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凡舒卓在华获批新适应症，拓展至6至＜12岁儿童重度嗜酸粒细胞性哮喘（SEA）的维持治疗

近日，阿斯利康宣布，其中国首个呼吸生物制剂凡舒卓^®（英文商品名：Fasenra^®，通用名：本瑞利珠单抗注射液）新适应症在中国正式批准，用于儿童（6至＜12岁）重度嗜酸粒细胞性哮喘（SEA）的维持治疗。本瑞利珠单抗是精准靶向嗜酸性粒细胞的抗IL-5R生物制剂，此前已在中国获批用于成人和12岁及以上青少年SEA的维持治疗。

中国国家药品监督管理局（NMPA）的批准是基于全球多中心、开放标签的TATE III期临床试验的积极结果。在该临床试验中，本瑞利珠单抗达到了主要研究终点，显示其在6-11岁SEA儿童中，具有良好的药代动力、药效特征与安全性，与青少年及成人研究结果一致，支持其在儿童群体中使用。本瑞利珠单抗采用皮下注射方式，前三次每4周注射一次，之后每8周注射一次¹。

支气管哮喘是儿童最常见的慢性气道炎症性疾病，在我国，儿童哮喘的总患病率为14.6%且呈明显上升趋势^2-3。重度哮喘患儿约占整体哮喘患儿总数的6.7%，但高达50%的重度哮喘患儿在出院后1个月内再次住院，高达79%的患儿在出院后1年内再次住院，未控制的哮喘甚至会危及生命⁵。长期、反复如此或对儿童生长发育造成影响，也严重影响孩子及家长的日常生活。数据显示，近四成患儿因为哮喘发作而缺课，近四成家长因患儿哮喘发作缺勤⁶，严重影响儿童身心健康，给家庭带来了沉重的精神压力和经济负担⁴。国家也高度重视儿童慢性疾病的防治，自今年起，国家卫健委启动为期三年的“儿科和精神卫生服务年”专项行动，明确提出要加强儿童常见病和慢性病的早期筛查和诊断、防控和综合管理能力^7-9。本瑞利珠单抗新增儿童SEA适应症，为中国6至＜12岁SEA患儿带来了全新、精准、安全性良好的治疗方案。

上海第一人民医院儿科洪建国教授表示：“重度哮喘患者正确的诊断分型是关键，有效性和安全性是儿童重度哮喘治疗和控制的两个关键点，很高兴看到本瑞利珠单抗在重度嗜酸粒细胞性哮喘患儿中展现出与成人一致的药代动力学、药效学和安全性特征，有望为我国儿童SEA患者带来全新的治疗选择，降低激素用量，点燃迈向‘临床治愈’的希望。”

阿斯利康全球高级副总裁、全球研发中国负责人何静博士表示：“TATE研究结果显示本瑞利珠单抗在6至11岁儿童与12岁及以上患者中表现出一致的药代动力学、药效学以及安全性和耐受性，进一步证实了该药在所有获批年龄组中的有效性，这也是阿斯利康持续推进重度哮喘诊疗变革的重要进展。未来，我们将继续加速推动科学创新，依托自身强大的研发优势和外部合作，研发改变生命的药物，为中国广大的呼吸系统疾病患者带来更多具有突破性意义的创新疗法。”

阿斯利康中国总经理、中国生物制药业务总经理林骁表示：“非常高兴看到本瑞利珠单抗儿童适应症获批，作为阿斯利康在呼吸领域推出的首款生物制剂，本瑞利珠单抗已惠及了众多成人及青少年SEA患者，此次适应症拓展，将为更多儿童带来规范有效的治疗选择，助力重度哮喘患儿自由呼吸、健康成长，我们也期待本瑞利珠单抗在呼吸慢病领域实现更多新适应症的拓展。阿斯利康始终秉承‘患者至上’的初心，深耕慢性呼吸系统疾病领域已逾五十年，拥有丰富的产品管线和广阔布局，构建了从雾化产品到吸入制剂、再到创新生物制剂的全方位治疗方案。未来，我们将加速引入以生物制剂为核心的创新疗法，持续携手多方力量，重塑中国呼吸慢病的诊疗格局，切实满足中国呼吸慢病患者的健康需求。”

【关于重度哮喘】

哮喘是一种慢性呼吸道疾病，影响全球约3亿人，包括约12%-14%儿童患者^10-12。高达10%的哮喘患者患有无法有效控制的重度哮喘，其中80%以上的重度哮喘患者为嗜酸性粒细胞表型¹⁰。中国约有300万重度嗜酸粒细胞性哮喘患者^29-32，该疾病在中国发病率高，由于频繁的急性发作、肺功能严重受限以及生活质量的下降，患者面临沉重的疾病负担^13-16。同时，重度哮喘患者死亡风险更高，且哮喘相关住院风险是持续性哮喘患者的2倍^17-19。此外，重度哮喘相关医疗费用约占哮喘患者医疗总成本的50%，为社会带来沉重的经济负担。

【关于TATE研究】

TATE研究是一项在美国和日本开展的开放标签Ⅲ期临床研究，旨在评估本瑞利珠单抗在6-11岁SEA儿童患者中的药代动力学（PK）、药效学（PD）及长期安全性。研究共纳入美日两国28例6-11岁SEA患儿以及2例12-14岁的日本青少年接受本瑞利珠单抗皮下注射，随访48周。

本瑞利珠单抗在该试验中达到了主要终点，证实其在6-11岁SEA患儿中的PK、PD和安全性与既往临床试验结果一致¹。

【关于本瑞利珠单抗】

本瑞利珠单抗成人和12岁及以上青少年SEA适应症目前已在美国、欧盟、日本、中国等80多个国家和地区获批，6-11岁儿童SEA适应症已在美国和日本获批^20-23。嗜酸性肉芽肿病伴多血管炎（EGPA）适应症也已经在美国、欧盟和日本等全球35多个国家和地区获批²⁴。该药惠及的全球患者人数已超过15万²⁵。阿斯利康也在对本瑞利珠单抗的其它适应症进行开发，包括慢性阻塞性肺疾病（COPD）和嗜酸粒细胞增多综合征（HES），并于近期公布了HES的NATRON Ⅲ期临床研究的积极结果^26-28。

本瑞利珠单抗由阿斯利康开发，并获得日本协和麒麟株式会社的全资子公司百讴瓦股份有限公司的授权许可而引进。

安瑞克芬获批：慢性肾病瘙痒治疗突破背后的临床科研新动能

我国医药企业海思科医药自主研发的1类创新药安瑞克芬近日通过国家药品监督管理局审批，成为国内首个获得成人血液透析慢性肾脏疾病相关瘙痒（CKD-aP）适应症的高选择性外周κ阿片受体激动剂。这一突破不仅为血液透析患者带来了缓解顽固瘙痒的新希望，更为临床科研建设注入了强劲动力，在科研范式、临床转化及学科发展等多个维度展现出深远的积极意义。

2016年海思科外周KOR筛选立项，经历1年多的药物筛选，确定HSK21542（即安瑞克芬）作为本项目的候选化合物，并于2019年10月申报新药临床试验申请（IND），进入了为期4年的临床开发阶段。

从科研机制探索来看，安瑞克芬对CKD-aP发病机制的解析精准。研究发现，CKD-aP与尿毒症毒素蓄积、神经病变等多重因素相关，尤其与中枢μ-阿片受体过度激活及外周κ-阿片受体（KOR）表达降低密切相关。基于此，研发团队锁定KOR激动剂这一靶点，最终合成具有高选择性的短链多肽类物质。

在临床试验设计方面，安瑞克芬的研发过程科学严谨。其临床前研究显示安瑞克芬对μ和δ受体均无激动作用，具有高选择性，药效EC50值为30pM，且对KOR具有“快结合、慢解离”的特征；Ⅰ期临床试验验证了线性药代动力学特征和良好耐受性；Ⅱ期研究通过剂量递增和12周疗效评估，确定0.3μg/kg为最佳剂量，展现出显著的WI-NRS评分改善及生活质量提升[1]；Ⅲ期研究进一步纳入544例患者，以多中心、随机双盲设计证实，治疗12周时安瑞克芬组WI-NRS评分改善≥4分的患者比例达37.2%，远超安慰剂组的15.0%，且生活质量评分（Skindex-10和5-D量表）改善同样显著[2]。

更重要的是，安瑞克芬的获批为临床科研开辟了新的研究方向。安瑞克芬的研发路径为特色靶点药物开发提供了参考，其通过“结构优化-靶点验证-临床精准定位”的全链条设计，将外周κ受体这一曾被认为“难成药”的靶点转化为临床价值明确的治疗方向。这不仅为肾内科医生提供了新的科研课题，更推动学科向精细化、个体化治疗方向发展。同时，国产1类创新药的成功研发，也激励着更多本土科研力量投入临床转化研究，加速从基础研究到临床应用的转化效率，为提升我国在慢性疾病治疗领域的科研竞争力奠定基础。

作为首个国内上市具有CKD-aP适应症的的外周K激动剂，安瑞克芬更长期疗效、与其他药物的相互作用、特殊人群适用性等仍需进一步探索，有待临床深入挖掘。而这也正说明，该药的问世不仅是慢性肾病瘙痒治疗领域的里程碑，更以其科学的研发历程和深远的科研价值，为临床科研建设注入新的活力，推动肾脏病学及相关学科向更高水平迈进。

^{[1]Pan M, Wang G, Zhou L, Xu Y, Yao L, Wu C, Mei C, Zhao Z, Sun D, Guan T, Chen Q, Shi M, Xu H, Zeng W, Li F, Yan R and Liu B-C (2023), Safety and effectiveness of HSK21542 for hemodialysis patients: a multiple ascending dose study. Front. Pharmacol. 14:1203642.}

^{[2]Wang X, et al. Antinociceptive and antipruritic effects of HSK21542, a peripherally-restricted kappa opioid receptor agonist, in animal models of pain and itch[J]. Frontiers in Pharmacology, 2021, 12: 773204.}

【本资讯旨在提供前沿医学信息与研究进展，仅供医疗卫生专业人士参考，不属于产品推广和广告用途。文中内容不能取代专业的医疗指导，也不应视为诊疗建议。医疗卫生专业人士在对文中涉及到的任何药品进行处方时，请严格遵循产品最新详细处方资料。】

肾内科医生“数”说“血透止痒”新药安瑞克芬

慢性肾脏疾病相关瘙痒（CKD-aP）的发病机制涉及尿毒症毒素蓄积、周围神经病变、免疫系统功能障碍及阿片类物质失衡。最新研究表明，中枢μ-阿片受体（MOR）过度激活或外周κ-阿片受体（KOR）抑制可能参与引发瘙痒感，尤其是CKD-aP患者皮肤中KOR表达显著降低，这表明KOR激动剂可能具有治疗该病症的潜力。

