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EXHIBITION TITLE  展览名称

尘埃与野马

Dust & Wild Horse‍‍

ARTIST  艺术家

吴维佳 Wu Weijia

CURATOR  策展人

王将 Wang Jiang

DURATION  展期

2025.09.27 – 11.02

VENUE  地点

凯旋画廊  TRIUMPH GALLERY

北京市朝阳区酒仙桥路798艺术区2号院A05

A-05, 798 Art Zone, No.2 Jiuxianqiao Rd, 

Chaoyang District, Beijing

凯旋画廊将于2025年9月27日至11月2日推出艺术家吴维佳在画廊空间的首次个展《尘埃与野马》，由策展人王将策划。展览集中呈现吴维佳近年来的重要新作，其创作延续并拓展着西方现代与后现代的绘画语言，并在东方哲学中找到了着落点。也正因此，他尤其强调齐物观与禅宗直觉体悟在当代绘画中的实践。在展览筹备之际，王将与吴维佳进行了一次深入对谈，围绕展览“尘埃与野马”及近年创作展开讨论，以下文本为精选出对谈片段。

TRIUMPH GALLERY is pleased to announce the presentation of Wu Weijia's first solo exhibition at the gallery, Dust & Wild Horse, from September 27 to November 2, 2025. Curated by Wang Jiang, the exhibition will focus on presenting a number of important new works by the artist from recent years. His practice continues and expands upon the languages of Western modern and postmodern painting while finding its footing in Eastern philosophy. It is for this reason that he particularly emphasizes the application of the concept of the equality of all things and the intuitive comprehension of Zen in contemporary painting. In preparation for the exhibition, Wang Jiang engaged in an in-depth conversation with Wu Weijia, discussing the themes of Dust & Wild Horse and his recent creative developments. The following text is an excerpt from their dialogue.

王将（以下简称为王）：维佳先生，我们先从本次个展同名的作品谈起。《尘埃野马》进一步延续了你近年来一直关注的“齐物”观念，那么具体到这幅画面，你是如何编排那些能识别出的形象呢？在生活中，你是如何和这些形象相遇的？那些不能被识别出来的线条和颜色，又是在一种什么样的状态中被创作出来的呢？

吴维佳（以下简称为吴）：其实我每一张画都可以命名为“尘埃野马”，这也是我对世界的基本认知。越来越感到，没有什么事物一定高于其它，也没有什么事情真正更渺小。庄子的“尘埃”在我看来近乎道家的“气”——万物生成消逝，无非是气的聚散，我的画也是如此……我们日常生活除了基本需求，大多接触的是电视、手机、杂志画报这类二手信息。所以素材信手拈来，并无特定选择。

Wang Jiang (hereinafter referred to as Wang): Mr. Wu Weijia, let’s start with the work that shares the same title as this solo exhibition. "Dust, Wild Horse" further extends the concept of "the equality of all things," which you have been focusing on in recent years. So, specifically in this painting, how did you arrange the recognizable images? How do you encounter these images in your daily life? And in what state of mind were the unrecognizable lines and colors created?

Wu Weijia (hereinafter referred to as Wu): In fact, every one of my works could be titled "Dust, Wild Horse," as this reflects my fundamental understanding of the world. I increasingly feel that nothing is inherently superior to anything else, and nothing is truly more insignificant. Zhuangzi’s "dust," in my view, is akin to the Daoist concept of "qi"—the birth and dissolution of all things are merely the coalescence and dispersion of qi, and so are my paintings… In our daily lives, apart from basic needs, much of what we encounter consists of secondary information, such as television, mobile phones, magazines, and pictorials. Thus, the materials I use are readily at hand, with no particular selection process.

尘埃野马 Dust,Wild Horse, 186 × 228 cm

布面油彩 Oil on canvas, 2025

王：作为观看者，其实大家第一眼会习惯性地寻找能够识别的符码。就像前腿抬起的马，画面下部红色的鸟。这些物，和其他那些画布上的莫名的痕迹如何做到“齐”？

吴：我采用的是线性思维，但它是无数不同线索的叠加。观众总想寻找叙事的起点，但我并不以那种方式叙事。我关心的是“当下”，其结果反而是空无的。我更愿意把“广阔天地”留给观者自己去想象。

Wang: As viewers, people instinctively look for recognizable signs at first glance—like the horse with its front leg raised or the red bird at the bottom of the painting. How do these elements coexist in harmony with the other unintelligible marks on the canvas?

Wu: I employ a linear way of thinking, but it’s an accumulation of countless different clues. The audience always seeks a starting point for narrative, yet I don’t construct narratives in that way. What I care about is the "immediate moment," and the result is, instead, a sense of emptiness. I prefer to leave the "vast expanse" to the viewers’ imagination.

