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物我

——仝紫云

2009 年的酷暑，在杭州郊区出租屋的闷热洗手间里，大三的暑假，连续两个多月，我用严苛的目光长久地自我审视，用每天远超八小时的工作量，一遍遍在油画布上涂抹，反复构建再推翻重来，直到油画颜料填平粗粝的画布，像镜面一样，我完成了《浴室》这幅画。

仝紫云《浴室》120×80cm布面油画2009年7-9月创作

仝紫云《审视1》120×80cm布面油画2009年10月创作

随后在大四开学后立即画了《审视》。镜子，静物，自画像，室内场景等元素开始在我的作品中出现。这幅画出奇的顺畅，两周多就完成了，其实当时我是有点懵的，但我隐约意识到，我终于会独立创作了。这两幅画在当时获一致好评，自此开启了我的创作之路。

仝紫云《有你有我》200×120cm 布面油画2010年1-5月

仝紫云《室内的风景和窗外的风景》200×200cm布面油画2010年7-10月创作

这一系列的创作，在随后的几年并未延续下去，甚至是刻意暂停了一下。有两个原因，一方面是当时二十出头，正处于好奇心很重的阶段，虽然已经画出了一系列有个人风格的作品，也获得了学术界和市场的双重认可，但我并不满足，有许多想要尝试的创作类型，并不想过早固化。另一个原因是我当时并不能很好的处理创作和商业的关系，我比较理想主义，希望能有自由的创作环境，不受任何干扰，但艺术商业系统需要的是艺术家的“品牌化”，需要艺术家提供面貌相对统一的系列作品。但对艺术家而言，一旦陷入“自我复制”，生命力即宣告终结。如何在相对统一的作品风格和面貌的前提下，进行深入探索和发展，而不是自我复制，是个不小的挑战。在做了很多丰富的探索之后，我决定倒不如彻底悬置之前的成果和创作经验，计划用十年的时间做自由探索，并不局限自己。

这期间人物、风景、静物各种题材都有涉猎，自然也保持了一贯的勤奋。对人物画的创作有了进一步的认识，风景创作也持续进行，时而激进，时而保守，从具象到抽象，有极简，也有“极繁”，并不限制自己。

仝紫云《问》104×92cm布面油画2012年创作

仝紫云《从镇政府门口看到的古城风景》100×80cm布面油画2012年10月创作

仝紫云《西口》73×92cm布面油画2012年9-10月创作

钟涵老师曾用“早慧而不成熟”来描述我当时的创作，在他看来，我的作品有许多闪光点，但未成体系。（钟涵老师在2015—2017年曾深入辅导过我的创作，当时他作为油画院课题组的导师，用缜密的思维、广阔的视野和丰富的经验启发我们的创作。）

仝紫云《虚静·之一》117×91cm布面油画2014年创作

在这十来年的时间里，未完全统计，大约有三四百幅各类作品，大多处于未完成的状态，随着兴趣点的游移，作品线索繁多且庞杂，研究题目丰富多样。我的创作状态游移于激情和冷静之间，头脑里有着无数思维和观念上的矛盾，这些矛盾让我时常兴奋。在这样的状态中，《审视》系列有推进，《观物》系列也在陆续进行。甚至唤起了我学画初期从米开朗基罗那里得来的宏大情结，画了几幅十多米尺幅的《观物》。

仝紫云《观物·之二》200×180cm布面油画2013年创作

仝紫云《观物·之三》150×90cm布面油画2013年创作

仝紫云《观物·之九》195x144cm布面油画2016年创作

仝紫云《观物·之十八》300x1080cm布面油画2019年创作

仝紫云《观物·十九》350cm×1200cm布面油画2019-2022年创作

到了 35 岁以后，我觉得自己终于“成熟”了一点点，逐步开始有计划地梳理这十多年的探索，形成体系，把各个系列未完成的作品逐步完成，有计划地做展览。

我很认同钟涵老师的观点，他认为艺术家的综合文化素养至关重要，如若不然，总会遇到瓶颈期而难以跨越。他引导我往宏大文化史角度去思考和扎根，这也构成了我作品的内在根基。另外，面对复杂的传统文化，也在进行持续的学习，并融入创作。

