首展。在此之前，到1939年为止，利物浦秋季展（ Liverpool Autumn Exhibitions）一直是该画廊的主要展示内容。约翰·莫尔展原定只举办一届，但因获得的巨大关注，特改为两年一次的定期活动。60年代初，约翰·莫尔展被认为是英国前卫艺术（主要是绘画）的展示平台。许多获奖作品被约翰·莫尔购下，并捐赠给沃克画廊作为永久收藏。其中就包含杰克·史密斯（Jack Smith）的《创造与受难》（Creation and Crucifixion）、威廉·斯科特（William Scott）、罗杰·希尔顿的《1963年3月》（March 1963）以及大卫·霍克尼（David Hockney）的《彼得走出尼克的游泳池》（Peter getting out of Nick's Pool）等经典作品。

 

来自：National Museums Liverpool

 

自20世纪60年代末至70年代初，新媒体对绘画的挑战不断增强，前沿艺术家的展览机会的也在逐步增加，约翰·莫尔绘画奖丧失了之前在当代艺术领域的独特地位。但它始终保持着作为英国领先的绘画双年展的声誉。从1999年起，该展览也成为利物浦当代艺术双年展（ Liverpool Biennial of contemporary art）中的核心内容之一。【1】

 

 

参考来源：

[1]National Museums Liverpool About JMPP

 

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合计被罚没约3.2亿！医药领域反垄断“罚单”刷新纪录

远大医药和武汉汇海两家药企因垄断协议合计被罚没约3.2亿元。这是今年以来，医药领域开出的第二笔亿级反垄断罚单。

 

今年2月，市场监管总局通报东北制药因滥用其在中国左卡尼汀原料药市场的支配地位，以不公平高价销售原料药，被罚1.33亿元。

 

5月28日，市场监管总局发布的“远大医药与武汉汇海达成并实施垄断协议、滥用市场支配地位案行政处罚决定书”显示，远大医药(中国)有限公司(远大医药)与武汉汇海达成并实施垄断协议。经查，2016年6月至2019年7月，远大医药和武汉汇海医药有限公司(武汉汇海)达成并实施了关于停止销售去甲肾上腺素原料药和肾上腺素原料药的垄断协议。

 

通报显示，2010年以来，中国境内具有去甲肾上腺素原料药和肾上腺素原料药生产资质的企业仅有远大医药和山西振东泰盛制药有限公司(“山西振东泰盛”)，武汉汇海通过包销方式，实际控制山西振东泰盛去甲肾上腺素原料药和肾上腺素原料药的销售。在去甲肾上腺素原料药和肾上腺素原料药的销售上，远大医药与武汉汇海是具有竞争关系的经营者。

 

远大医药与武汉汇海多次沟通后，于2016年6月达成口头协议，约定武汉汇海停止销售去甲肾上腺素原料药和肾上腺素原料药，远大医药通过两种方式 给予武汉汇海补偿：一是低价向武汉汇海销售去甲肾上腺素注射液和盐酸肾上腺素注射液，再以高价回购；二是要求相关制剂企业低价向武汉汇海销售去甲肾上腺素注射液和盐酸肾上腺素注射液，再由武汉汇海高价转卖。

 

2016年6月至2019年7月，远大医药和武汉汇海均实施了上述垄断协议。武汉汇海按照协议约定停止销售去甲肾上腺素原料药和肾上腺素原料药，远大医药则按协议约定，通过上述两种方式给予了武汉汇海补偿。

 

通报称，远大医药与武汉汇海达成并实施垄断协议行为排除、限制了市场竞争。远大医药与武汉汇海达成并实施关于销售去甲肾上腺素 原料药和肾上腺素原料药的垄断协议，排除、限制了去甲肾上腺素原料药和肾上腺素原料药市场的竞争，损害了相关制剂企业、消费者和社会公共利益。

 

最终，远大医药被没收违法所得1.49亿元，并处罚款1.36亿元；武汉汇海被没收违法所得3092.48万元，并处罚款412.68万元。

 