喜从天降 A Windfall, 100 × 86 cm

布面丙烯油彩 Acrylic and oil on canvas, 2025

王：有点感兴趣你画中的一些“裂隙”，就是那些白色直线，它们和混沌的线条是完全不一样的，里面有一种人工的，理性的，甚至是机械式的质地。在今年的新作，《喜从天降》里彩色的“裂隙”如光芒一样构成了画面中重要的要素。你如何理解这些裂隙的存在？还有，画中规则的圆点，这些规则的规律的几何形状在画面中意味着什么？

吴：学画之初，我们就被教导要追求“完美”。但这些年我的看法有所改变。我更愿意保留甚至凸显画面中的创伤、断裂与破损——它们其实也是“完美”的一部分。至于是否真有“完美”，那又是另一个问题了。

Wang: I’m somewhat intrigued by the "clefts" in your paintings—those straight white lines. They stand in stark contrast to the chaotic brushstrokes, carrying an artificial, rational, even mechanical quality. In your recent work, "A Windfall", the colorful "clefts" shine like rays of light, becoming a crucial element of the composition. How do you interpret the presence of these clefts? Also, what do the orderly dots and other regular geometric shapes in your paintings signify?

Wu: From the very beginning of our training, we are taught to pursue "perfection." But over the years, my perspective has shifted. I now prefer to preserve—even emphasize—the wounds, fractures, and breaks in a painting. In a way, they are also part of "perfection." As for whether "perfection" truly exists—that’s another question altogether.

人为峰 The Ultimate Summit, 226 × 188 cm

布面油彩 Oil on canvas, 2025

王：那些不规律的痕迹，在之前访谈中谈到的“战争残骸”，这是一种图像的战争吗？是形象的战争吗？是对于越来越清晰确定的现代性图像发动的战争吗？如何理解此处的战争？

吴：如果把作画视为一场战争，那它更像一场遭遇战——随机应变，见招拆招。种什么因，得什么果；遇到什么，就回应什么。固定套路只会陷入程式化，那恰恰是我想要避免的“江湖气”。禅宗讲“破执”，对我而言，破除执念是最好的方法。

Wang: Those irregular traces you've referred to in previous interviews as "the remnants of war"—is this a war of images? A conflict between forms? Is it a rebellion against the increasingly clear and deterministic images of modernity? How should we understand the concept of "war" in this context?

Wu: If we think of painting as a kind of war, it’s more like an encounter battle—improvisational, responding to challenges as they arise. You reap what you sow; you encounter something, and you respond. Sticking to fixed patterns leads to formulaic work, which is exactly the kind of "predictable flair" I want to avoid. Zen Buddhism speaks of "breaking attachments." For me, breaking free from rigid thinking is the best approach.

但丁的小舟 Dante's Canoe, 202× 276 cm

布面油彩 Oil on canvas, 2024 

王：看你所用的线条，在另一张《但丁的小舟》中，是一种非常具有你个人特色的造型手法：线条的反复描摹，建构起形象，也消解了形象。可否谈谈这张作品，创作时你对线条是如何运用的？在我的感觉中，甚至线条有时候组织成了一张有弹性的网络——就像《人为峰》里，组成人的线条也组成了山峦的样子。

吴：我喜欢将相似又不同的形象不断重叠，色彩也是如此。我的画一点不抽象，最初甚至是极为具象的——有时还会用投影仪精准描摹。但经过多次的空间叠加、拆解与去中心化处理，画面逐渐抽象化。这正是我想要的结果：从有到无，通过反复过程拓展出更宽阔的视觉空间。我相信，线条、笔触、颜料可以叠加，观念同样可以。我不一定知道最终意义是什么，但我相信反复劳作之后，意义自会显现。

Wang: Looking at your use of lines—in another work, "Dante's Canoe", for instance—there is a highly distinctive stylistic approach: the repeated tracing of lines both constructs and deconstructs the imagery. Could you talk about this piece and how you applied lines during its creation? In my perception, the lines sometimes even organize into an elastic network—much like in "The Ultimate Summit", where the lines that form the figure also shape the mountain.

Wu: I enjoy layering similar yet distinct forms repeatedly, and the same goes for color. My paintings are not abstract at all; in fact, they often start out as highly representational—sometimes I even use a projector for precise outlines. But through multiple layers of spatial overlay, deconstruction, and decentralization, the image gradually becomes abstract. This is exactly the outcome I aim for: moving from presence to absence, expanding a broader visual space through repetitive processes. I believe that just as lines, brushstrokes, and pigments can be layered, so can concepts. I may not always know the final meaning, but I trust that through repeated labor, meaning will reveal itself.