基于此，我国药企自主研发了1类创新药安瑞克芬，并于日前通过国家药品监督管理局审批，成为了我国首个获得成人血液透析CKD-aP适应症的高选择性外周κ阿片受体激动剂。

安瑞克芬的化合物属于新型合成短链多肽类物质，能特异性激活外周κ-阿片受体，具有高选择性和强亲和力，通过调控G蛋白介导的钾钙离子电流，有效阻断痛觉与瘙痒信号传导，抑制背根神经节和外周感觉神经的兴奋性，同时减少炎症因子和神经递质的释放[1]。这些作用机制使其在不激活κ受体以外的受体的情况下，仍能发挥镇痛和止痒效果。

临床前研究显示，安瑞克芬的药效EC50值为30pM，表明其具有更强的靶点药理活性。且相较于另外一种药物活性成分，安瑞克芬对kappa阿片受体的作用具有快结合、慢解离的特点，提示安瑞克芬更具长效作用的潜力。

在澳大利亚和中国健康受试者中开展的首期人体I期临床试验显示，安瑞克芬耐受性良好且呈现线性药代动力学特征，血清催乳素浓度未出现剂量依赖性升高趋势。

基于此，研究人员开展了一项评估安瑞克芬在血液透析患者中的安全性、药代动力学特征及临床疗效多中心、随机、双盲、安慰剂对照的II期临床试验：

II期第一阶段通过剂量递增研究评估了安瑞克芬在1周治疗周期内的安全性和耐受性，证实该药在0.05-0.80μg/kg剂量范围内具有良好的耐受性，0.3μg/kg在中重度瘙痒患者中显示出良好的疗效[1][2]。

II期第二阶段针对安瑞克芬的临床疗效、安全性及药代动力学特征开展了12周的临床试验，结果显示第12周时，0.3μg/kg组的WI NRS评分较基线平均变化为-3.40。WI NRS评分下降3分或以上的患者比例为62.1%，在Skindex – 16评分指标上展现出更显著的改善效果与安慰剂相比，5-D瘙痒量表评分也呈现相似趋势，且具有耐受良好，未出现剂量依赖性不良反应。证实， 0.3μg kg的剂量在减轻瘙痒和改善血液透析患者的生活质量方面具有优异的疗效和安全性[3]。

安瑞克芬开展的以12周时WI-NRS周平均值较基线改善≥4分的受试者为主要终点的Ⅲ期研究结果显示，在12周双盲期，安瑞克芬组改善中重度CKD-aP疗效显著优于安慰剂组，第12周WI-NRS周平均值较基线改善≥4分及≥3分的受试者的比例：安瑞克芬组为37.2%和51.0%，而安慰剂组为15.0%和24.2%（P分别＜0.001）。生活质量评分（Skindex-10和5-D量表评分），在12周时，安瑞克芬组较基线的变化也显著优于安慰剂组[Skindex-10评分：安瑞克芬组（-15.2）vs.安慰剂组（-9.3）；5-D量表评分：安瑞克芬组（-5.3）vs.安慰剂组（-3.1），P均＜0.001][1]。

总的来说，安瑞克芬治疗CKD-aP安全有效，但其临床适用性、药物疗效、药代动力学等，有待临床进一步检验和深入研究，这也为临床医生带来了新的科研课题。

^{[1] Pan M, Wang G, Zhou L, Xu Y, Yao L, Wu C, Mei C, Zhao Z, Sun D, Guan T, Chen Q, Shi M, Xu H, Zeng W, Li F, Yan R and Liu B-C (2023), Safety and effectiveness of HSK21542 for hemodialysis patients: a multiple ascending dose study. Front. Pharmacol. 14:1203642.}

^{[2] Liu B C, Li Z L, Zhang P, et al. Bmj, 2025, 390: e085208. doi:10.1136/bmj-2025-085208.}

^{[3]Pan M-M, Gao M, Zhou L, Xu Y, Yao L, Wu C-Q,Mei C-L, Zhao Z-Z, Sun D, Guan T-J, Chen Q-K,Shi M, Xu H, Li Y-M, Zhao W-Y, Yan R andLiu B-C (2025) Efficacy and safety of HSK21542 for pruritus management in hemodialysis patients: a multicenter,randomized, double-blind, placebocontrolled trial.Front. Pharmacol. 16:1583515}

织者：许嘉琪

写在前面：

首先我希望这篇关于嘉琪的文本能更好地回答藏家好朋友Y的疑问，“为什么要用希腊神话的话题概括展览？”。虽然我已经忘了当时我怎么回答了，但彼时她并没有认可或被解惑。这让我意识到在策展实践中的留白，也有滑向“空泛的自我陶醉”的危险。当然，策展归策展，这篇文章并不完全是策展的延伸。也有作为文化研究和美学批评的功能，但推导逻辑和文风均以我自己的工作习惯为主，并接纳任何驳斥和反对的声音。

我想从一个语言学的问题开始聊。维特根斯坦曾经提过一个好玩的假设：“哪怕狮子会说人话，我们也听不懂它说什么。”乍一琢磨可能觉得没有道理，但仔细去想，狮子在野外因为自身的生理特性和习性，并不与人类共享任何生活。因此狮子“说什么”和“如何听懂”就变成了要弄清楚狮子的生活和为什么要说人话的动机问题了。一种完美的答案是：或许它本来就是一个人变的。

许嘉琪（以下简称QQ），她的工作呈现出明显的隐喻拓扑结构。例如《哲学玫瑰园》中，“被立体的脊柱剑劈开的爱心表情包”和“墨丘利之泉”都共享着一种关于“维度跳跃”的转化隐喻。就像月亮和船都共享一种“弯曲”的隐喻或感受，她自述中讲到“剑与脊柱再次缠绕、逻辑被情感弯折，守护与暴力同体。”因此两者的组合就像是矛盾的两端、相互转化又异体同构，就好像内外相连的克莱因瓶或者莫比乌斯环一样耐人寻味。“墨丘利之泉”是符号，“脊柱剑”和“爱心”是现象、能指。在拉康的语言学体系里，符号对应的意义是单一的，但能指所对应的意义永远是滑动的，比如“猫”这一事物在不同语境下时而读作“喵喵”时而滑向“哈基米”的情况。我们在看到QQ这件“脊柱剑爱心桌”在蚀刻了“墨丘利之泉的符号”后，顺手也将作品的材料（水泥颗粒感）、颜色、甚至尺寸纳入了作品内部丰富的能指集当中，让意义在上述能指要素间不断流转和生成，暗合了QQ本来的观念，物质能量相互转化，也在转化的缝隙中生成。

许嘉琪 / Xu Jiaqi

哲学玫瑰园 / Philosophy Rose Garden

2022

亚克力、树脂、仿石涂层、手工设色

Acrylic, resin, stone-like painting, hand-colored

120×120×70 cm

5+1 AP

脊柱作为身体的一种隐喻，同时也常常被“背面”捕获，并常常成为阴性、黑暗、残酷的客体。弗里达的脊柱自画像、安格尔的脊柱侧弯大宫女，古斯塔夫·莫罗最甚，圣约翰断头的脊柱在好长一段时间成为我的童年阴影。后来，大学时期的解剖课上，我终于被希腊神话的另一个关于脊椎的故事治愈了。我了解到承托我们头颅的第一颈椎（脊椎）寰椎Atlas，其名字的来源就是希腊神话中的泰坦神阿特拉斯。他负担着整个地球的重量，与寰椎承托着整个人的智慧中枢异曲同工。让人不禁感叹现代医疗的浪漫。（说句题外话，“文明6”游戏的封面就是Atlas）话说回来，脊椎在QQ作品中的反复出现其实更多承载着一种美学的作用，一种有关支撑和维系的美。

《Virola》将这种支撑和隆起作为机体结构的合法性打破，原本作为桌子支撑的脊柱却在边缘的切线处逃逸，成为了一条百足虫。这让我联想起汉斯·贝尔默也在自己的一系列“身体装置”中确认了关节的主体性或者说一种主体间性。说白了，关节的意识有可能并不在骨骼，而在骨骼与骨骼间用以活动的缝隙。想到关节在某些情况下具备咔咔作响的恐怖潜能，我就觉得这件作品的木头材料阻止了它坠向噩梦的动能。《欲望崇拜》中，佛塔那响尾蛇尾般的轮廓和肉体触感，将“死亡”宣判为有机，也让仪式作为了人的意志和注目，充满了在场感。其质感上的液化处理让我自然联想到洞中融润的钟乳石，但锋利到令人望而生畏的壶耳和尖顶又一次戳破上一层语境，进而在夜间微光（荧光材料）的呼吸感中，如同米诺斯文明中的章鱼陶罐，生物机体和图腾灵光最终合二为一。

许嘉琪 / Xu Jiaqi

Virola

2024

北美胡桃木 / North American walnut

尺寸可变 / Variable size

汉斯·贝尔默, The Doll (Maquette for The Doll's Games), 1938

许嘉琪/ Xu Jiaqi

欲望崇拜/ Stupa of Desire Worship

2024

树脂/ Resin

H 52cm，φ 20 cm

5+1 AP

在QQ以往的作品中沁透着明显的“狮子”语言学问题：花儿很美，但美不能只用花来解释，美是没有绝对对照的客体（甚至椅子也没有其标准的客观范式），所以体验美就成了一种认识角度的实践，其中的象征根据我们自身的实践经历而流动。比如《Wings》中发展自身体语的言延伸，硅胶所模拟的肉体和肉体包裹下若隐若现的羽毛，我们便能很快联想到“未成年的天使”。之所以如此，一方面天使的形象是“人+翅膀”，未成年则由稀疏绒毛和裸露肌肤组成。虽然我们并没有能力经验鸟的生活，但“天使”的替代性让我们能短暂抽离日常。但未丰的羽翼却又让我们害怕成为下一个伊卡洛斯。除了源于某种未成年的癔症外，《Wings》也在考量一种不可能的实践，如果身体的逐渐丰满意味着成熟的经验和作为人的在场。那么母体中尚未降生的婴儿，则指向一种尚未分化、无需秩序和经验便可自足的神话体验（先验甚至超验）。语言学中的“前语言时期”也就是婴儿尚未习得语言时的状态也经常与神话混同，肢体反应和本能仍然象征着混沌的可能，或许这也作为一种解释，为何当下的新锐艺术家更加想要描述一种“先验”的感知：更加接近一种“无痛”的脱经验的实践。