针对此次处罚，当天，远大医药发布公告称，市场监管总局的处罚金额，占集团最近一个财政年度营收和净利润的比例分别为约3.48%和15.85%，预期不会对集团生产经营产生持续影响。

 

资料显示，远大医药1995年在港交所上市。武汉汇海医药有限公司成立于2003年7月24日，隶属于湖北民康药业集团。

 

来源：中国网财经

记者：顾凡

责编：Adam

CAR-T太贵了！美国医保提出要价格谈判

5月23日，美国医保管理机构CMS发布了一份提高药物定价透明度的征求意见稿，要求对“美国版城镇居民医保目录”Medicaid里的高价药进行调查。

 

意见稿称，药物成本的飞速增长下，医保难以持续，主要负担就是那些高价新药。

 

去年8月，美国通过《通货膨胀削减法案》，授权美国卫生部对“美国版职工医保”Medicare目录中数十种上市一段时间的药物进行价格谈判：每年谈最多10个，药企需公布详细的定价信息，中间商也要披露进价和实际的返点。

 

这回，美国最大的政府医疗项目，类似于我国城镇居民医保的Medicaid紧随其后，也对高价药发起挑战。而且，意见稿把刚上市的新药也覆盖在内。

 

美国医保对创新药全面动手，这不是个好消息。

 

刚上市新药也不能幸免

 

医疗救助计划Medicaid是美国最大的政府医疗项目，主要面对低收入人群。

 

和我国城乡居民医保不同，Medicaid没有药品限制，任何上市药品都能报销。美国只是要求制药商提供美国境内的最低价格。

 

不过现在看来，美国政府显然成了冤大头。

 

由于政府不直接干预定价，美国药品价格主要由制药公司、保险公司和药品批发商三方谈判决定。药价往高了定，三方才能多捞油水。

 

跟中国一样，美国药价也有各种明的暗的折扣和返款，药品成本扑朔迷离，三方的费用划分复杂，政府很难弄清药品真实。

 

但好歹，美国市场竞争是充分的，仿制药价格很低，不过专利期内的创新药价格就不受控制了。以2019年为例，专利药只占了处方量的一成，销售额却占了八成。在美国，一款药年销售额卖到100亿美元并非天方夜谭。

 

根据Medicaid的意见稿，这次的药价调查涉及的高价药有这么几种：总额及单次赔付额最高的、药价涨幅最大的、及上市首发报价最高的。

 

意见稿特别点名昂贵的细胞及基因疗法，也就是这两年才兴起的CAR-T。

 

如果Medicaid真的要对CAR-T等创新药下手，这将是医药行业的灾难。

 

两大法案冲击美国创新药市场

 

这项新法案还没通过，不过同样涉及药价谈判的《通货膨胀法案》已经要落地了。

 

根据美国医保部门3月份发布的谈判指引，所涉及谈判药品主要是使用量大的高价药，包括上市满9年、且没有仿制药的化药，及上市满13年，没有类似药的生物药。一到时间，相关药品就要进入谈判。

 

明年3月，第一轮价格谈判就将启动。根据法案，到2033年，将有超过140种药品进入谈判。

 

美国对不参与谈判的企业设有惩罚措施，如按照销售额的65%至95%征收高额税，并按照售价和谈判价的10倍差值进行罚款。

 

如果新法案加速落地，美国两大政府医疗项目都将开启药价调查和谈判，意味着美国创新药定价不受管控的时代将正式宣告结束。

 

同时，由于美国市场药价是其他国家的重要参照，法案的落地不仅会对美国国内定价市场造成冲击，也会影响全球药品价格体系。

 

长期以来，在自由定价体系下，美国的创新药市场很大程度上支撑着全球药厂的预期。我国创新药企也不例外，无论first in class还是me better，大都把出海作为市场策略之一，美国更是首选之地。

 

如果美国市场药价下降，中国创新药出海要面临更大的不确定性，所有企业的估值都要被迫调整。

 