王的故事 The King's Story, 173 × 160 cm

布面油彩 Oil on canvas, 2020

王：《孔雀》是一个让我觉得很有故事质感的场景。还有另一张《王的故事》，题目里就是有“故事”。虽然你总是强调和观众的直观感受直接地接触，但是还是很好奇这些场景里的“故事”究竟是怎么样的？

吴：哦，那是早些年的题材。我所画的是我希望见到的虚幻现实，一种特别不真实的现实。可以说那是一种“虚伪现实主义”。

Wang: "Peacock" strikes me as a scene rich with narrative texture. Then there's another piece, "The King's Story," which explicitly references a "story" in its title. Although you often emphasize direct, intuitive engagement with the viewer, I'm still curious about the nature of the "stories" within these scenes.

Wu: Oh, those were themes from earlier years. What I painted was an illusory reality I wished to see—a kind of reality that feels particularly unreal. You could call it "False Realism."

水无意云无心 Drifting Free of Intent, 109 × 221 cm

布面油彩 Oil on canvas, 2020

王：在我看来，《王的故事》《黎明之前》以及《水无意云无心》等那一时间段的作品，都有一个特点，画布往往是不规则的形状。然后不规则的部分之间彼此又存在着一种正负形的关联。就像拼图，相互嵌合，又像拼贴是碎片化的。这种嵌合的关系，不仅体现在画面整体的形状上，也体现在你处理不同形象的手法上。嵌合，为何采用这样的手法？

吴：我对这个问题的理解，恐怕还不如你阐述得精彩。你说得特别到位。那段时期尝试这类作品时，我感到无比自由，也非常快乐。

Wang: In my view, works from that period, such as "The King's Story," "Before the Dawn," and "Drifting Free of Intent," share a common characteristic: the canvases are often irregularly shaped. Moreover, the irregular parts exhibit a positive-and-negative spatial relationship with one another. Like interlocking puzzle pieces or fragmented collages, this interconnectedness is reflected not only in the overall shape of the canvas but also in your approach to rendering different forms. Why did you adopt this technique of interlocking?

Wu: I’m afraid my own understanding of this question may not be as insightful as your articulation. Your description is particularly apt. During that period, when I was experimenting with such works, I felt an immense sense of freedom and great joy.

五音不全 Tone-deaf, 110 × 190 cm

布面油彩 Oil on canvas, 2020

王：我也非常感兴趣类似《五音不全》这幅画里的涂抹痕迹。这种涂抹具有一种侵入性，或者一种破坏性。而这些涂抹的手法，又往往在你描摹和春宫主题的场景里出现。这种涂抹，是某种欲望的表达吗？

吴：《五音不全》中的形象取自《韩熙载夜宴图》中“五女吹箫”的局部，但我并没有画全五个女子，就取名《五音不全》。算是我与顾闳中之间开的一个小小玩笑吧。

Wang: I'm also quite intrigued by the smearing traces in a painting like "Tone-deaf". These smears carry a sense of intrusion, or even destructiveness. Moreover, such smearing techniques often appear in your depictions of scenes with themes of copying or spring palace. Are these smears an expression of a certain kind of desire?

Wu: The imagery in "Tone-deaf" is taken from the segment in The Night Revels of Han Xizai depicting "Tone-deaf," but I didn’t paint all five women, hence the title Tone Deaf. It’s a little joke between Gu Hongzhong and me.

南看北斗 Gazing at North, 73 × 131 cm

布面油彩 Oil on canvas, 2025

王：今年的作品里例如《去马飞》《南看北斗》都是一个特殊的主体处在一个氤氲的氛围中。可识别的主体形象，和周遭的环境产生了很大的张力。这些题目都很有意思，这是某种特殊心境的表达吗？

吴：用这些禅语作为画题，是希望作品能传达出一些禅意。尽管这可能也只是一种妄念。

Wang: In your recent works, such as "Meteoric Rise" and "Gazing at North," a distinct subject is placed within a misty, atmospheric setting. The recognizable subject and its surrounding environment create a strong tension. The titles are also quite intriguing. Are these expressions of a particular state of mind?

Wu: Using these Zen-inspired phrases as titles is my way of hoping the works convey a Zen-like quality—even if that might just be a delusion.

千乘行 Statecraft Journey, 140 × 185 cm

纸本水墨丙烯 Colored ink and acrylic on paper, 2025

王：还有今年的两幅小画，MASK面具，面具很具象，在这个小尺幅中，给面具一个特写。这里面具有什么所指呢？

吴：面具之中其实藏着一幅我模仿小学生课本的插画。我并不清楚这样做会带来什么，还是一贯的“种因不计果”吧。

Wang: There are two small paintings this year, "MASK." The mask is very figurative, presented as a close-up in this small-scale format. What does this mask symbolize?

Wu: Using these Zen-inspired phrases as titles is my way of hoping the works convey a Zen-like quality—even if that might just be a delusion.