许嘉琪 / Xu Jiaqi

Wings

2025

硅胶、螺丝、高精度泡沫、镜面贴纸

Silicone, screws, high-precision foam, mirror stickers

40×110 cm * 尺寸可变，可穿戴装置 / Variable size, wearable device

3+1 AP

QQ的创作并未停留在解构与隐喻的游戏层面。就像某种症候和缺憾的积极作用力，她作品始终保有一种稚拙而灵性的温度，一种朝向“尚未被语言分割的世界”的乡愁。那或许是婴儿的前语言混沌，是伊卡洛斯还未坠落的那个瞬间，是神话仍与肢体记忆相连的原始场景。而我最近也反复地咀嚼了《美国精神病人》这部寓言体电影。好多人觉得这是一部大卫·林奇式精神分析片，我部分同意，我觉得它所指对象并不单单是个人或者群体，还有一个群体之上的结构。类比QQ最喜欢的动漫作品《JOJO的奇妙冒险》系列，一群不同症候的病人和非人，却藉由可见与不可见的力量，带着创伤和癔症，首先拿起工具、最终抵达丰饶。

左：电影《美国精神病人》American Psycho（2000）

右：动漫《JOJO的奇妙冒险》系列

文/高江波

艺术家 | Artist

许嘉琪 | Xu Jiaqi

1994年出生于杭州，2017年毕业于浙江传媒大学摄影专业学士学位，日本武蔵野美术大学映像科研究生，2022年驻留于德国莱比锡PILOTENKUECHE。

她以装置、雕塑、绘画、录像等多种媒介进行创作，这些作品联系着神秘学、符号学、自然与考古等元素，并尝试探索和创造一种独特的隐喻式的能量场域。在使用不同材质的材料的矛盾感来表达自己独特的美学思维的同时，她相信美是唯一连接身体自由意志的本源。

近期个展：”许嘉琪个展“，PIN Gallery（北京，2024）； ”元祖来电“，ABI Space（杭州，2023）。

群展经历：“剪刀、纺锤与纺线”，美成空间（深圳，2025）；”Hyperhood附近分子“，马丁戈雅生意（杭州，2025）； ”ART OnO艺博会“，CON_Gallery，SETEC展览中心（首尔，韩国，2025）； ”AA+ALL STARS卡牌跨年项目“，AA+Plus，油罐艺术中心（上海，2025）； ”Meme To Jam“ X sign Space（杭洲，2024）； ”Veins of Dreams“, Artsect Gallery（伦敦,英国, 2024）； ”SPLINTER CATALOG“, Untitled Gallery, CTM音乐节（柏林，德国，2024）； ”合成生活:数字时代的影像艺术“，成都当代影像馆（成都，2023）； ”蟹腿项链：跨年装置项目“，Loopy club（杭州，2023）； ”曲登“，Playground（上海，2023）；”亚细亚的迷子“，The 27 club (东京，日本，2023); “歌舞伎町纯爱战士2.0”，ALL club (上海，2023); “Archetype”，ALL club (上海，2023); Pleasure Seed, ARSAVANTl (莱比锡，德国，2022）； ”Portal“, Forestlimit （东京，日本，2021）。

Jiaqi Xu, born in Hangzhou, China. Bachelor's degree in photography from Zhejiang University of Media and Communications, research student in the Department of Imaging at Musashino Art University, Japan. She has been in residence at the PILOTENKUECHE in Leipzig, Germany in 2022, where she has been working in a variety of mediums such as installation, sculpture,painting, video, etc.

Her work connects with elements of the occult, semiotics, nature, and archaeology, and attempts to explore and create a unique metaphorical field of energy. While using the paradoxical sense of different materials to express her unique aesthetic thinking, she believes that beauty is the only source that connects the free will of the body.

Her recently solo exhibition include: “Xu Jiaqi”, Pin Gallery (Beijing, 2024); “Ancestors Call” ABl Space, (Hangzhou, 2023).

The group exhibition she participated in: “Scissors, Spindle and Thread”, Gallery MC (Shenzhen, 2025); “Hyperhood”, Martin Goya Business (Hangzhou, 2025); “ART OnO Art Fair”, CON_Gallery, SETEC Exhibition Center (Seoul, Korea, 2025); “AA+ALL STARS ”, AA+Plus, Tankshanghai (Shanghai, 2025); “Meme To Jam”, X sign Space (Hangzhou, 2024); “Veins of Dreams”, Artsectgallery (London, UK, 2024); “SPLINTER CATALOG”, Untitled Gallery, CTM Festival (Berlin,,Germany, 2024); “Synthetic Life: Video Art in the Digital Age”, Chengdu Contemporary Video Museum (Chengdu, 2023); “Spirit of Rave: A New Year's Installation Project”, Loopy club (Hangzhou, 2023); "mchod-rten", Playground (Shanghai, 2023); “Asia's Fanatic Son”, The 27 club (Tokyo, Japan, 2023); “Kabukicho Pure Love Warrior 2.0”, ALL club (Shanghai, 2023); “Archetype”, ALL club (Shanghai, 2023); “Pleasure Seed”, ARSAVANTl (Leipzig, Germany, 2022); “Portal”, Forestlimit (Tokyo, Japan, 2021).

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拾萬杭州｜落落之玉碌碌之石｜雷禺对谈

拾萬空间（杭州）非常荣幸于8月30日带来艺术家雷禺的个展：落落之玉，碌碌之石。雷禺，2014年自中国美术学院漆艺专业毕业后，一直在摸索和探索大漆这个材料。此间，雷禺改造福州北峰山上的一个清末文魁老宅为工作室，北峰山远离市区，周围有浓密的树林。从被动客观地和自然相处，到主动容纳地去适应环境，雷禺逐渐相信自己能够身体力行的重新建立自己的感知能力。用“大漆”这种极其自然，但是又非常繁复的材料来约束、控制和重新认识自己的一些知觉。本次展览中，雷禺以“刺”为起点，将树林中最多的一种植物形态“刺”，结合大漆材料的特性展现出其既坚硬同时又脆弱的两面。

对谈｜TALK

赵尔东：你和我的经历有些相似之处，最初我们都在国美漆艺专业就读，在唐明修老师的教导下懵懂地摸索漆艺，而你自毕业以后，一直创作到现在，逐渐发展出一个自己的艺术系统，你觉得漆艺现在对你来说意味着什么呢？

雷禺：感觉现在做漆，比起过去，会更加自由，或许是做漆的时间久了，可以更好的进入自己的内在世界，也对大家现在经常讨论的漆的独特性与可能性，有了一些新的理解，以前总是会被所谓的漆材料的特性所限制，后来就觉得，只是从材料的角度去讨论技术，是没有什么价值的，也没有可能性，只有自己的艺术与漆自然有机地结合在一起，然后产生一种新的面貌的时候，作品才会有它独特的气息，有新的可能性。

赵尔东：你在创作的时候会在意技术层面的精确吗？你使用的漆艺变涂技艺，是经过改良的，和传统的变涂有很大的不同，也是建立在非常严谨的线逻辑和块面逻辑上的，你觉得这种对漆工艺层面的在意，是在辅助你的表达吗，你会担心漆艺庞大的技术系统、历史以及强烈的材料质感稀释你艺术层面表达的浓度吗？

雷禺：我确实很重视技术层面的精准度，这种意识帮助我更深入地理解和呈现我的画面，尤其是在空间感和层次感上，对我来说有很大的补充作用。当然，有时候当我达到我想要的精准度时，漆的特性会带来一些变数，当出现这种变数时，我就会与这些结果进行较量。如果结果无法接受，我就会重新制作。当然有时候，也会有一些意想不到的效果出现，我会考虑它在画面中是否合理，如果它能够成立，那我就会保留下来。因此，和漆材料的接触是一个不断试探和调整的过程。

赵尔东：你知道在艺术界，经常有一种对漆艺创作者的疑问，就是“为什么一定要用漆”，这个问题对你来说会不礼貌或者很尖锐吗？你会怎么回答呢？

雷禺：这个问题，我被问过很多次，在我看来，创作当然不一定是非漆不可的，我也有用各种顺手的材料，做一些小装置，我想之所以要用这些材料，也仅仅是因为它们更合适。当然面对具体的图像的手稿，很多时候选择用漆来做更恰当、精准，在动手之前也会针对自己创作的内容、预期效果、质感、气质等做考量，所以我想大家在问 “为什么一定要用漆”这个问题的时候，可以从作品最后的面貌去反推这个问题，应该各自心里就会有不同的答案。

赵尔东：我知道你也画过布面绘画，例如丙烯，你觉得非漆的绘画也让你得心应手吗？在不同的媒介之间游走的感觉，对你来说是怎样的，会对创作表达有影响吗？

雷禺：相比于其他媒介，我目前更倾向于使用漆来创作，因为我觉得它更得心应手。我很享受漆那种浓稠的重力感，以及它背后繁琐的‘生态’过程。比如，天气不同，漆的干燥速度会有差异，温度也会影响漆膜的硬度。这些变化让我觉得像在做实验，充满了操作感。漆不仅仅是一个创造“形象”的材料，它的特性和变化也在创作过程中发挥着重要作用。

艺术家雷禺创作中

赵尔东：我还想聊聊你在山上生活的经历，应该是很多人羡慕的，当然我也去过北峰山几次，还在你工作室睡过帐篷，在山上的生活对你来说意味着什么呢？可以分享一下你在山上的对你影响最深的经历吗？或许是某种顿悟的时刻？

雷禺：山上的生活对我来说其实很平常，没有什么特别深的意义。但有一个经历让我印象深刻。几年前，我突发奇想想用美工刀加工一个脱胎的平面板的边缘线。我用刀的速度和力度很大，结果不小心划伤了我的中指和食指。当时没有感觉到任何疼痛，但很快血液就大量涌出，我连夜下山去医院，才知道食指的筋断了。

整个手术过程我都没感觉到疼痛，但陪着我的朋友在旁边看得非常痛苦，头顶不断冒汗。最让我记得深刻的，是在医院出院的时候，我的视线变得非常模糊，直到我看到我的朋友仿佛变成了一个由紫色气泡组成的人，缓缓走向我。那一刻，我觉得非常魔幻，也让我对这件事有了很深的冲击。之后，我变得不再那么急躁，做事更加谨慎，也更加收敛了。我对许多事物产生了敬畏感。

雷禺工作室一角

赵尔东：那你受伤的经历，给你带来的心理层面的冲击很大，这是一种非常实在的改变，或者说是一种对生命的体悟吧，因为很多时候我们习以为常的身体机能一旦受损，就会引发思考，这样的体验是否也促使你在更深的层面，面对你作品的主题“刺”的意涵？