来源：健识局

作者：李傲

责编：Adam

蔼睦医疗宣布完成中国真实世界研究入组，以评估DEXTENZA(R)在白内障手术患者中的安全性和有效性

上海2023年5月29日 /美通社/

 

蔼睦医疗，一家致力于开发和商业化革新性药物、数字疗法和医药器械产品，以满足患者在眼科、神经和精神系统疾病治疗领域尚未满足的关键医疗需求的全球创新医药科技公司，今日宣布在中国海南博鳌乐城先行区的真实世界研究（”RWS”）完成患者入组，该研究旨在评估DEXTENZA®（0.4毫克地塞米松眼科插入物）治疗白内障手术后眼部炎症和疼痛的安全性和有效性。

 

“我们很高兴地宣布这项在白内障手术患者中进行的真实世界研究完成患者入组，”蔼睦医疗首席执行官赵大尧博士表示，”这是蔼睦医疗为患者带来新颖和差异化治疗选择的一个重要里程碑。我们将加速推动这款临床后期产品在中国大陆和亚洲市场的注册工作。”

 

2020年10月，蔼睦医疗与Ocular Therapeutix, Inc. （以下简称”Ocular”，纳斯达克股票代码：OCUL）达成许可协议，获得在大中华区、韩国和东盟市场开发和商业化 DEXTENZA 的权益。目前，该产品已在美国和澳门获批用于治疗眼科手术后的眼部炎症和疼痛，以及过敏性结膜炎有关的眼部瘙痒。蔼睦医疗将在获批后尽快启动在国内的注册研究。

 

蔼睦医疗正在研发的DEXTENZA是首款缓释泪小管植入剂，不含防腐剂，单次植入后可持续 30 天向眼表缓释地塞米松，与目前常规需每日多次点眼的滴眼液相比，可确保药物使用的依从性，为患者提供显著的益处和便利。

 

本研究旨在提供DEXTENZA在中国人群中使用的支持性证据。研究共完成114例DEXTENZA植入，主要终点是第14天研究眼无前房细胞。预计RWS 的关键研究数据将于2023 年第三季度公布。

 

此外， DEXTENZA 的3期注册（随机对照）临床试验近日在中国大陆获批进入临床，该研究旨在评估DEXTENZA在眼科手术后受试者中的疗效和安全性。

新一代高选择性 BTK 抑制剂康可期在中国上市

为广大成人套细胞淋巴瘤患者提供新的治疗选择，兼具较佳的生存预后与良好的安全性[1]

 

上海2023年5月29日 /美通社/

 

5月27日，阿斯利康的创新靶向治疗药物康可期®（英文商品名：CALQUENCE®，通用名：阿可替尼胶囊）在中国宣布正式上市。作为新一代高选择性布鲁顿氏酪氨酸激酶 (BTK) 抑制剂，阿可替尼于2023年3月获得中国国家药品监督管理局附条件批准，用于既往至少接受过一种治疗的成人套细胞淋巴瘤（MCL）患者。

 

哈尔滨血液病肿瘤研究所所长、中国临床肿瘤学会（CSCO）监事会监事长马军教授，上海交通大学医学院附属瑞金医院终身教授、中华医学会全国血液病学会前主任委员沈志祥教授，国家血液系统疾病临床医学研究中心主任、北京大学血液病研究所所长黄晓军教授，江苏省血液研究所副所长、中华医学会血液学分会现任主委吴德沛教授，北京大学肿瘤医院党委书记、淋巴瘤内科主任医师朱军教授，华中科技大学同济医学院附属协和医院院长、华中科技大学血液病学研究所所长胡豫教授，山东大学齐鲁医院副院长、肿瘤中心主任纪春岩教授，南京医科大学第一附属医院血液科主任、中华医学会血液学分会常委李建勇教授，中国医学科学院血液病医院淋巴瘤诊疗中心主任、天津市脐带血造血干细胞库主任邱录贵教授，中山大学肿瘤防治中心大内科副主任、中山大学附属肿瘤医院淋巴瘤中心首席专家黄慧强教授，浙江大学医学院附属第一医院血液科名誉主任、浙江省血液病临床研究中心主任金洁教授等近 50 位中外血液肿瘤领域权威专家，以及线下超300位、线上超5000位研究者和临床医生参与了本次上市会，共同见证了阿可替尼在中国开启血液肿瘤治疗新篇章，并体现了为患者实现”活得长久，活得更好”新期待的坚定信心。