White Mask, 50 × 40 cm

布面油彩 Oil on canvas, 2025

王：最后可能是一些相对抽象的问题。人的直觉和感知，其实是一种类似禅宗修炼时候的感知，人与事物的高度亲密状态。这种禅修式的物我关系，是你当下的一种追求吗？作为前辈，你与绘画打了近半个世纪的交道，也见证了整个中国当代艺术的历程。对于今天而言，绘画这种媒介或者艺术门类的“生息”在何处呢？野马和尘埃都是生息流动的样态。

吴：绘画是我认识世界的方式。欢喜与愿望相比，欢喜赢！“野马也，尘埃也，生物之以息相吹也”。

Wang: Finally, a relatively abstract question. Human intuition and perception are akin to the awareness cultivated in Zen practice—a state of profound intimacy between the person and the object. Is this Zen-like relationship between the self and the world something you pursue today? As a senior artist who has engaged with painting for nearly half a century and witnessed the entire trajectory of Chinese contemporary art, where do you see the vitality of painting as a medium or an artistic category today? Both wild horses and dust are forms of flowing vitality.

Wu: Painting is my way of understanding the world. When joy is weighed against ambition, joy prevails! "The steam rising up is like galloping steeds, and the dust moving about is like living things blown by the breath of Nature."

2025.8.26

吴维佳，1960年生于江苏南通，1982年毕业于南京艺术学院美术系油画专业，师承苏天赐。现生活工作于江苏南京，任教于南京师范大学美术学院，长期从事绘画教学及绘画创作。

在吴维佳持续四十余载的艺术生涯里，他致力于不同媒介的绘画实践，跨越油画、中国画、书法等诸多领域，表现出高超的艺术才能和精湛的艺术造诣。其作品被国家大剧院、江苏省美术馆、南京艺术学院美术馆等诸多重要艺术机构收藏。

王将，独立策展人、艺术评论人。他同时是寸止设计（Inch Office ）创始人兼视觉总监，并担任四川美术学院硕士研究生导师，及中国当代艺术年鉴特约编委。

从业至今，王将策划了逾百场当代艺术展览，并编辑、设计众多艺术出版物。他的研究与写作聚焦于“中国新绘画”呈现的多元可能性，关注议题包括：具象绘画的复兴与叙事重构；材料实验与新物质主义转向；屏幕文化对架上绘画的渗透；全球化与东方美学的张力；社会运动与集体记忆的视觉化；艺术史谱系的解构与重写。其艺术评论广泛发表于 Artnet、Artnews、Artbaba、ArtAlpha、Hi艺术等专业媒体及各大艺术机构官方平台。他近期的个案评论涉及：袁运生、马可鲁、吴维佳、孟禄丁、王玉平、刘锋植、王音、杨茂源、毛焰、马轲、王迈、黄宇兴、王亚彬、秦琦、陈彧君、关音夫、闫冰、夏禹、高瑀、亓文章、陈柏豪、黄亮、吕松、许宏翔、刘海辰等艺术家。

自2024年起，王将持续进行着对“屏幕一代”的深度访谈、研究与系统梳理工作，试图在此基础上建构后屏幕绘画的核心概念与理论框架。

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关于画廊   

偏锋画廊坚持对中国当代艺术进程的洞察以及对欧洲及战后艺术大师的探索，并在两者的对话与碰撞中寻找各种可能的艺术力量。偏锋既是中国最早推动抽象艺术研究与发展的重要画廊，也是持续探讨具象绘画在当下多种可能性的主要机构。我们深信，艺术的体验产生于一个又一个的变革中创造的新世界；艺术家的作品正是探索世界的第三只眼睛。对于收藏家，偏锋为其提供专业知识，鼓励他们发掘个人独特的视角，只因两者的充分结合才能构建卓越的收藏。我们希望更多的藏家可以秉持鉴赏家的心态，更深入地理解当代艺术以及欣赏画廊发掘、重塑并坚信的艺术家。

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姚浩：劳动者的诗学

策展人 – 刘芳

展览时间：9月6日-10月8日

开放时间：周二至周日，09:00-18:00

电话：010-59756999

地址：北京市朝阳区酒仙桥路10号

恒通商务园B36-B座一层Hi艺术中心

官网：www.line-gallery.com

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对话访谈

姚浩

艺术家

刘芳

策展人

在虚空中捕捉真实

刘芳：你的新作品中几乎完全寻觅不到以往的绘画踪迹，能谈谈你的绘画转向和你的境遇转变吗？

姚浩：早期的创作从对内心深处的自我挖掘，到以观察者的视角对逝去年代的倒述，完成了我对成长这一命题的表述和情感寄托。在时间的线索中之前的关注视角是过去时，也是当时的真实表达，这个“真实”是自我的真实。回头看，是对现实社会的感受与思考还没有到达要表达的能量值。现阶段创作的变化是因为人在变社会也在变，这是自然而然的发生。