这次的展览题目是“物我”，是《审视》系列中近两年的作品集合。

对各类“物”的观察和描绘始终贯穿我的创作。我觉得在我作品中的“物”，不同于传统意义上的“静物”。

仝紫云《审视9》127x92cm布面油画2022-2023年创作

经年累月，我花很长的时间观察工作室里的这些“物”，从各种观念和视角去“看”，同时，每个“物”都在注视着我，静静地看着忙碌的我。我看着这些物，仿佛是生命之间的对话。时间一长，物的表面被灰尘覆盖，画面也逐渐饱满。光线照在物上，分明是有生命的。每天从早晨到黄昏，或急促或平静的笔触捕捉着微妙丰富的色彩和明暗变化。从“物”中得见生死，在观物和审视中体悟宇宙。

仝紫云《审视19》180×120cm布面油画2025年创作

某种程度上，我占有了物，物陪伴了我，我塑造了物，物也塑造了我。我以为我在画物，原来是它在替我说话，物有其自己的形象，虽然经我手画出的物，远不是现实中的物。

在写实的基础上，象征主义和超现实主义对我是有影响的。弗里德里希和勃克林的作品在我脑海中有深刻的印象。在对“物”的描绘中，于我而言，仅仅复制物象的表面是极其无聊的事情，总要有感而发，如果没有感觉，还不如不画。我更看重“物”带给我的感受，以及由此展开的联想。

仝紫云《审视12 》120x80cm布面油画2025年创作

在看似枯燥的日复一日的劳作中，“物我两忘”却是每天都在发生着的事实。如果某一天离开了这种状态，肯定画不好画。这种体验，就是心理学上的“心流”，类似于冥想和打坐所达到的境界，但与有倾诉对象的祈祷不同。

仝紫云《审视10 》布面油画120x80cm2024年创作

仝紫云《审视18》100×80.5cm布面油画2025年创作

这个系列里几乎每幅画都有一个或大或小的镜子，镜中是我的自画像，或清晰，或面目模糊，但我已不在乎这自画像和我的外表有多像，我可以成为画中的任何角色，重要的是我在场，审视。

伍劲老师用“极繁写实主义”来形容我的这次展览作品，我觉得很贴切。其实极繁与极简我都有尝试，但在这次展览的作品中，画面较为复杂的作品居多。出发点是，趁着年轻，走走极端，多花点力气在“描绘”事物本身上。其实也是在“补作业”，把《审视》系列作品的逻辑链补完整。总体上，这一系列作品还是更倾向于“诗意”，但与传统静物画基于“美”的出发点不同。

仝紫云《审视2》150×90cm布面油画2017年2~4月创作

仝紫云《审视6》60x50cm布面油画2020-2021年创作

和玉兰堂的合作始于 2011 年，当时读研一，伍劲老师收藏了我的本科毕业创作，并邀约做个展。但由于我随后创作计划的调整，一直处于探索状态，没能凑出成系列的作品。很感谢伍劲老师这么多年来一直的支持，期间也有断断续续的合作，直至今年这次展览，把近期《审视》系列的部分作品集中呈现。

另外，这次展览于我而言，也是一种心理上的重大突破。对作品的“完成”一直是我的难题，完美主义和技术上的吹毛求疵导致我的作品经年累月完不成。在我看来，没有什么作品是真正“完成了的”。可能我的思维多少受存在主义的荼毒。接受“未完成”的状态，未尝不是与自己和解。

一切都未完成，未来我会继续完善自己的创作体系。

仝紫云《香格里拉纳帕海边山上的石头》30×24cm布面油画2023年

仝紫云《仙人掌》145.5×89.5cm布面油画2021-2025年创作

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Wilderness Project No. 20, created in Lop Nur, Xinjiang, is the culmination of Liu’s “Wilderness Project.”Spreading nearly 38 meters of canvas across the undulating yardangs, Liu paints with his hands, allowing touch to guide his dialogue with the earth.The traces left by sand and pigment capture a primal contact between human and nature — a tactile experiment in freedom, perception, and resonance.

《荒原计划20号》，布面油画，320*1730cm, 2019 

Wilderness ProjectNo.20, Oil on Canvas, 320*1730cm, 2019

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上次您在M艺术空间举办的个展《春有时》非常动人。当时在现场布展时，您说“做一个展览像嫁女儿”，可以展开说说这句话的意思吗？展览中有没有发生什么让您印象深刻的小故事？

上次在M艺术空间举办《春有时》，非常完满。在布展时，我曾说做一个展览像嫁女，这里我表达的意思是——从策划、落地到呈现，耗时耗力如养育过程，每个细节都倾注着精力。空间团队做事负责，而我把这些作品视为自己的孩子，既期待被认可，又带着不舍与忐忑，最终呈现像完成一次重要的托付。