 

BTK 抑制剂助力患者”活得长久，活得更好” 开启血液肿瘤治疗新时代

 

MCL 是一种少见的非霍奇金淋巴瘤（NHL），占中国所有 NHL 病例的 2-6%[2]，确诊的患者中位年龄通常在 60 -70岁之间，且确诊时通常已是疾病晚期[2]。MCL 兼具惰性和侵袭性淋巴瘤的特点，但整体侵袭性较高，异质性大，根据分类不同，只有 10-15% 的患者呈惰性[3]。MCL仍然是一类不可治愈性疾病，中位总生存期约为69.6个月左右[4]，生存时间 10 年以上的仅占 8%[5]，常规化疗 5 年生存率< 30%[6]。

 

北京大学肿瘤医院党委书记、淋巴肿瘤内科主任医师朱军教授表示：“由于套细胞淋巴瘤患者多数为老年人，不能耐受传统化疗的毒性，且尽管患者对初始治疗敏感，但复发率很高，因此 BTK 抑制剂已成为套细胞淋巴瘤二线及以后治疗的首选方案[7]。新一代BTK 抑制剂阿可替尼相对现有的治疗方案，对靶点选择性高、副作用少、缓解率高，能带给患者更好的获益，对于中国套细胞淋巴瘤患者而言是一大福音，将为他们的高质量长生存带来新的希望。”

 

三十年跃行致远，套细胞淋巴瘤患者”健康可期”

 

自 1993 年进入中国以来，阿斯利康30年不辍前行，始终以患者为中心，在肿瘤领域有着长足的布局和始终如一的深耕，自研的多款肿瘤药物为中国癌症患者带来了长足的获益。

 

而此次上市的阿可替尼是阿斯利康在中国获批的首款血液肿瘤治疗药物，标志着阿斯利康在中国正式进军血液肿瘤治疗领域。全球研究的长期随访结果显示，在既往至少接受过一种治疗的 MCL 患者的治疗中，阿可替尼显示出了长达 59.2 个月的中位总生存期 (OS)，且脱靶效应相关不良事件风险较低，总体安全性良好[8]。

 

阿斯利康全球执行副总裁、国际业务及中国总裁王磊表示：“今年正值阿斯利康进入中国 30 周年，作为阿斯利康在血液肿瘤领域的基石，阿可替尼在中国的成功上市具有里程碑式的意义，彰显了阿斯利康坚持为中国患者提供创新优质好药的决心。未来，我们将持续深耕血液肿瘤治疗领域，引入全球创新药，开展广泛的创新合作，并努力推动各类准入工作和慈善援助项目，助力血液肿瘤诊疗规范化，为更多血液肿瘤患者保驾护航，助力更多患者‘健康可期’。”

77.4% ORR！和誉医药在2023 ASCO年会上发布Pimicotinib最新数据

上海2023年5月28日 /美通社/

 

2023年05月28日，和誉医药（港交所代码：02256）宣布，其用于治疗晚期腱鞘巨细胞瘤（TGCT）的CSF-1R抑制剂Pimicotinib（ABSK021）的Ib期研究结果将于2023年6月2日至6日在美国芝加哥举行的2023年美国临床肿瘤学会（ASCO）年会上公布。

 

该数据是关于Pimicotinib在治疗晚期TGCT患者中的卓越抗肿瘤疗效及安全性，并将于编号为「Poster Bd#: 493」的海报展示中以「EFFICACY AND SAFETY PROFILE OF PIMICOTINIB (ABSK021) IN TENOSYNOVIAL GIANT CELL TUMOR (TGCT): PHASE 1B UPDATE」的标题公布。

 