生活的变化就是之前工作过两三年，之后经历疫情，一切停滞，有过无所适从和焦虑，所有内耗的体验。后来搬到了燕郊，工作室条件好一些了，自己稳定和安静下来了。在持续的深入的从事一件事情总是能触及到一些问题，所以我觉得就诞生了类似这样的一些具有思考型的问题。

这阶段其实都在完成一件作品，也是从这一件作品开始发生的转变，中间有一个很长的过程，这次展览展现的就是这一件作品的创作过程。

姚浩 搬石头的人5 2025 纸本水墨 139×96cm

刘芳：你以前的作品中的人物大都有一个年代感，或者某一身份，譬如之前经常描绘的女教师，售货员等女性身份偏多。而新作品中看上去几乎都是去除了身份的劳作中男性的躬身姿态。这个形象源于什么，为什么会如此反复刻画同一身体姿态？

姚浩：之前“流淌”那次个展中也有个弯腰的男性，但是这次的这些身体姿态和那个的实际意义还是不一样。这一件作品按照之前的那种风格也画过两三遍，但是都没成。就是感觉以前那种方式表达的不够，力量不够。草图在这之前的它是一个全景式的，是比较具体的一个场景，像采石或者是开矿，这里边的人物形象更具体，有年轻的，有老的。后来就停下来，不再按照前面的方式去画了，想让画面更简洁更有力量。就从单个人物开始实验。人物造型，笔墨造型方式变得更粗狂直接。画面中的人物形象逐渐抽象成人的符号，无关乎性别，年龄，身份等社会性特征。反复画这一躬身姿态，在反复中确定它的精神性。

姚浩 劳动者1 2025 纸本水墨 179×386cm

刘芳：《劳动者》这个群像里面看起来是指向的一群人，或者就是你，是我，也许是他，只是保留一个人的形体。这个形体姿态是落在搬拾重物的身体姿态，手中重物看起来像石头，当然也可以只是寓意，但让人会联想到一个是“愚公移山”，一个是“西西弗斯推石”。这些与你的创作有什么关联吗？

姚浩：在创作过程中，有朋友过来看，很直接的会联想到《愚公移山》。这件作品最初的想法和意图并不是从这件作品来的。从整个创作的过程，包括整个这个群像和劳动，这种山石的场景会有某种相似。从结果上看，《愚公移山》在那个时期有一种积极向上的力量，通过一个神话赋予它一个精神性的指向。它是一种人能够去改造自然“人定胜天”的那种心态。我的这个画面当中虽然是那种群体劳动的姿态，但是整个体现的这种劳作和这种工作是否能够给予一个什么意义？可能是一种无意义的劳动。这一点上更接近西西弗斯推石的荒诞感。人的这个形体其实他也不是像那个愚公移山里面的形体强壮有力，可以说是有软弱，柔弱的。虽然是男性形体，但他细长，这种男性没有那种刚强的力量，但是他做的这种动作又是负重的，或者是被动的在重复，就是不停的在搬起重物，在这种无限循环当中。其实这一件作品的意象就是从这一个弯腰的姿势，给我的一个反馈。我对于搬起重物的这种感受，然后衍生出一个场景性的，群像性的一种场景。他里面的人也是偏同质化的，没有身份，他可以是任何人。

姚浩 劳动者2 2025 纸本水墨 179×290cm

刘芳：《劳动者》群像这幅作品和所有的单个人物作品放在一起，会让人联想到当下工作中的人，一种被困住的无限循环的状态，尤其当下年轻人生命的无力感。

姚浩：我们这一代可能面临了很多更现实的问题。但是在这现实问题当中我们企图去抵抗也好，用我们的方式去解决也好，但是还是从个人生命感上来说总会有一种无力感，就好像抓的是一个虚空一样，没有一个种确定。可能现在是一个很平滑的时代，你也会有愉悦，会有现实的一种东西。比如我们现在，这种网络短片、短视频等等，这些都是我们的日常。但是在这种平滑过程当中也会有一个反思。所以对于平滑的这种反思，一方面是由对当下现实体会的这样一个感受，另一个就是从艺术作品角度，色彩表现也好，还是空间手法方式也好，像现在选择这么粗粗拉拉的笔墨的质感，有意抵抗那种过于平滑的美。