雷禺：回想起来，当时我用美工刀的力度和狠劲就像一把尖锐的武器，意图刺向他人，结果却伤到了自己。这让我意识到，在处理事情和对待他人时，要保持一定的空间和分寸感，而这种分寸感也是我这次创作中讨论的重点之一。关于‘刺’这个主题，我认为可以去除造型的外在表现，情感和情绪同样可以通过其他方式塑造出来。这也是我后期作品中情感化的过程，它更多是由情感主导的，而不是单纯从造型角度探讨尖锐和分寸的问题。

赵尔东：关于你展览作品中刺的主题，其实你一直使用变涂的方式，是在将反复勾勒的漆凸起的线磨平，这种对尖锐的刺的图像的研磨，是否也有一定的含义？不知道你有没有这么想过，因为你也有做立体的刺的干漆雕塑。

雷禺：一方面磨平的处理也是想柔化尖锐的气息，另一方面还有将线磨凹的处理，这种就会和空间感的关系更强，慢慢拖着匀速前进的感觉也很考验人。

赵尔东：原来是有意识的柔化尖锐的气息啊，就像是一种对质感、形态双重关系的折中处理吗？

雷禺：是的，漆液就是有一种其它材料没有的手感，在创作过程中的感悟比结果来的更持久。

赵尔东：你提到漆的浓稠、重力感，以及非常复杂的工序带给你的感受，是不是让你有一种安全感，在完成一系列的漆的日常工序时，会给你带来一种踏实的类似于劳作的感受，像种植物或者做饭一样。漆虽然在很多人看来是神秘且不可知的，但在你的长期实践中已经完全融入到你的生活，成为一种日课一样的存在，或者说，这种对大众来说相对陌生的古老工艺（虽然越来越多的人开始在网上传播漆艺的教程了），成为了你的生活方式？

雷禺：是的，会让我很专注进入一种状态，很实在，尤其是在画线的时候特别明显，和其他人勾线的方式不一样，我会反着拖动漆线，或许是一种私密的习惯吧。

赵尔东：你意思是勾线是把粘稠的漆拎起来的感觉，是吗？我的感觉是拖动和摇曳，有一种顺水推舟的感觉。

雷禺：我也有同感，这种理解也很有趣。

《雷禺：落落之玉碌碌之石》展览现场，拾萬杭州，2025

赵尔东：你在生活中，会对自己畲族人的身份有自觉吗？福州民俗、民间信仰的氛围还是比较浓厚的，我在你的作品中也能感觉到一种自然之力，你会觉得你对生命和自然的敬畏，是畲族人的传统带给你的吗？

雷禺：我觉得我的生活环境对我影响很大，我从小在海边的一个小村子长大，我的外婆是畲族，外公是汉族，但已经没有很明确的民族之分，当然很多畲族的习俗还是有保留下来，在生活场景中出现。我们那儿的人会拜妈祖娘娘、菩萨、关公，也会祭拜祖先，爷爷奶奶那一辈特别重视传统习俗和一些宗教节日，他们会带我参与很多祭祀活动。其实，这些活动融合了儒释道三教的元素，几乎成了一家人共同的信仰。

赵尔东：所以你在学习漆艺的过程中、在山居的生活中，不知不觉将这种“万物有灵论”的情结融入在了创作中，还是你会觉得自然是特别值得去表达的，因为你的作品一直在处理神秘又让人熟悉的自然主题，并不是很张扬外露的，却非常坚毅和强韧，有力量，可以谈谈你对自然和生命的理解吗？你觉得世界上有神吗？

雷禺：毕业以后进入唐老师漆园做助手的经历，让我对自然的体悟变深了，后来自己在山上做漆艺工作室，我开始感受到许多自然物质散发出的力量，这种感觉引发了我的好奇心。我被它们深深吸引，也感觉到它们在向我传递信息，激励我继续探索，去与山上的其他生命建立更深的联系，感觉自己是身处于自然中的众多生命的一员。小时候好像并没有很强烈的感觉到这个世界上是有神灵的，不过现在我觉得在我们之上，还有一个更大的存在，或许那就是神，当然对我来说它并不是一个具体的人形的存在，而是连接生命与生命的一种纽带。

我在山上生活，特别喜欢和当地人交流。之前去拿快递时，我跟快递站的姐姐聊起来，提到我最近得了荨麻疹。她告诉我，山上有一种草药，也长刺，煎了喝，再拿去洗澡，对治疗荨麻疹效果特别好，我查了一下叫杠板归。当天傍晚的时候，我就在山上找到了杠板归，草药长得有点奇特，满是倒刺和小钩子，看起来挺“麻”的，那些刺的形态和我的作品中的刺异曲同工，而它居然能以毒攻毒，帮我缓解身上荨麻疹的痒。

赵尔东：很有趣！你得了荨麻疹，治荨麻疹的草药有刺，又和作品中的刺巧合的相遇了！

雷禺：是啊，这件事让我觉得自己和山、和自然的联系更紧密了，觉得无形中好像就会产生这种联系，快递姐姐一跟我提到这个植物有刺，我就特别兴奋，山里人特别讲究药食同源，比如苦菜，还有葡萄藤、五指毛桃，他们把草药和食材结合起来使用，我觉得非常神奇。

赵尔东：你是从什么时候开始关注当代艺术，去看漆艺之外的作品？可以聊聊对你影响最大的艺术家的作品吗？

雷禺：嗯，我觉得应该是在国美学习的时候，其实老师也有提到说不要太局限于这个材料，应该跨界，然后多看看其他领域的作品，所以从那时候就陆陆续续在关注漆艺领域以外的艺术家做的作品了。对我影响比较大的是Kiki Smith（b.1954），她也是非常关注自然的，植物、动物和人都从属于自然的感觉，她的作品很神秘，艺术家本人的气质跟作品是很一致的，我觉得她的作品非常深邃，是女性艺术家和自然交流的流露。

赵尔东：一方面，我觉得你的作品十分易于感受，因为它们十分直白且充满生命力，就像人们会被一棵树、一朵花的美吸引和打动，但是不会对它们的存在感到疑惑，因为它们的美是纯然的存在，你的作品给人的初见印象亦是如此；另一方面，你的作品像大多数自然的造物一样，虽一目了然，亦暗藏玄机，在美的背后，传递出一种无法名状的情感，我觉得那些是属于艺术的不能说的部分。

雷禺：谢谢，我想或许由于我常年在山里的生活，从自然中逐渐体会到现象背后往往暗藏一些提示。当然，这种敏感不是一开始就有的，而是需要不断练习，慢慢培养出这种意识。所以我的作品并不是单纯追求审美，而是希望能继续深入挖掘其中更深的意义。

艺｜术｜家

Artist

雷禺

1990年生于中国福州

2014年毕业于中国美术学院，获得漆艺专业学士学位，现工作生活于福州。

Lei Yu

Born in 1990 in Fuzhou, China

Received her BFA in Lacquer Art from the China Academy of Art in 2014. She currently lives and works in Fuzhou.

对｜谈｜人

Interviewer

赵尔东

1989 年生于安徽合肥

学士与硕士毕业于中国美术学院漆艺专业

2015 年任教于广州美术学院漆艺专业

现居广州

Zhao Erdong

Born in Hefei, Anhui in 1989

Graduated with a Bachelor's and Master's degree in Lacquer Art from the China Academy of Art

Has been teaching Lacquer Art at the Guangzhou Academy of Fine Arts since 2015

Currently lives in Guangzhou

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对谈｜潜能与潜在

/ 与谈人 /

高江波、黄一山、渣克周、黄海岩、黎欣欣、

许嘉琪、徐云轩、杨雪婷

「对抗与散逸」

高江波

我正式地介绍艺术家们，从左到右分别是：杨雪婷、黎欣欣、许嘉琪、徐云轩、黄海岩。接下来介绍一下嘉宾，渣克周老师以及黄一山老师。

从展览策划的角度分析，我认为在目前的艺术家样本中，看到了一个共同的趋势。苏联电影《战舰波将金号》讲述了沙俄期间海军起义的故事，体现出了一种反现代主义的史诗感与古代战争的史诗感相似，其中出现了一个概念：“敖德萨阶梯”——通过构图来制造威严感。但是我们发现现在有许多事物都是扁平化的，例如欣欣的作品关注到很多日常的，尤其是她内心的一些小动作，与日常的现成品紧密联系，甚至将它们人格化。这让我我想到了电影、文学和动漫中共享的某种心理机制和内容。

除此之外我们还看到了“亚”，我并不认为“亚”是文化，它是一个特别典型或者特别标识性的话题，我认为“亚”的概念可能区别于主流文化，它有自己的生长脉络。你们如何认为？你是否认为当代艺术或者所谓的当代艺术的圈层也在共享这样的话题，还是更加排他地保护自身原始的意识形态和文化逻辑？渣克，请你先聊聊。

渣克周

我认为两者都存在，它既有一种偏右的倾向，也有左的力量在侵蚀它。新自由主义的东西，后现代语境中的微叙事和结构宏大叙事是日益增长的，但是它会在多大程度上削减主流，这个问题很难判断。你刚才提到的内容非常有趣。我在飞机上写了一篇稿件，标题是“没有主流文化的集权化，就没有强韧的亚文化”。亚文化的本质是对抗性，如果没有反抗对象，它就没有力气了。我认为年轻人现在有“亚”的动力也挺好，如果连“亚”的动力都没有，说明连反抗对象都没有，也许生命的动力就没有了。现在很多人躺平，我认为核心问题在于他们不知道要对抗什么。

高江波

刚才渣克提到了一个核心的问题，在如此包容的阶段，当代艺术在宣扬或者标榜自己的开放和接纳度的时候，为何有如此多的年轻艺术家在焦虑和虚无？我们回望克莱因所生活的时代，他们在做“anti-art”的反艺术话题，是具有极强的纲领性和对抗目标的。他们明确知道敌人是谁，对某种权力进行反抗的形式只有一种，即革命。但我认为现在的年轻人仿佛没有革命精神。你们对这一点有何看法？

渣克周

很多人讨厌文化执法，但我的看法与大家不同。我认为文化执法对中国当代艺术有重要影响，这种力量是非常必要的，正如我刚才所说，没有主流的温床，就不可能出现亚文化、小众文化、经营文化或者先锋文化。

就像德勒兹提到的“根茎”，以姜为例子，土壤中的根茎每个节点都能连接到另外一个节点，根茎也需要在主流文化的滋养下生长，否则就是空谈。有时候我认为，我们在艺术界像孤岛，与社会脱节，我们讨论的话题，可能大众不太了解，甚至会询问“你为何讨论这个话题？”。我们已经意识到不得不处在这样的大环境背景下，只有意识到环境的积极和消极影响，才能有机地创作作品。就像鲁滨逊在岛上造船，造了一艘只能在岛上滑行的脚踏船，这是没有意义，因为他无法出海。