在和誉医药公布的数据中，最令人瞩目的是Pimicotinib（ABSK021）的50 mg QD剂量组的客观缓解率（ORR）高达77.4% (24/31)，包括2例完全缓解（CR）和22例部分缓解（PR），且87.5% (21/24) 患者的客观缓解在前25周内就被观察到。

 

除此之外，Pimicotinib（ABSK021）在安全性和耐受性方面也呈现出明显的优势。

 

对于不适合手术的TGCT患者，中国尚无药物获批上市。目前，全球唯一获批上市用于治疗腱鞘巨细胞瘤的药物是第一三共株式会社研发的Pexidartinib，但其因潜在致命性肝损伤风险被FDA列入”黑框警告”，且其客观缓解率（ORR）仅为38%。即便如此，第一三共依旧凭借着Pexidartinib在全球市场斩获约4000万美金的销售额。中金公司预计TGCT的全球市场约10亿美元，而和誉医药的Pimicotinib相比于第一三共的Pexidartinib在治疗TGCT方面表现出更为良好的有效性及安全性，并有望成为best-in-class药物。假设Pimicotinib针对TGCT 的适应症于2025年在美国获批上市，市场渗透率假设达到20%，上市定价参考培西达替尼（Pexidartinib）25万美金/年，预计其市场销售峰值有望达到31.4亿元(风险调整后)。

 

Pimicotinib是和誉医药独立自主研发的一款全新口服、高选择性、高活性CSF-1R小分子抑制剂。Pimicotinib是中国第一个自主研发并进入全球临床III期的高选择性CSF-1R抑制剂，已于2023年4月27日在北京积水潭医院完成首例患者给药。此项研究是腱鞘巨细胞瘤疾病领域首个在中国和美国同步开展的全球III期研究，计划入组约100例受试者，包括30家中国中心在内的全球约50家中心将参与该项临床研究。

 

研究表明，阻断CSF1/CSF1R信号通路可调节和改变巨噬细胞功能，在多种巨噬细胞相关疾病中发挥作用。基于临床Ib期腱鞘巨细胞瘤患者的优异研究结果，Pimicotinib分别于2022年7月20日和2023年1月30日被国家药品监督管理局药品审评中心（CDE）和美国食品药品监督管理局（FDA）认定为突破性治疗药物，用于治疗不可手术的腱鞘巨细胞瘤。

视线 Sight Lines｜钱佳华简读

 

 

 

 

展厅的中央，钱佳华的作品均质地悬挂在仿佛墙壁、地板融为一体的灰色空间中。每幅画面由精确的线条和形体以及精致简约的色块组成，并使她在展览的一角具有整齐的装饰性。远看，这些具有同一属性的糖果色画作仿佛同胞手足，带动着我们的视线进入一个有节奏的序列中。它们看似井然有序、沉着冷静，完全顺从于对秩序和极简艺术的固有认知。而在一定程度上，这份表面上所获得的熟悉感足以让一部分观众止步于拍照留念后默默离开。

 

In the main gallery, Qian Jiahua' s band of laconic paintings hang uniformly in a spatial void of greyness that neutralises the divide between the walls and the floor. Each composition is made of clinically precise lines and forms with the most minimalist of palettes, making her corner of the exhibition tidily decorative. From afar, the candy-coloured canvas are like siblings, trailing our eyes into their rhythmic sequence. Indeed, they feel orderly and composed and appear in full compliance, which may be enough for a casual observer to whip out one's phone and begin screen tapping. 