姚浩 幽语4 2025 纸本水墨 107×68cm

刘芳：你这次的作品从色彩回归到黑白的同时，也更注重笔墨的深度实验，并且还有不少木板丙烯作品，可以说说你在其中的体会吗？

姚浩：这次在寻找画面的一种力量，用更单纯的方式。因为选择了黑白所以又回到了笔墨。黑白的这种表现性也是阶段性的，可能是现在对于笔墨的认识也发生了一点变化，也是在过程中。比如像之前的用色包括阶段性换其他材料丙烯或者是水性色，在创作方法上也交叉进行。对于我们接受的长期笔墨训练的这种方式会有一个新的更直接的认识。不是在之前的一个惯性里边我要用笔墨怎样去表现，现在可能我是更从绘画性的角度更具体的感受它。比如说画面里的线，之前那我用中锋用笔，那现在的画面中可能侧锋在画面里面它是适合的。我觉得这就是我对之前标准的变化，认识的变化。然后进行了好多过程当中的实验，包括这些小的作品，丙烯不同媒介的一个尝试。其实媒介之间是有一种互补的，它是我寻找新的绘画语言的一个方法，一个通道。在不同材料的切换当中这样去寻找一个陌生感，突破之前的笔墨惯性。

刘芳：其实就是你又从原来的去笔墨的方式回到了笔墨本身。因为你刚才说到就是想用黑白去表现他那种张力。而且黑白之间的那个反差感非常强，有点类似于版画的那种效果，所以你要是还用水墨这种材质，以通常的笔墨方式，那必然黑白反差会被削弱。你就是要触及到笔墨深处的东西，而且不是停留在原来的一般化的那个笔墨，书写也好，还是去直接画什么也好，而是潜入了这个笔墨它本身的这种质地。就是它对于你的这个表达来说，是不是有更多的可能性。所以我觉得如果要说什么叫有笔有墨，你找到了你自己独特的用笔用墨方式，才能叫做有笔有墨，其实在你的创作当中，画面当中它是契合的，非常成立的，它才是一个好的笔墨，或者是有效的笔墨。同样造型也是如此。

姚浩 裂隙2 2025 纸本水墨145×111cm

刘芳：你这次这些作品里面的造型，是跟你的那个表达体验直接相关的。所以你这次的人物都是这种偏柔弱但是又在劳动，又需要力量的这么一种形体当中去找这种造型的。然后到这个花卉植物的这些作品里，又更抽象一点。我是感觉你虽然在往抽象那边走，但是你这个抽象里面还一直在保留着与当下现实感受、感知之间的那个关系，不仅仅是一个图像的抽象，不是纯理性的那种图形的推演，更是你的感受之真的那种抽象。这种抽象的来源和推演是怎样的？

姚浩：人物的这一些创作当中还是具有表现性的这种方式。植物它更自由，它的形体会让你画的时候也更自由。所以在它的形体的概括上面去寻找画面的关系，它是从自然中来，依托于观察，写生，或者是一个图片，在它的这种自然的关系里边去寻找形体的秩序。蜀葵形象在之前创作线索里一直有，它只是当作作品的一个背景。之前它是真实的花，就是花的意象更强。现在是把它界定为一种物，物象的一个形体。我不想把它简单的做成图形的视觉抽象，在具象形体的自然秩序中构建画面中的笔墨秩序，这是这一阶段工作所展开的新方向。

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写在前面：

首先我希望这篇关于嘉琪的文本能更好地回答藏家好朋友Y的疑问，“为什么要用希腊神话的话题概括展览？”。虽然我已经忘了当时我怎么回答了，但彼时她并没有认可或被解惑。这让我意识到在策展实践中的留白，也有滑向“空泛的自我陶醉”的危险。当然，策展归策展，这篇文章并不完全是策展的延伸。也有作为文化研究和美学批评的功能，但推导逻辑和文风均以我自己的工作习惯为主，并接纳任何驳斥和反对的声音。

我想从一个语言学的问题开始聊。维特根斯坦曾经提过一个好玩的假设：“哪怕狮子会说人话，我们也听不懂它说什么。”乍一琢磨可能觉得没有道理，但仔细去想，狮子在野外因为自身的生理特性和习性，并不与人类共享任何生活。因此狮子“说什么”和“如何听懂”就变成了要弄清楚狮子的生活和为什么要说人话的动机问题了。一种完美的答案是：或许它本来就是一个人变的。

许嘉琪（以下简称QQ），她的工作呈现出明显的隐喻拓扑结构。例如《哲学玫瑰园》中，“被立体的脊柱剑劈开的爱心表情包”和“墨丘利之泉”都共享着一种关于“维度跳跃”的转化隐喻。就像月亮和船都共享一种“弯曲”的隐喻或感受，她自述中讲到“剑与脊柱再次缠绕、逻辑被情感弯折，守护与暴力同体。”因此两者的组合就像是矛盾的两端、相互转化又异体同构，就好像内外相连的克莱因瓶或者莫比乌斯环一样耐人寻味。“墨丘利之泉”是符号，“脊柱剑”和“爱心”是现象、能指。在拉康的语言学体系里，符号对应的意义是单一的，但能指所对应的意义永远是滑动的，比如“猫”这一事物在不同语境下时而读作“喵喵”时而滑向“哈基米”的情况。我们在看到QQ这件“脊柱剑爱心桌”在蚀刻了“墨丘利之泉的符号”后，顺手也将作品的材料（水泥颗粒感）、颜色、甚至尺寸纳入了作品内部丰富的能指集当中，让意义在上述能指要素间不断流转和生成，暗合了QQ本来的观念，物质能量相互转化，也在转化的缝隙中生成。