这次展览印象最深的，有一个小故事。当时第三个空间是一个“对画”板块——母子对画，我画鱼，儿子也画鱼，刚好对应着。观众黄女士看过“对画”板块后，忍不住地说特别羡慕我们的母子关系，与孩子拥有同样的爱好，那是一件多么幸福的事情。这位将近退休的女士正思考如何与自己的孩子沟通，在学习上、生活上出现的种种代沟问题，似乎在画中看到了自己要做的事。她说，儿子喜欢摄影，自己也得学摄影，这样有共同的爱好就有话题了。画展能起到这样意外而美妙的反馈，特别的令人欣慰。

您的创作并非始于传统的艺术训练，这反而让您的作品有一种独特的、未经雕琢的生命力。可以和我们分享一下，您最初创作的起点和冲动是什么吗？

我的创作起点无关技法，只源于本能的表达冲动。将日常里触手可及的东西，所见所感用具象的形式画下来——这份藏在琐碎里的冲动，成了最初的驱动力。由于未受传统艺术训练，不受框架束缚的表达，反倒成了独属于我自己的创作底色。

您身处艺术行业体系之外，这或许让您少了一些束缚。在您看来，这种“局外人”的状态，是让您的创作更自由了，还是说也会带来一些不同的挑战？您现在如何看“专业训练”这件事？

局外人状态是自由与挑战并存，虽然无框架束缚，灵感本真，但缺乏系统的支撑，对色彩逻辑传递理解有限，作品完成度只能靠感觉。而通过专业训练的人，能搭建系统的创作框架，夯实造型，打磨色彩、叙事等等。不仅学习技法，还通过艺术史学习，打开视野，能避开无序混乱，为作品打下良好的根基，我也有我的羡慕。

我儿子会叫我去看展览，看好的展览。我自己也爱看，回来再接着画。

如果局外人与专业训练的，二者结合，既有表达的自由，又有作品的专业深度，那该有多好。

当您的作品在展厅里面对陌生观众时，您最希望他们能从您的作品中感受到什么？有没有收到过让您特别意外或感动的观众反馈？  

我最希望陌生观众在我作品面前，能感受到里面的呼吸感，不是画得像不像，而是能瞬间碰到作品传达的温度。

比如上次在一组花卉画前，一位观众看了许久后说：“这些画让我看到了宁静的力量，画里没有抗争，没有阴影、透视，特别温馨。花是花的样子，果实是果实的样子，看到了生活的本真，太治愈了，我以为是年轻的女孩画的，太美好了，期待有更多的作品出现。”我开玩笑说那就是我还有一颗少女的心。

接下来，您是否有特别想去尝试的新材料、新主题，或者新的创作方式？您的创作会跟着生活和感受的变化而变化吗？是否有未来的创作计划？

接下来我会尝试不同的材料，今年已尝试画油画，画了几幅，找到了画油画的乐趣，感觉比水彩容易改，还得慢慢地琢磨。刚开始画有些方法还不对，得慢慢适应，创作肯定会跟着生活感受而变化，至于创作计划，随遇而安，喜欢画，画就是了。

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生活、细节、文化与灵性：“物我”之间的若干要素

——谭秦（北京师范大学，教育学者，独立艺评人）

感恩节前夜，是北京最美的深秋，在 798 隔壁恒通商务园的 Hi艺术中心/玉兰堂画廊，仝紫云博士的新作个展“物我”开幕，十二幅作品相互呼应，呈现了艺术家新的高度和思考。我有幸来参加开幕式，和紫云、众嘉宾一起观摩了每一件作品，也有了一些思考。

关于生活

我和紫云相识 2011 年，当时他还是中国美术学院油画系的硕士研究生，在中国艺术研究院油画院的“油画研究课题组（2011-16）”，师从杨飞云、钟涵、陈丹青、朝戈等先生。我当时因为艺术评论、展览策划和文化事工每周都会到油画院，每次和各位见面都会注意到这位几乎是全组最年轻的艺术家，绘画功底扎实，思绪敏捷，思考深刻。期间他参加了“中俄油画艺术创作高研班（2014-15）”，绘画作品中出现了不一样的维度和厚度。后来我多次到杭州出差，经他介绍和杭州的数位老师也多有沟通，从另一个侧面也丰富了对紫云的认识。后来我们都在北京工作和生活，交往更多了起来。