 

 

「视线 Sight Lines」展览现场

 

 

钱佳华 Qian Jiahua, 金牛锦 Taurus, 2022

 

但对于专注的观众，这极致简单的画面显然是艺术家有意图为刻板解读而设置的陷阱。深入观察下，每幅画面都暗含一丝蹊跷或障碍，巧妙地刷新观众惯常的视觉感知——画面中形状的看似扭曲、面板角度的落差、画布的缝制，无一不展露着一种失重感。画布上所拓印的纹理图案似乎与作品难以捉摸的标题有关。画作上的线条除了是肢体“动态”痕迹，更是夹杂了那一念之下所产生的冲动感，仿佛实体化了思想的行动轨迹。

 

But for an attentive audience, that feels too easy and neat, almost an interpretative cul-de-sac decoy. Examining her art is a durational experience, where upon closer inspection, each painting reveals a little hiccup that cleverly throws its audience's perception off balance. The forms seem warped, the panel looks uneven, and her hand-sewn stitches feels taut across the canvas. From up close, every canvas is adorned with imprinted patterns that seemingly affiliate with the work's elusive title. Even lines illuminating her paintings are as much a gesture as they are the strike of an idea – if an idea were to have a mind of its own that could impulsively extend like a hand.

 

 

钱佳华 Qian Jiahua, 8:33, 2013

 

 

钱佳华 Qian Jiahua, 阿斯 Asse, 2023

 

对于钱佳华的作品内容的理解，不得不提到植根于她十年艺术生涯中的几何形体、二维平面感和线性关系的绘画表达语言。这段时期无疑为她在抽象、即兴、色域和极简主义绘画的非表征性的力量艺术实践中提供了充足的变化空间。她的绘画装置作品整体构成严肃的纪律感，但往往是以即兴的方式展开，过程中透过表面的堆叠、分割和抛光形成整齐的色块层次。在近期的创作中，她通过拓印的方式将她的绘画表面肌理来扩展媒介的质属性。这些图案的模具源自艺术家日常环境中所收集的物品，其中包含了动物皮革、节日装饰的墙字、以及樱桃和鲜花等其他杂项形状。它们暗藏在画布中的色域背景中，只有通过我们肉眼的观察下才会显现。这堆叠出的塑形感进一步推动了她对媒介本质的探索。

 

Perhaps a clue to Qian's thinking could be traced to her 10-year aesthetic language rooted in geometric shapes, flat surfaces and linear relationships; the period certainly provided her practice with ample scope for variation within a compendium of nonrepresentational forces of simplicity and spontaneity, colour field and minimalist painting. She typically starts her canvas extemporaneous, and in the process, stacks, divides and polishes the surface in neat acrylic layers to construct a painting-installation. In her recent works, Qian expands on the medium's materiality by compressing a relief texture onto her painting surface. The patterns, moulded from objects the artist gathered from her daily environment, range from animal leather sourced by fashion houses, Chinese characters used for festival decors, to other miscellaneous shapes such as cherries and flowers. Together, they camouflage into her colour-field canvas, perceptible only when physically regarded by the eye, and builds a layer of plasticity that necessarily furthers the artist’s exploration on the material essence of medium.

 

 

钱佳华 Qian Jiahua, 羽 Plume, 2021-2022

 

 

约瑟夫·阿尔伯斯 Josef Albers, 向方形致敬的习作 Study for Homage to the Square, 1968

 

随机性是钱佳华实践的核心动力，有时她乐于借力偶然之下所产生的身体感知和原始冲动来塑造新鲜的火花。绘画有时是一场事故与冒险的实验性结合，而非严谨的构图方案。所以，当被问及她的画面经历了多少次破坏时，钱佳华诙谐地回复道：“数不胜数，而且都被我埋藏在画面底下了。” 也许艺术家她本人未觉察到，但正是她乐于享受这份由风险所构成的戏剧性瞬间 ，才使她创造的抽象作品跳脱出极简主义牢不可破的沉默与冷酷。

 

Spontaneity is the core motivator in her practice, but sometimes she lets chance takes over and impulsion run. As she explains, occasionally, spontaneity derives its spark from chance. In this respect, the paintings are made up of accidents and adventures of human embodiment, unmoored from any pre-planned compositional schema. When questioned about how many mishaps her paintings have endured, Qian answers: Countless; in fact, they are all fossilised under the acrylic layers we're witnessing right now. Exuding the same minty-ness into her pieces, she tramps over the unbreachable solitude often alluded to minimalism, like a litter of feral kittens. 