许嘉琪 / Xu Jiaqi

哲学玫瑰园 / Philosophy Rose Garden

2022

亚克力、树脂、仿石涂层、手工设色

Acrylic, resin, stone-like painting, hand-colored

120×120×70 cm

5+1 AP

脊柱作为身体的一种隐喻，同时也常常被“背面”捕获，并常常成为阴性、黑暗、残酷的客体。弗里达的脊柱自画像、安格尔的脊柱侧弯大宫女，古斯塔夫·莫罗最甚，圣约翰断头的脊柱在好长一段时间成为我的童年阴影。后来，大学时期的解剖课上，我终于被希腊神话的另一个关于脊椎的故事治愈了。我了解到承托我们头颅的第一颈椎（脊椎）寰椎Atlas，其名字的来源就是希腊神话中的泰坦神阿特拉斯。他负担着整个地球的重量，与寰椎承托着整个人的智慧中枢异曲同工。让人不禁感叹现代医疗的浪漫。（说句题外话，“文明6”游戏的封面就是Atlas）话说回来，脊椎在QQ作品中的反复出现其实更多承载着一种美学的作用，一种有关支撑和维系的美。

《Virola》将这种支撑和隆起作为机体结构的合法性打破，原本作为桌子支撑的脊柱却在边缘的切线处逃逸，成为了一条百足虫。这让我联想起汉斯·贝尔默也在自己的一系列“身体装置”中确认了关节的主体性或者说一种主体间性。说白了，关节的意识有可能并不在骨骼，而在骨骼与骨骼间用以活动的缝隙。想到关节在某些情况下具备咔咔作响的恐怖潜能，我就觉得这件作品的木头材料阻止了它坠向噩梦的动能。《欲望崇拜》中，佛塔那响尾蛇尾般的轮廓和肉体触感，将“死亡”宣判为有机，也让仪式作为了人的意志和注目，充满了在场感。其质感上的液化处理让我自然联想到洞中融润的钟乳石，但锋利到令人望而生畏的壶耳和尖顶又一次戳破上一层语境，进而在夜间微光（荧光材料）的呼吸感中，如同米诺斯文明中的章鱼陶罐，生物机体和图腾灵光最终合二为一。

许嘉琪 / Xu Jiaqi

Virola

2024

北美胡桃木 / North American walnut

尺寸可变 / Variable size

汉斯·贝尔默, The Doll (Maquette for The Doll's Games), 1938

许嘉琪/ Xu Jiaqi

欲望崇拜/ Stupa of Desire Worship

2024

树脂/ Resin

H 52cm，φ 20 cm

5+1 AP

在QQ以往的作品中沁透着明显的“狮子”语言学问题：花儿很美，但美不能只用花来解释，美是没有绝对对照的客体（甚至椅子也没有其标准的客观范式），所以体验美就成了一种认识角度的实践，其中的象征根据我们自身的实践经历而流动。比如《Wings》中发展自身体语的言延伸，硅胶所模拟的肉体和肉体包裹下若隐若现的羽毛，我们便能很快联想到“未成年的天使”。之所以如此，一方面天使的形象是“人+翅膀”，未成年则由稀疏绒毛和裸露肌肤组成。虽然我们并没有能力经验鸟的生活，但“天使”的替代性让我们能短暂抽离日常。但未丰的羽翼却又让我们害怕成为下一个伊卡洛斯。除了源于某种未成年的癔症外，《Wings》也在考量一种不可能的实践，如果身体的逐渐丰满意味着成熟的经验和作为人的在场。那么母体中尚未降生的婴儿，则指向一种尚未分化、无需秩序和经验便可自足的神话体验（先验甚至超验）。语言学中的“前语言时期”也就是婴儿尚未习得语言时的状态也经常与神话混同，肢体反应和本能仍然象征着混沌的可能，或许这也作为一种解释，为何当下的新锐艺术家更加想要描述一种“先验”的感知：更加接近一种“无痛”的脱经验的实践。