紫云的绘画特点之一是关注静物，水果、馒头都能入画，特别是“浑身长满刺”的仙人掌，几乎成了他的独特语言，这不是常规意义上的写生，而是在古典背景和矛盾隐喻中进行言说，画面中是一种“兀自生长”的乐观和自得。我还关注到他几乎用超写实的方法画了很多“纸箱”和“儿童玩具”，纸箱是当代生活中一种常见的物品，在他的笔下竟出现了另外的结构和关系；儿童玩具则是他岳父家工厂中的产品，通过各种环境和组合成了作品中的“模特”，让观者思考童趣和真实。我另外注意到他的一个典型的主题——人物创作，关切人物的情绪和精神状态，通过扎实的技法表现人性。据悉，这也是他后续要深入研究的主题。

仝紫云《仙人掌》30x24cm布面油画2018年创作

仝紫云《馒头0001》24x30cm布面油画2015年创作

仝紫云《观物·之一“记忆·时光”》200×180cm布面油画2013年创作

仝紫云《彩色叠叠高》30×40cm布面油画2020

仝紫云《彩色积木》30×40c布面油画2020

仝紫云《喇叭》30×40cm布面油画2020

关于细节

本次展览中给我留下特别印象的首先是那幅 2021-2025 年持续创作的《仙人掌》（145.5×89.5cm，布面油画），深厚的背景下方略暗，上方仿佛有光，凸显了生长的挺拔。植物叶片的厚度和向四面八方生长的样态恰到好处。我和紫云确认过仙人掌的“刺”，每一根都是仔细刻画，有结构、有光泽、有生长的差异和不同的细节，让我想起了工笔国画和超写实主义的追求；再就是这幅画的“背景”，全然不是“溃烂型”的指向，反而有如绚烂的花丛，表面看有点“点彩派”的意味，但全然不是追求科学的“色点并置”，反而向中国画中的一种“皴法”，层层叠叠，生机盎然。更有“画眼”处那一朵盛开的黄色花朵，花瓣的娇嫩，花朵的结构，那么真实凝练，诉说着造物之美。

仝紫云《仙人掌》145.5×89.5cm布面油画2021-2025年创作

仝紫云《生长》120x80cm布面油画2023、2025年创作

顺着这幅油画观看“生长”主题的作品，那幅纸箱的孔洞中生在的植物，矗立在其后的连绵山峰，共同引领观者联想到“生长的力量和意义”；那幅《野果和自画像》相对而言是一件早期作品，从2017年持续到2023年，“野果”的枝条断了，“自画像”与观者对视；对我而言，延续了“前述”的主题，这种深刻的思想是其作品的一惯性。再观看本展中的七件《审视》系列作品，与此前看到了的“自然主义”风格的作品不同，各种植物和陶器、药箱、书桌、雅石、树干、玩具、贝壳形成了多重隐喻，通过“不经意间出现”的自画像关联起了艺术家和观者、历史和现实的意义。另有一方“香格里拉”的石头，很小的画幅上依然呈现了纪念碑似的效果，我想起了此前看到他画的“金色石头”，社会性和神圣性都跃然而出。

仝紫云《野果和自画像》60×50cm布面油画2017-2023年创作

仝紫云《审视9》127x92cm布面油画2022-2023年创作

仝紫云《审视11》150x90cm布面油画2024-2025年创作

仝紫云《审视19》180×120cm布面油画2025年创作

创作现场

关于文化

每次去紫云的画室，对于顶楼的天光，升降画架的羡慕是一个方面；另有两个最吸引我的地方，一是整个房间从上到下的落地书墙，煌煌上万册藏书，艺术、历史、文化资料丰富，单单买齐（甚至是淘到）这些书，都是一件幸福的事，何况在他的研究、写作和思考中还经常用到，这是“好书”的力量，相信必将发挥更多的作用。再就是他的画室随处可见的“古董”，无论是新石器时代、还是春秋秦汉的瓷器，还是明清民国的家具，抑或是那些字迹斑驳的“中药箱”……还有若干充满“工业风”，甚或“二次元”的玩具，这些器物常常在其作品中充当“模特”，通过一层层深邃的包浆，一处处真实的质感，滋养着这位艺术家，丰富着作品的元素，讲述着文化变迁、文化冲击和文化更新的意义。