 

 

 

钱佳华 Qian Jiahua, 小心脚下 Slippery, 2022 | 背 Back, 2022

 

值得庆幸的是，艺术家也乐于与我们分享在她精确而俏皮的作品中的一些谜团和浅浅的幽默——比如，在「天秤少女」中，画板左右的角度落差虽然肉眼可见，却在镜头下永远无法明确显现；另一方面，在她受色彩大师约瑟夫·阿尔伯斯启发的作品「羽」中，由于创作过程过于顺利，艺术家通过擦洗和抛光对原始的图层制造破坏，以对抗其中所产生的倦怠感。这种异想天开的玩笑延续到画作的命名，例如「小心脚下」中恰如其分地描述了姜饼人从斜坡上失足滑落的场面，以及作品「背」中既像人体背部，又让人不禁联想到屁股的线条；等等。在她的画笔下，简洁的抽象画面固呈现出了一种特有生动力，并为观看的人注入了一种主动探索趣味的别样专注力。她作品中富有的灵动和新鲜感，让我们早已忘记画面中的极简性。但如同艺术家俏皮的思绪，她将探寻一切的选择留给了我们。

 

Thankfully Qian shares some enigmas and would-be private jokes with us in her precise but playful pieces – for example, in “Libra Girl”, 2021, she orchestrated a visual trick with the planar level of her painting panel so that the work remains forever warped when photographed; whereas in “Plume”, 2021-2022，she created havoc by scrubbing and buffing way the original layers to fight off the boredom derived from the smooth-sailing progress of her Josef Albers-inspired painting. Such whimsical mischief continues to the way she titled her paintings, from “Slippery”, 2022, which befittingly describes the scenario of a gingerbread man slipping off a slope in her painting, to "Back” , 2022, which quite honestly resembles a pair of buttocks; the fun is endless. Here, the dialectical terseness of abstract art is wonderfully upbeat. And by themselves, the works brim with character that none would regard minimal. But with the same playfulness Qian injects into the austerity of art, she leaves the chance of discovery to us.

 

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百济神州宣布替雷利珠单抗联合化疗用于未经治疗的广泛期小细胞肺癌患者的3期临床试验达到主要终点

中国北京、美国麻省剑桥和瑞士巴塞尔2023年5月26日 /美通社/

 

百济神州（纳斯达克代码：BGNE；香港联交所代码：06160；上交所代码：688235）是一家全球性生物科技公司，公司今日宣布，3期临床试验RATIONALE 312达到其总生存期（OS）的主要终点：相较于化疗，替雷利珠单抗（中文商品名：百泽安®）联合化疗在未经治疗的广泛期小细胞肺癌（ES-SCLC）患者中展现出OS优效性。试验未发现新的安全性警示。

 

百济神州高级副总裁、全球研发负责人汪来博士表示：”小细胞肺癌是一种致死率尤为高的肺癌类型，其5年生存率仅为7%，全球患者迫切需要新治疗选择。我们很高兴地宣布，RATIONALE 312试验证明替雷利珠单抗联合化疗为未经治疗的广泛期小细胞肺癌患者带来了生存获益。我们期待将完整数据提交至并展示于即将召开的一场医学会议。”

 

替雷利珠单抗用于治疗既往接受过化疗的晚期或转移性食管鳞状细胞癌的新药上市许可申请已获美国食品药品监督管理局（FDA）和欧洲药品管理局（EMA）受理，目前正在审评中。此外，替雷利珠单抗用于治疗既往接受化疗后的晚期或转移性非小细胞肺癌（NSCLC），以及联合化疗用于治疗既往未经治疗的晚期或转移性NSCLC的申请也已获EMA受理，目前正在审评中。

 

替雷利珠单抗目前已有11项适应症获中国国家药品监督管理局（NMPA）批准，其中包括最近获得批准的联合化疗用于不可切除的局部晚期、复发或转移性食管鳞状细胞癌患者的一线治疗。中国国家医疗保障局于2023年初公布的新版国家医保药品目录已纳入百泽安®的9项适应症。