许嘉琪 / Xu Jiaqi

Wings

2025

硅胶、螺丝、高精度泡沫、镜面贴纸

Silicone, screws, high-precision foam, mirror stickers

40×110 cm * 尺寸可变，可穿戴装置 / Variable size, wearable device

3+1 AP

QQ的创作并未停留在解构与隐喻的游戏层面。就像某种症候和缺憾的积极作用力，她作品始终保有一种稚拙而灵性的温度，一种朝向“尚未被语言分割的世界”的乡愁。那或许是婴儿的前语言混沌，是伊卡洛斯还未坠落的那个瞬间，是神话仍与肢体记忆相连的原始场景。而我最近也反复地咀嚼了《美国精神病人》这部寓言体电影。好多人觉得这是一部大卫·林奇式精神分析片，我部分同意，我觉得它所指对象并不单单是个人或者群体，还有一个群体之上的结构。类比QQ最喜欢的动漫作品《JOJO的奇妙冒险》系列，一群不同症候的病人和非人，却藉由可见与不可见的力量，带着创伤和癔症，首先拿起工具、最终抵达丰饶。

左：电影《美国精神病人》American Psycho（2000）

右：动漫《JOJO的奇妙冒险》系列

文/高江波

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艺术家 | Artist

许嘉琪 | Xu Jiaqi

1994年出生于杭州，2017年毕业于浙江传媒大学摄影专业学士学位，日本武蔵野美术大学映像科研究生，2022年驻留于德国莱比锡PILOTENKUECHE。

她以装置、雕塑、绘画、录像等多种媒介进行创作，这些作品联系着神秘学、符号学、自然与考古等元素，并尝试探索和创造一种独特的隐喻式的能量场域。在使用不同材质的材料的矛盾感来表达自己独特的美学思维的同时，她相信美是唯一连接身体自由意志的本源。

近期个展：”许嘉琪个展“，PIN Gallery（北京，2024）； ”元祖来电“，ABI Space（杭州，2023）。

群展经历：“剪刀、纺锤与纺线”，美成空间（深圳，2025）；”Hyperhood附近分子“，马丁戈雅生意（杭州，2025）； ”ART OnO艺博会“，CON_Gallery，SETEC展览中心（首尔，韩国，2025）； ”AA+ALL STARS卡牌跨年项目“，AA+Plus，油罐艺术中心（上海，2025）； ”Meme To Jam“ X sign Space（杭洲，2024）； ”Veins of Dreams“, Artsect Gallery（伦敦,英国, 2024）； ”SPLINTER CATALOG“, Untitled Gallery, CTM音乐节（柏林，德国，2024）； ”合成生活:数字时代的影像艺术“，成都当代影像馆（成都，2023）； ”蟹腿项链：跨年装置项目“，Loopy club（杭州，2023）； ”曲登“，Playground（上海，2023）；”亚细亚的迷子“，The 27 club (东京，日本，2023);  “歌舞伎町纯爱战士2.0”，ALL club (上海，2023);  “Archetype”，ALL club (上海，2023);  Pleasure Seed, ARSAVANTl (莱比锡，德国，2022）； ”Portal“, Forestlimit （东京，日本，2021）。

Jiaqi Xu, born in Hangzhou, China. Bachelor's degree in photography from Zhejiang University of Media and Communications, research student in the Department of Imaging at Musashino Art University, Japan. She has been in residence at the PILOTENKUECHE in Leipzig, Germany in 2022, where she has been working in a variety of mediums such as installation, sculpture,painting, video, etc.

Her work connects with elements of the occult, semiotics, nature, and archaeology, and attempts to explore and create a unique metaphorical field of energy. While using the paradoxical sense of different materials to express her unique aesthetic thinking, she believes that beauty is the only source that connects the free will of the body.

Her recently solo exhibition include: “Xu Jiaqi”, Pin Gallery (Beijing, 2024); “Ancestors Call” ABl Space, (Hangzhou, 2023).

The group exhibition she participated in: “Scissors, Spindle and Thread”, Gallery MC (Shenzhen, 2025); “Hyperhood”, Martin Goya Business (Hangzhou, 2025);  “ART OnO Art Fair”, CON_Gallery, SETEC Exhibition Center (Seoul, Korea, 2025); “AA+ALL STARS ”, AA+Plus, Tankshanghai (Shanghai, 2025); “Meme To Jam”, X sign Space (Hangzhou, 2024); “Veins of Dreams”, Artsectgallery (London, UK, 2024); “SPLINTER CATALOG”, Untitled Gallery, CTM Festival (Berlin,,Germany, 2024); “Synthetic Life: Video Art in the Digital Age”, Chengdu Contemporary Video Museum (Chengdu, 2023); “Spirit of Rave: A New Year's Installation Project”, Loopy club (Hangzhou, 2023); "mchod-rten", Playground (Shanghai, 2023);  “Asia's Fanatic Son”, The 27 club (Tokyo, Japan, 2023); “Kabukicho Pure Love Warrior 2.0”, ALL club (Shanghai, 2023); “Archetype”, ALL club (Shanghai, 2023); “Pleasure Seed”, ARSAVANTl (Leipzig, Germany, 2022); “Portal”, Forestlimit (Tokyo, Japan, 2021).

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