高江波

你刚才提到艺术家需要对大环境进行反应和反馈，但是我发现艺术家对大环境的反馈越来越少。艺术家肯定是从某种主流文化或者环境中吸取养分，但是在座的五位艺术家都有“脱日常”的概念，甚至她们是宅的。前段时间比较甚嚣尘上的话题是讲述“葛优躺”的文化现象，认为那是新式犬儒主义，即所谓躺平文化。德勒兹的延长线上韩炳哲讲到另一个话题：所谓的优绩主义，当我们标榜自己更厉害时，就没有人能奴役我们。我发现很多人对自我的异化和鞭策是完全内化于主体性中的，并没有一个大他者影响他，完全是自我的镜像。例如欣欣的创作中也有很多日常类型，完全发生在一个普鲁斯特式的小环境中，它有一点微妙、敏锐和敏感。雪婷的作品更加内化，是她自己心理活动的转化。

我想问问黄老师，您的工作和生活方式被广泛意义上的大环境萦绕。你认为年轻人在自我观察或者反思的角度选择宅和懒惰是大环境认为的道德瑕疵吗？作为一名老师和观察者，您如何理解这种现象？

黄一山

这五位艺术家都是以一种非常自我的方式在进行创作，她们的作品并没有明显地对抗某些东西。我认为这也反映了当下许多年轻创作者的普遍状态。我在美院担任老师时也有这样的感受，在创作过程中，现在的环境给我们感觉没有什么东西可以反驳的，这时就需要艺术家自我内心的挖掘，再创造。实际上，今天的主角是这几位艺术家。我希望引导大家了解年轻人的状态，了解她们的内心以及思考的议题是什么？

「编码」

高江波

大家讨论的话题非常有意思，究竟是否存在可对抗的对象呢？从共性角度分析，例如海岩、嘉琪和欣欣的作品都典型地呈现出对焦虑本身的反馈。可能是没有明确的方法去对抗，或者从单一立场出发，因此导致某种逸散，但我认为它是有机的。海岩，你在创作《怎么办》这件作品时在面临什么问题或情形？

黄海岩/ Huang Haiyan

怎么办/ What Now

2025

布面丙烯/ Acrylic on canvas

100×120cm

黄海岩

那幅画主要想画一个饭局，我认为很多人都有这种饭局的时刻。这源于现实和生活，你在饭桌上无法说出或者命名的感受。大家都认为应该说些什么，但他们真的没有话要说或者还没到时候说，那一刹那的沉默。我认为那个东西非常焦虑和有趣的，因此我将它画下来，来源是一种直觉上的感知。

这幅画的名字叫《怎么办》，车尔尼雪夫斯基有一本书也叫这个名字，我在画的时候想到了，但我也不是说是在画这本书，或者把它当作文本、故事或者原型。我知道他当时面对的是时代的巨大挑战，“怎么办”是他的一种反应，我画的这个怎么办也是一种反应，关于此刻和现在的，从日常中来的，这种瞬间上的“一致”和“一直”我觉得非常的“人类”，就是很“人类”的感觉。“怎么办”既可以是一个宏大的命题，也可以是具体的微小困惑，如何理解，完全取决于观众自己。

高江波

云轩你也在考量一些自己感兴趣的话题，例如巫觋、萨满文化，甚至神秘主义。我注意到你会关注一些虚无的、遥远的神话或者难以触及的远的话题，你是以何种身份对它产生反应？或者以何种契机开始对这类话题产生兴趣的？

徐云轩/ Riley Yunxuan Xu

草园 I/ Grass Garden I

2024

黄草纸、不锈钢、铝合金、胶水、石膏腻子板材

Yellow grass paper, stainless steel, aluminum alloy, plywood, glue, dry wall paste

160×55.2×80.2 cm

徐云轩

可能是我自身的原因，从小接受的教育或者家里的意识形态是非常形而上的状态。我有一个爱好和工作，是占卜师，我可以使用铜钱或生活中的任何一个物品进行占卜，我能够深刻感受到物与我之间的关系。我通过物去看人和物，这种密切的联系如同放射出的一个网，让我与大环境的任何事情都有联系。

我真正开始用创作表达这种感受，是在我本科毕业后参加美国密歇根的一个艺术家驻留项目。驻地的场所位于密歇根的小城市，是当地一位雕塑家的故居。每期驻留只有一位艺术家参与，我到了当地才了解到需要自己一个人在那里度过将近两个月的时间。这个雕塑家的房子从他离世开始就没有任何变化，并且所有陈设都是按照他的喜好设计。在那个空间里我是一个外来者或者他者，我可以与一切非人类活体产生联系。最初我有害怕的感觉，后来我相处之后逐渐发现人与空间的感觉会变得不同。有一个小故事，橡果从树上掉下来敲到房子的门，我原以为是有人在敲门，实际并非如此。我在那边蹲了几天，发现是九月份橡果熟了，掉下来敲门。我之所以一直对巫觋或者萨满文化进行研究，从浅层来说，是泛灵论；从深层来说，是因为我渴望深层的、密切的、离散性的联系。

高江波

我很喜欢尼采在《查拉图斯特拉如是说》中的比喻：骆驼、狮子和孩子，其中孩子象征着被创造力充盈的状态。创造力需要空间，如果我们的身体里装满大人的想法和思绪，创造性空间将被压缩，因此我们需要重新将所有力量投入到让自己放空的事情上。反过来讲，这可能是一种躺平和话题失焦，我们没有对抗性。我捕捉到了这样的现象，不确定是因为年龄增长还是其他原因，我认为这个时代的能量转化会让我笃信一些不可见的事物，我无法直接将其视为某种具象的信仰或者某种类型的命运。许嘉琪应该也是有这样的体验才会开始创作，肯定与云轩不同，也请你分享一些你的经历。

许嘉琪/ Xu Jiaqi

欲望崇拜/ Stupa of Desire Worship

2024

树脂/ Resin

H 52cm，φ 20 cm

5+1 AP

许嘉琪

我从不认为神秘学与理智、科学处于对立面。在我看来，所有事物的本质是相通的，只是理解的角度不同。比如佛教中的“因果”，本质上也是一种逻辑——它从一个前提出发，推演出相应的结果。你完成一件事，就会带来某种后果，这本身就是一种逻辑过程。我认为数学家其实也是艺术家，他们所构建的公式，正是这个世界运行的基本框架。最近我在关注一些与命运相关的议题，本质上，一切都只是在捕捉我们存在的痕迹，就像“阿卡西阅读”一样。

高江波

嘉琪提到的概念与荣格所说的“集体潜意识”很接近。他假设在一些先验知识中，如果我们遵循达尔文的进化论逻辑，那么我们也承载着先祖、依靠基因里的经验才能生活在当下。人类刚出生就可以哭泣，甚至可以通过嗅觉和触觉找到灵感。我认为直觉在某种意义上是宇宙法则的正确性在发挥作用。我认为这里面还有一些后验或者经验，出生时所谓的自我实际上是一个空白的自我，在成长过程中，我们会逐渐接触父母的经验、环境的影响以及自我选择和意志。由此想问问雪婷，你的这一系列与自我以及身体对话密切相关的作品，是基于怎样的经验或契机展开的？

杨雪婷/ Yang Xueting

扎起来的头发/ Tied up Hair

2021

布面油画/ Oil on canvas

150×100cm

杨雪婷

虽然我呈现出的是一种不对抗的、自我内省的状态，但实际上，是因为我想要对抗的东西太过庞大。只能将这种无力感转化为对独立性很强，大家都在个人的状态里，不像过去几十年，有群体性的革命。我并不认为当下的人们缺乏对抗性，只是往往难以找到解决的方法。我正是从“他者”的视角出发，通过对细微事物的观察和分析，尝试做出自己的回应。

高江波

我最近阅读了几篇心理学论文，提到“人类现在为什么一直在战争”。从精神分析的角度看，对抗性其实也属于一种本能。我认为所有社会文明都存在有意识的竞争，比如斯巴达人所崇尚的“成为同类中的强者”，本质上也是一种社会达尔文主义。目前我们需要对抗的，正如你所说“非常无力”。我认为这与身份有关，论文中也提到我们现在的身份被复杂化，比如在过去木匠可以作为生涯思考，而如今木匠只能是我们的兴趣爱好。当时的木匠只需要对抗如何让手更稳，而现在的年轻的艺术家要对抗的更多，除了一些家庭伦理上的规训，还要面对社会上的结构性阻碍。与你回到自身寻找解决路径的方式不同，虽然你和欣欣是研究生同学，她的表达却与你截然相反。我认为她也存在内化的问题。想问问欣欣，你是在怎样的契机下开始创作的？

黎欣欣/ Li Xinxin

麻木的遗迹/ Numbed Relics

2025

布面丙烯/ Acrylic on canvas

180×150cm

黎欣欣

我认为创作会帮助我排解很多问题，我作品中的情绪比较复杂，呈现的综合面貌也非常复杂，因此我难以详细说明。例如《麻木的遗迹》，交杂了许多思绪，因此我留下了许多涂抹和涂改的痕迹，它被覆盖之后呈现出的效果比我最初的出发点更好。最新的《浮标》系列与之前的二次元系列不同，我曾经更喜欢二次元带来的可爱的感觉，但是目前更想要提炼更加复杂的表达，以展现我自己纠结的性格，就像《暴走漫画》中更接近坏画的呈现。

高江波

大家在日常对话中越来越关注命运相关的话题，例如水逆、低谷或“更好的时代即将到来”这类说法，本质上，我们已经关切到命运的决定论和宿命论的角度。这个话题在整个社会层面一直被探讨和重提，你们如何看待这个话题？渣克认为这个东西与创造力之间有联系吗？

渣克周

肯定有相关的因素，例如有些人天生就适合从事艺术工作，有些人天生就不适合，并非每个人都是艺术家。想象力丰富、脑回路灵活、表达欲强以及对时代的敏感度较高的人更适合做艺术家。这背后关乎天时、地利、人和，一切都如蝴蝶效应般层层影响我们的选择，有时甚至超出个人意志。创造力与这些因素有关，但并非绝对。人最可贵的是拥有改变环境与命运的能力，不会轻易被外在条件所限制或羞辱。无论是艺术家还是其他创作者，只要主动发挥自身能动性，往往能展现出更好的状态。刚才雪婷提到的她在“对抗更大的东西”，在我的理解里每个人都在“对抗更大的东西”，最大的问题是死亡，所有人一生中焦虑的根源只有死亡。

高江波

我本科修的是美学，当时的老师非常“右”，秉持古典主义美学逻辑。日本人经常提到“美意识”，它潜藏于每个人的内在。当观众观看画作时，其实是在调用自身内在的“美意识”。这种判断是先验的，没有人能告诉你什么是美，这也正是当代艺术包容性。由此我想引出一个关于反抗和潜能的话题，黄老师作为画廊主以及教授艺术的老师，您认为我们应如何开发自身的潜能？这件事是否存在某种标准或方法？

黄一山

现在许多艺术家们的创作都回到了相对自我的状态，大家也更关注这种类型的作品，这也证明现在的大环境能够让大家拥有更加真切地表达自我的权利。五位艺术家每个人关注的议题都不一样，与神秘学相关，与自身相关，与身份相关。我认为她们在目前这个阶段最重要的是找到支撑她们萌芽的一个点。例如雪婷在对抗更大的挑战，作为女性在潮汕的传统文化中的身份焦虑，包含着不甘或者不满的一种情绪。雪婷的画看起来可能很平静，但我认为她的画面具有很强的对抗感，只是采用了一种相对平静的方法来表达。

我认为艺术家作为一个灵性的个体，他们的工作是解码，利用这些物质或画面来完成一种所谓真相的揭露。真相并非是绝对的，只是通过艺术家个人观察世界的不同角度，进行再编码从而实现的艺术传达。为什么观众看到一些作品时会有感触？因为观众在阅读艺术家提供的编码时，与他同频了。艺术工作的价值往往体现在这一过程中，绘画技巧只是艺术家的工具，真正的复杂与趣味在于如何组织这些思维与表达活动。接下来我们将探讨她们的艺术生涯路径：艺术家应如何通过“揭露真相”与社会建立联系？我认为这对年轻艺术家尤为困难——尽管当下的社会更为自由、充满可能，但如何选择最有效的路径，仍是一个难以判断的命题。

「力比多」

高江波

我想分享一个观点：如今很多重要的艺术家不再仅仅将自己定义为“艺术家”。艺术只是他们的身份之一，比如嘉琪也在做产品设计、服装制作等副业。过去我们常推崇一生专注一件事，并视之为职业生涯的典范。但在今天，速度和时空观念都已重构，“艺术家”只是众多角色之一，创造力的释放远不限于这一身份。她们所做的，早已超出职业或身份的范畴。我想问问渣克：像嘉琪这样创造力溢出至多领域的艺术家，作为画廊主，你会选择与她合作吗？

渣克周

我认为这是一件非常好的事情，这代表她的“力比多”足够。如果“力比多”已经在艺术领域耗尽了，这属于江郎才尽的情况。很多艺术家在一种模式中将自己消耗殆尽，再也没有能力用多维视角看待这个世界。通过多个媒介、渠道和多种多样的信息进入身体，将自己的身体作为一个有机的转化机制。我曾经提到过“艺术拉屎论”，我认为艺术与拉屎相似，你拉不出来的原因只有三点，一是吃得不够好，二是酝酿时间不足够久，三是环境太差。我认为艺术家应该以多维且开放的态度，欢迎各种信息进入自己的处理器中，它自然而然地就能产出许多具有生命力的东西。如果到2025年还要求一个画家只画画，我认为实在可悲，就应该让年轻艺术家以最自然的方式参与艺术生产。

高江波

我想问在座的每一位艺术家，你们在艺术家身份的创作路径上是否考虑过其他事情或者已经在做其他事情？海岩，你在成为艺术家之前或者面对艺术家职业化问题之前有没有考虑过做其他事情？我知道你本科是读文学，当时你的想法也是通过这个路径去创作与文学相关的作品吗？

黄海岩

我认为没有。我觉得我以后肯定会写作，但这两个身份是分开的。我也尚未积累到那个程度，所以等我准备好才了会开始。

徐云轩

两年前我考虑过进行东亚研究或者人类学方面的研究，也考虑更换专业。但是我后来认为这并不冲突，因为两者只是产出形式不同，我在进行相同的研究，只是目前主要是艺术产出，而那种属于更书面的学术产出。

高江波

所以其实你现在已经有物质化结果的艺术工作，实际上也是你田野研究的一部分，它生成了另一种入口或者出口。你在美国时是否观察到周遭年轻人的工作方式和形态？他们也有兼职吗，或者他们也会从事许多不同类型的工作吗？

徐云轩

没错，实际上在大约2023年到2024年初左右，我在美国时也有大量的行走或者田野的一些活动，更偏研究型，但没有成果性的图片。现在我的作品发展到这个程度，是一个过程导向的呈现，其实结果已经不重要了。

其实有很多同龄人完全不介意自己通过什么方式谋生，我有的同学在端盘子或者做纹身师，甚至做脱衣舞娘也很正常，艺术家是他们的身份，但其他身份可能会让他们更多元。

高江波

嘉琪要不要发布你的工作？

许嘉琪

最近我们正在开发艺术家周边平台。第一季将与我联名，之后会与身边的艺术家朋友或全球艺术家联名，做一些生活方式、首饰、衣服等周边产品。这只是我这个阶段在做的事情，之后肯定还会发生变化，我对哲学建筑也很感兴趣，以后还想再去学习哲学方面的专业。

杨雪婷

我并不认为自己是艺术家，我觉得自己只是画画的。我认为画画之外的任何事情都可以做，画画是我从小包括以后一直会做的事情，已经成为了我的日常，并不会与它断联，因此我也不会以艺术家的身份去界定自己。

黎欣欣

我认同海岩的观点，我之前有在画小漫画，但是创作油画之后精力不够，就暂时没画了，我未来想要画漫画，虽然还没有准备好，但我一直有需要构思的东西。我一直有想要成为编剧的想法，但是拍摄视频会耗费更多时间和精力，我认为选择漫画更加方便实现。我并不擅长与人交往，希望是可以独自完成的故事。

高江波

刚才她们分享了自己其他的身份，以及对艺术家是否应该“职业化”的看法。我认为她们说得非常对，在这个时代，年轻人更应该“去身份化”和“去职业化”。无论是否被认定为职业艺术家，每个人都应当有权利用饱满的情绪去展现自己的创造，这是一种非常可贵的特质。

渣克周

你所提到的偏见，核心问题在于利益。很多人会质疑艺术家“不务正业”，不专心画画，这是一种简单而真实的评判。在我看来，低维看能力，高维看能量。不要过于关注这个“相”，它过于短浅，短期或许能看出结果，但不代表具备长期成就。我认为人一生中在一两个领域中小有所成，就已经非常出色了。

黄一山

我认为年轻人很好，她们在吸收不同领域的文化。目前这个年龄属于她们最黄金的时期，这时候会为以后积攒非常好的创作基础。随着年龄的增长，释放会比吸收更重要，总结比发现更重要。目前是吸收的好时机，她们尚未完全定性。有些艺术家一生只做一件事，比如那位一生都在画半杯水的国外艺术家，随着光线与环境的变化，不断挖掘同一主题的深度，这就像一辈子只挖一口井。也有些艺术家涉猎广泛，尝试各种形式，这与个人的性格或内在能量有关。两种方式都非常宝贵。但无论如何，艺术家最终要面对的都是选择，选择自己究竟要走哪一条路。

高江波

我之前读苏世民的《我的经验与教训》，他是黑石集团的老板，他在书中提到了一个非常棒的概念：当我完成一件事情非常困难时，它一定不是创造。如果处理一件事情上非常费心，并且重复工作，这是一种“工”，而非灵光之物。黄老师刚才也分享了“能量”，每个人在自己对的能量场里的时候做的事情都正确；渣克也提到了只要状态匹配，它可以穷尽广度。我认为现在的任何人，无论是男人、女人，年轻人还是老人，我们都需要面对自己的灵光和创造力。一个展览很难探讨完这个框架内存的在所有问题，但我觉得我们带来了五个样本。从我的研究和工作角度来看，我认为这是具有启发性的样本，希望是可以给在座的同行、老师以及一些藏家朋友带来启发：年轻人的创造力是通过不同形式表达的。

对谈嘉宾 | Guests

高江波 | Gao Jiangbo

“剪刀、纺锤与纺线”项目策展人、艺术撰稿人。

毕业于武藏野美术大学。目前生活工作于东京和深圳。

黄一山 | Huang Yishan

1983年出生于广东汕头，2009年毕业于广州美术学院油画系研究生班，现为广州美术学院绘画艺术学院油画系讲师。黄一山长期运用独特的思维进行架上艺术的探索，其精细的画面语言中，蕴含着丰富、理性的逻辑关系。举办个展包括：”室内的标点“（北京，松美术馆，2025）、”TOY STORY“（北京，新氧艺O2art，2023）、“黄一山”（北京，唐人当代艺术中心，2019）、“干涉——黄一山个展”（广州，广东美术馆，2019）、“mini-Q——黄一山2018个人项目”（北京，新氧艺O2art，2018）、“维摹变”（香港，当代唐人艺术中心，2017）、 “蓝天”（广州，扉艺廊，2015）、“非格物——形而下的空间叙事”（北京，新氧艺O2art，2013）。作品多次参加展览并收藏于广东美术馆、澳大利亚白兔美术馆、何香凝美术馆、湖北美术馆、南京艺术学院美术馆等。

渣克周 | Zachariah Zhou

本科毕业于纽约帕森斯设计学院战略性设计与管理专业，硕士毕业于伦敦中央圣马丁当代摄影实践与哲学专业。曾在国内外发起并策划多起观念性电子音乐活动及实验性展览，并为多家伦敦替代空间长期撰稿。2019年在伦敦泰特现代美术馆主动举办个展，且作品被永久馆藏。2020年创立拟像SIMULACRA，画廊代理二十余位本土及国际艺术家，并与欧洲、美国和英国的主流画廊和艺术机构保持长期人才输送及学术交流的合作关系，通过当代艺术挖掘中国与世界各国更深层的对话。2022年起活跃于各大主流短视频平台，科普当代艺术与商业理论，现全网近10万艺术垂类粉丝。

黄海岩 | Huang Haiyan

1993年生于河南省洛阳市，2016年毕业于西南大学文学院，获学士学位，2021年毕业于广州美术学院版画系，获硕士学位，现生活和工作于河南洛阳。

个展经历：“还没到特别危险的地步”，原型画廊（洛阳，2025）；“中原客厅”，一起面廊（合肥，2024）。

群展经历：“剪刀、纺锤与纺线”，美成空间（深圳，2025）；“好朋友计划2025”，PETITREE ART（深圳，2025）；“飞纸仔II”, Tabula Rasa画廊&广州画廊（北京,2024）；“飞纸仔”，广州画廊（广州,2024）；“阈值空间”，纳特空间（南京,2024）;“换句话说”，原型画廊（洛阳,2023）；“在动物园散步才是正经事”，可以画廊（合肥,2023)；“折叠•覆盖”，鸿坤美术馆（北京，2022）；“拾穗者• 艺术家博览会”，幻艺术中心（北京，2022）。

Huang Haiyan, born in 1993 in Luoyang, Henan. Graduated from the Faculty of Arts of Southwest University in 2016 with a bachelor’s degree, and Master's Degree from the Printmaking Department of the Guangzhou Academy of Fine Arts in 2021. Currently works and lives in Luoyang, Henan.

Her recently solo exhibition include: “NOT VERY DANGEROUS YET”, PROTOTYPE, (Luoyang, 2025); “Zhongyuan living room”, Together Gallery (Hefei, 2024).

The group exhibition she participated in：“Scissors, Spindle and Thread”, Gallery MC (Shenzhen, 2025); ”Puppy Plan 2025”, PETITREE ART (Shenzhen, 2025); "Scripts on the Fly Ⅱ", Tabula Rasa&Canton Gallery (Beijing, 2024); "Scripts on the Fly", Canton Gallery (Guangzhou, 2024); "Threshold space", NAT SPACE (Nanjing, 2024); "In other words", PROTOTYPE GALLERY (Henan, 2023); "Walking in The Zoo is The Most Serious Thing", Keyi Gallery (Hefei, 2023); "Folding Covering", Hongkun Museum of Fine Art (Beijing, 2022); "Gleaner Artist Fair", Dreamland Art Center (Beijing, 2022); "Da Vinci Dialogues The 2nd Overseas Cultural Exchange Art Exhibition for Chinese University Students", Aotea Center (New Zealand, 2021).

黎欣欣 | Li Xinxin

2000年生于广州，2022年本科毕业于广州美术学院油画系二工，现就读于广州美术学院攻读美术学硕士学位，2024年参与法国阿维尼翁美院工作坊项目，现工作、生活于广州。

她近年来的展览经历：“剪刀、纺锤与纺线”，美成空间（深圳，2025）；“广州美术学院研究生毕业展”，广州美术学院昌岗校区美术馆（广州，2025）； “广州魔灯院当代艺术博览会”，南丰展览中心（广州，2025）； “ART021上海廿一当代艺术博览会”，上海展览中心（上海，2024）； “交织的命运”，广州美术学院昌岗设计楼（广州，2024）； “Passe Muraille Église”，des Célestins（法国阿维尼翁，2024）； “Project Z全流程备份”，棠美术馆褶空间（东莞，2024）； “田野日记”，新氧艺空间（北京，2024）； “绘画艺术学院首届年展”，广州美术学院美术馆（广州，2024）； “多元共生的谱系——广东当代油画艺术专题展”，广州美术学院美术馆（广州，2023）； “广东第八届当代油画艺术展”，二十一空间美术馆（东莞，2023）； “广州美术学院本科毕业展”，广州美术学院美术馆（广州，2022）。

Xinxin Li, Born in Guangzhou, China, February 2000. Graduated with a BFA in Oil Painting (Studio ll) from Guangzhou Academy of Fine Arts in 2022. Received MFA from Guangzhou Academy of Fine Arts in 2025. Participated in the workshop program at École d'Art d'Avignon, France (2024). Currently works and lives in Guangzhou.

Her recently exhibition include: “Scissors, Spindle and Thread”, Gallery MC (Shenzhen, 2025); ”Graduation Exhibition of Guangzhou Academy of Fine Arts”, GAFA Art Museum (Guangzhou,2025); “Guangzhou MODERN Art Fair”, Guangzhou Exhibition Center (Guangzhou,2025); “ART021 Shanghai Contemporary Art Fair”, Shanghai Exhibition Center (Shanghai, 2024); “Corss Destinies”, Changgang Design Building 301,GAFA (Guangzhou, 2024); “Passe Muraille Église”, des Célestins (Avignon, France, 2024);“Project Z Full-Process Backup”, Tang Art Museum (Dongguan, 2024); “Field Diary”, O2art Space (Beijing, 2024); “First Annual Exhibition of the School of Painting Arts”, Guangzhou Academy of Fine Arts Art Museum (Guangzhou, 2024); ”Spectrum of Coexisting Diversity – Guangdong Contemporary Oil Painting Art Exhibition“, Guangzhou Academy of Fine Arts Art Museum (Guangzhou, 2023); “The 8th Guangdong Contemporary Oil Painting Art Exhibition”, 21 Space Art Museum (Dongguan, 2023); “Graduation Exhibition of Guangzhou Academy of Fine Arts (Bachelor's Degree),” Guangzhou Academy of Fine Arts Art Museum (Guangzhou, 2022).

许嘉琪 | Xu Jiaqi

1994年出生于杭州，2017年毕业于浙江传媒大学摄影专业学士学位，日本武蔵野美术大学映像科研究生，2022年驻留于德国莱比锡PILOTENKUECHE。

近期个展：”许嘉琪个展“，PIN Gallery（北京，2024）； ”元祖来电“，ABI Space（杭州，2023）。

Her recently solo exhibition include: “Xu Jiaqi”, Pin Gallery (Beijing, 2024); “Ancestors Call” ABl Space, (Hangzhou, 2023).

徐云轩 | Xu Yunxuan

2000年生于南京，2023年本科毕业于芝加哥艺术学院, 现就读于加州大学河滨分校攻读硕士学位，现工作、生活于芝加哥和上海。

近期展览经历：“剪刀、纺锤与纺线”，美成空间（深圳，2025）；双个展“悬而未决”，DOSE画廊（上海，2025）；双个展“游戏档案”，SOOFA（上海，2025）； “还亚计划”，经纬艺术中心（上海，2025）； “Figure”，CICA博物馆（京畿道，韩国，2024）；“BFA毕业展”，SAIC画廊（芝加哥, 美国，2023）； “SERENITY”，The Holy Art Gallery（伦敦, 英国，2023）；Novi Civic Center Gallery Novi（密歇根州, 美国，2023）； ”A Garden, A Hole“, 2850 N Pulaski（芝加哥, 美国，2021）。

Yunxuan Xu, born in 2000; Nanjing, China. BFA, School of the Art Institute of Chicago, 2023; MFA, University of California, Riverside, 2027. Based in Chicago and Shanghai.

Her recently exhibition include: “Scissors, Spindle and Thread”, Gallery MC (Shenzhen, 2025); “Duo exhibition: In Limbo”, DOSE Gallery (Shanghai, 2025); ”Duo exhibition: The Game Archive“, SOOFA (Shanghai, 2025); ”RE-ASIAN”, longlati (Shanghai, 2025); “Figure”, CICA Museum (Gimpo, Korea, 2024); “BFA Graduation Exhibition”, SAIC Gallery (Chicago, US, 2023); “SERENITY”, The Holy Art Gallery (London, UK, 2023); Novi Civic Center Gallery Novi (Michigan, US, 2023); “A Garden, A Hole”, 2850 N Pulaski (Chicago, US, 2021).

杨雪婷 | Yang Xueting

1998年生于广东潮州，2021年本科毕业于广州美术学院，2025年硕士毕业于广州美术学院，现生活和工作于广州。

展览经历：“剪刀、纺锤与纺线”，美成空间（深圳，2025）；双个展“自我的形状”，三生艺术（广州，2024）；”罗浮宫龙年当代艺术展览“，（佛山，2024）；”首届绘画艺术学院年展“ （广州，2024）； ”Disegno&美丽的公式——GAFA油画系国际化课程工作坊展览“ （广州，2023）； ”广东第八届当代油画展“ （东莞，2023）； ”剧本进“画”论“ （佛山，2023）； ”生态·人与自然共栖——全国高等艺术院校当代艺术邀请展“ （上海，2023）； ”广州设计周x广州当代艺严选“ （广州，2022）； ”

NKA人必看：吃透头部连锁黄金洞察，建不可替代共赢力

随着中国医药流通市场规模突破2万亿元，并预计在2025年实现8%-10%的复合增长率，头部连锁药店不仅规模日益壮大，其内部管理体系和业务运营体系也日趋复杂。

面对数字化转型、电商渠道占比提升以及政策环境变化带来的挑战，如何有效利用大数据与AI技术进行营销创新，成为医药零售企业亟待解决的问题。线下零售药店面临从“卖药思维”向“以顾客为中心的健康管理服务”转型。工业企业作为供应商如何帮助客户实现战略转型，成为客户的“解决方案提供商”和“品类发展的领航员”

本课程旨在为NKA客户经理提供系统化的技能培训，助力其在激烈的市场竞争中脱颖而出。

【课程获益】

市场洞察：洞察和分析行业趋势及市场信息整理，挖掘市场机会-WHY

财报洞察：通过NKA客户财务报表分析洞察行业领先的变化和趋势-WHAT
需求洞察：NKA客户需求洞察，挖掘每家客户的合作机会-WHAT
产品洞察：产品定位及SWOT分析，洞察和挖掘产品与客户的合作机会点-WHAT
策略制定：制定符合工商共赢的销售发展策略-HOW
行动计划：制定符合共赢的可落地的行动计划-HOW
客户管理：做好区域分子公司和总部的业务管理，
团队协同：区域与总部内外部人员的协调与管理，确保总部策略有效落地执行

【课程大纲】

模块1 NKA客户管理（NKA customer management）

NKA经理和省公司销售团队的责权利分工
总部与业务区域分子公司的管理与协同
NKA经理和省公司业务团队的配合和落地执行

模块2 市场机会洞察(Opportunity Insight)

医药零售市场环境和现状分析
医药零售市场面对的机会和挑战
零售大客户现状及机会

模块3 财报洞察（Financial report insights）

客户的业绩达成和财务数据
NKA客户对于行业发展及趋势的判断
NKA客户的主要经营策略的发展方向有哪些变化？
影响客户业绩达成的关键要素有哪些？

模块4 需求洞察(Requirement insight )

客户需求管理的重要性
客户的首要需求、次要需求和策略性需求的洞察
制定满足客户策略性需求的营销策略

模块5 产品定位及机会洞察(S.W.O.T)

通过内部评估产品的优势与劣势
通过外部信息评估产品的机会与威胁
客户角度进行SWOT分析并制定应对策略
对输出策略进行优先排序，制定客户合作的优先策略

模块6 双赢业务计划（Win-win business plan）

客户业务计划制定
SWOT分析
制定符合业务发展机会的目标
策略和计划制定
客户活动计划的量化分析
财务综合收益分析
客户计划转化（JBP制定流程）
客户业务回顾
未来机会分析
制定客户合作目标
业务发展策略制定
客户的财务收益

【课程目标】

引导学员掌握NKA客户合作计划制定与客户管理：

掌握洞察客户合作机会与应对策略的方法论
掌握针对NKA制定客户年度业绩增长的双赢业务计划（JBP）
掌握NKA总部与区域管理的方法，确保总部策略顺利落地执行
内外部人员协同发展，确保业绩稳健增长

【课程亮点】

实战导向：由拥有30年零售行业经验的OTC实战营销专家亲自授课，结合实际案例讲解理论知识

创新驱动：线上营销，大数据、人工智能等前沿技术推动医药零售行业的转型升级

全面覆盖：涵盖从市场洞察到客户管理的全方位内容，帮助学员构建完整的知识体系。

互动式教学：采用理论讲解、案例分享与学员演练相结合的教学模式，确保每位学员都能充分参与并学以致用

期待与你一起在医药零售赛道精准发力、共赢向上！

做好这7步！你也能写出专业的健康科普文

展评｜姚浩：异化之躯与自然之序

异化之躯与自然之序

——姚浩绘画中的身体图式与精神逃逸

—— 刘芳

梅洛庞蒂认为“身体图式”是一种前反思的“意识觉知”，它使身体在特定情境中自动导向某一任务的完成。既表现为实现意图的具体身体姿态，也是身体在世存在的证明方式，反映出人与世界之间的嵌合关系。马克·汉森的“身体技术性”源于身体作为一个开放的技术系统，不断接纳现实与潜在的劳动形式。因此，身体图式作为原初的技术生成机制，既意味着身体通过习得技能与习惯实现与技术的融合，也表现为身体与技术劳动合二为一的体现状态。在现代机器化大生产中，人逐渐从主体沦为客体，身体从技术的使用者，转变为技术系统的一部分，身体的进化也从“自然选择”模式变为“人工选择”模式。这不仅是身体的工具化，甚至自我也将身体的工具化视为一种“人力资源”。它必须适应外部技术环境的要求，不断追逐新的生产模式，将机械的运行逻辑内化，使身体姿态、习惯与外在运作模式相统一，形成新的、适应技术秩序的身体图式。

姚浩劳动者1 2025 纸本水墨 179×386cm

姚浩的新作《劳动者》和《搬重物的人》系列中，人物的面孔被忽略，个体特征被抹平，具体身份被去除，成为群像或群体中的个体。而群像的集体特征是以搬拾重物为场景，这个场景又脱离开具体语境，在无限循环的劳作中，躬身负重的姿态被强化抽离，劳作中的人并非我们一般认知中的健硕有力，而是身体纤长瘦弱，头身比例失衡，只有弯曲的身体在黑白墨色的挤压下强烈刺目，粗砺的线条，简洁克制的造型和笔墨，与细弱的身体形象形成反差。强大与脆弱，无奈且无谓，徒劳又无力，循环演变为一场荒诞戏剧。艺术家以此身体动作隐喻当下内卷社会中人的异化：机械重复的劳动对生命力的消磨从未改变，从田间土地的“躬身”到城市混凝土中的负重，再到今天算法制度下的倦怠，劳动异化只是更换了场景与形式，身体的工具化从未终结。正如海德格尔“存在的被抛性”投射到劳动者的生存困境，无论生产力如何变革，生命始终在“站立奋斗”与“坐下喘息”的钟摆运动中，逼近西西弗斯式的荒诞本质。

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姚浩搬石头的人5 2025 纸本水墨 139×96cm

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姚浩搬石头的人1 2025 纸本水墨 115.5×90cm

技术统治时代，人已从技术主体沦为技术系统的奴仆，看似与机器越来越紧密，但“肉身”却与世界越来越分离。每个人都被抽象化，同质化为技术系统中的一环，人的生命本身在技术加速中已被信息化和数字化，失去本真状态，卷入“后人类危机”。姚浩的作品以一种冷静而悲悯的视角，重新审视了劳动者的身体，那些躬身弯腰、循环往复的动作，正如艺术家自己所言“画了这么多幅其实只是在画那一幅（指《劳动者》群像）”，因此可以理解为单个人的画面也是大幅群像中的每个个体，即我们被遮蔽于群体之中。艺术家不断地描绘劳动群体的身体姿态，群像既是技术劳动环节中的每一个人也是同一个人。无限重复的“躬身”图式犹如无数朝向大地的问号，成为艺术家代言劳动者的“躬身之问”。这即是个体确证存在的无奈之举，也是对困境中徒劳无力的荒诞反讽。今天的劳动者在自我驱动的循环中异化为“功绩主体”，甚至在绩效达成中获得虚幻的成就感，在失控与被控中进入一种“新宿命”。由此，姚浩的绘画已经完全去除了以往的浪漫化叙事，并经由切身感受投射向公共性问题的关注和观念性思考。绘画语言自然也从以往的具象表现方式向承载普遍性问题的抽象形式过渡。

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姚浩搬重物的人2 2025 木板丙烯 40×40cm

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姚浩搬重物的人4 2025 木板丙烯 40×40cm

如何“解蔽”技术时代的精神危机？如何在异化中守护人性的余烬？当身体图式展现劳动异化之时，姚浩又同时转向了对植物世界和自然秩序的关注。植物系列作品则通过对蜀葵这一寻常之物、记忆之物的反复描绘，寻找最源初的切身感知。梅洛庞蒂的身体现象学指出身体具有双重感知的可逆性，它穿梭于主客体之间，既主动地与世界打交道，又通过“觉知”将自身置于世界的特定关系网络中。艺术家在“植物系列”中所呈现的，正是这样一种“肉身”的观看方式，通过主体主动的意向性观看，还原出客体物的本然状态。在此，“肉身”超越了主客二分的传统框架，从而弥合了技术理性所造成的身心分离状态。朴素的“寻常之物”一直是艺术家的描绘对象和表现意境，也是艺术家能在最通常的劳作之中敏感到身体意象的选择原由。而不被关注和未被意义固化的蜀葵则意味着更多自由想象的空间。作品《幽语》系列既呈现出对物性本身的尊重，又赋予蜀葵这一最不具市场价值和未被定义的花卉以神性，为蜀葵造像，为自由造像。而作品《变奏》则生成一个完全超越植物自身的世界，似乎是艺术家企图忘却自我，探入微观世界的尝试。在《裂隙02》与《自然秩序01》中，植株的生长次序，花与叶的遮挡，以及光与隙产生的空间关系又成为艺术家捕捉自然秩序的切入口，此时植物本身的造型已不再重要，而物与物之间新的关系则成为描绘主体，这个关系是动态的而非固化的，所有关于物的自性在此显现，物之为物，如其所是，蜀葵在失序的时空中绽放自身。植物的世界显然是艺术家为自己打造的一个“逃逸”之地，让不被看见的被看见，让不被听见的被听见，像植物一样生长，像水一样渗透，像光一样变幻，找到系统的裂隙，在其中流动、创造，开辟新的路径。并在自然秩序的抽象凝望中以静止对抗加速，获得片刻沉思，使身体主体性在劳动异化中遭到破坏后得到精神性补偿。

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姚浩劳动者2 2025 纸本水墨 179×290cm

因此，如果说《劳动者》和《搬起重物的人》系列中的造型手法和笔墨方式还是基于具象表现，那么植物系列的绘画语言则是基于感受性的抽象，而非仅形式化的抽象，如《窗外的树叶》两幅小画则是艺术家对图形本身的推演，再推演下去将是纯粹的视觉形式，只剩下构成与装饰，而艺术家显然意识到这一点，敏锐地转向了感知抽象。并在《裂隙》和《自然秩序》、《变奏》系列逐步把对蜀葵的具身视觉感知和情感记忆抽离出来加以强化，至此，抽象中的主体性得以显现，但又与现实保持着关联。这种抽象方式既脱离了具体叙事语境，也不同于一般表现性抽象，更区别于传统水墨意象，而是在理知范畴内以主观感知重构了客观物象，是一种从自然生命中汲取灵感，并将其提炼为一种非具象的、充满生命感和生长感的“有机抽象”。它拒绝冰冷机械的构成方式，拥抱神秘的几何学与生命的不确知，通过对植物形态的抽取和重构，传达艺术家对生命本源、内在情感和自然奥秘的探究。

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姚浩幽语4 2025 纸本水墨 107×68cm

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姚浩裂隙2 2025 纸本水墨145×111cm

姚浩在同一时期交替进行人与物的创作方式，首先尊重了自己肉身于世的真切感受和立体观看，也是在主客交互之间显现本真之态的不同面向。创作者企图用这种方式把躬身徒劳，灵肉分离的身体图式嵌回源初世界之中。姚浩的新作不仅在不同题材间横跳，也在不同媒介之间进行尝试。例如以木板丙烯可覆盖修改的方式来对应宣纸水墨的多层叠加，硬性材料上笔触的清晰明确也反应给了宣纸上笔墨的肯定自若，新作品中的水墨方式几乎摒弃了软笔在宣纸上的浓淡干湿，氤氲渗化，代之以枯涩皴擦和重墨积染，弱化灰色色域，强化黑白对比的尖锐和力量感。艺术家在两种材料的不同物性之间获得新的启发，突破了笔墨的惯性，绘画语言也因此发生了深度转向，以实验更多水墨的可能性。其实，关于水墨自身的问题无需再多言，承载了太多传统基因和文化问题的水墨在今天如何表现和发展，姚浩的作品已经包含了其中的答案：就是要面对新问题、真问题，放下老问题，我们应该探讨每个艺术家个体如何面对他的艺术真理性问题，而非再纠结“姓东姓西”这一类的的二元化问题。今天的水墨艺术需要双重性反思，即艺术本体的自为存在，以及艺术与社会之间的关系。阿多诺所谓现代艺术的自律性和社会性张力即是说艺术的双重本质总是处于相互冲突又依赖之中。直面当下和人生有限性，尊重切身感受，并不断重塑新生，才能探索这个媒介本身更多的可能性，可能性则来自于艺术家的观念表达和媒介语言的实验。

640 (8).jpg 姚浩自然秩序01 2023 木板丙烯 40×40cm

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姚浩变奏 2025 木板丙烯 90×70cm

在姚浩的艺术中，也贯穿着这样一种双重性的创造意志。他以笔墨构建起一个介于肉身负重与自然秩序之间的视觉系统，既不回避人在技术社会中的异化现实，也不放弃在艺术形式中寻求精神性的超越与回归。这种既忠于现实感受，又致力于艺术重构的尝试，正是创造意志的体现。它们在此构成一种深刻的辩证关系，在直接揭示出现代技术社会中对身体的规训与异化的同时，又在精神层面重建主体与自然的内在联结，从而实现对技术理性的超越与“逃逸”。这两种手法并非彼此排斥，而是共同构成艺术家对当代生存境遇的双重回应，一方面毫不回避地凝视现实困境，另一方面又以感知抽象和形式提炼的“自然之序”，开辟出一个可供沉思的精神栖居之地。正是在这种辩证方式的创作实践中，姚浩实现了对水墨媒介的当代性转化，也使他的艺术同时葆有社会批判的介入意识和向内超越的精神维度。