仝紫云工作室的书房

创作现场

紫云对互联网教育早有深入的实践，不仅给罗振宇的“得到大学”提供“画家思维模型”的课程，还通过在线直播进行“油画教学”：无论是北京的画室、浙江的梯田、岳父家的工厂、下乡写生的现场，我特别支持这种通过网络进行的教育，这是一种“社会艺术”。在“后疫情”时代的今天，在线技术、高清设备和交互方式都实现了质的飞跃，对于因为各样的时间、空间、精力、甚至财力都有所局限的、真正的“爱好者”而言，这种学习是有意义的，并且因此带来的实践、成长和互动都是网络社会需要重视的一种现象。紫云还进行展览策划和书籍策划，例如 “珂勒惠支作品展” “靳尚谊素描展”和他的历次个展，杨飞云先生的著作、钟涵先生的文章，个个都是精品，其中我特别看到了他对“公共教育”和“艺术传承”的重视。

关于灵性

我和他个人的项目配合始于2017的“物与灵”中美名校艺术家学术联展，项目前期美方策展人的实地参访和座谈就来到了紫云的画室，2018年中美艺术家一行30余人也来到他的画室参访，其后为期两周在北京、南京和上海的参访和交流，紫云均全程参加。而后提交的赴美参展作品中让我印象特别深的是那幅名为《问ask-2012》（104 x 92 cm，2013）的人像写生，一男一女两位模特都是油画院的“老朋友”，随着他对人物的熟悉人生经历的了解，人物之间的闭幕凝思和直视观者就有了场景和意义，这幅作品连同另一幅“新闻”，跨越疫情和贸易战，历经五年在美国14所综合性大学的专业美术馆呈现。这个2012的年份所指向的意义不再多言，单单是男模特后来的“患病离世”，让听闻者思索广义的人生，这也是艺术作品给人带来的启示，特别是紫云这样主题本身就深刻，且作品量众多的价值之所在。

仝紫云《问》104×92cm布面油画2012年创作

2023 年 12月，我在中国油画院的美门艺术馆策划了“绘·画之爱——艺术家作品联展”，31 位艺术家 102 幅作品共同展出，当年的特约艺术家是紫云的导师朱春林教授，那一年疫情正式结束，春林老师作为特约艺术家提供了《谦卑与朴素》（广西师范大学出版社，2023）的封面作品，连同一幅《虞美人》，我尤其记得紫云当年提供的《面包》（40x60cm）和《梅花》（60x40cm），和本展的主题特别呼应，连同另一幅《金色的太湖石》（40x50cm）和经典的仙人掌《审视5》（100x80cm），也贯穿了今天的文章。今年“绘·画之爱”联展的主题是“白昼将近”，34 位艺术家 90 幅作品参展，春林教授提供了“诗意的栖居”封面作品《向天歌》和《武士与喜鹊》，岛子教授的作品是《道》《天使》《圣烛》和《大学之道》《天行健》两幅书法，紫云提供了《德国布痕瓦尔德集中营》（50x70cm，2013）和暗深背景中两个鲜艳的《苹果》（24x30cm，2025），单单这两件作品，就足以让人从人生和信仰的维度思考历史和未来，更可以贯穿紫云过往展览中出现的长达十余米的巨作，以及那些幅仅盈尺的小品，连同他的教学和博古、学术和创作，共同彰显着他的个人关切，深刻的哲思和言说。

仝紫云《香格里拉纳帕海边山上的石头》30×24cm布面油画2023年

仝紫云《德国布痕瓦尔德集中营》50x70cm布面油画2013年创作

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「参展作品」

每个人都有一种特殊的气息，猛禽也是

We All Have Distinct Scents, So Do Birds of Prey

于艾君 Yu Aijun

木板上铅笔画

Pencil drawing on wood panel

20 x 30 x 2 cm

2024

搅成一团的丝状“肉”

A Tangle of Shredded “Flesh”

于艾君 Yu Aijun

木板上铅笔画

Pencil drawing on wood panel

20 x 30 x 2 cm

2024

搅成另一团的丝状“肉”

Another Tangle of Shredded “Flesh”

于艾君 Yu Aijun

木板上铅笔画

Pencil drawing on wood panel

20 x 30 x 2 cm

2024

就是这样一种感觉，平等、性感，却又倏忽而逝

A Sensation: Equal, Erotic, and Fleeting

于艾君 Yu Aijun

木板上铅笔画

Pencil drawing on wood panel

20 x 30 x 2 cm

2024

热带水果。它的来历和香气已无任何蛛丝马迹，但仍可作为亲爱的道具

A Tropical Fruit. Origin Still Unknown, But Can Still Be Used As A Lovely Prop 

于艾君 Yu Aijun

木板上铅笔画

Pencil drawing on wood panel

20 x 30 x 2 cm

2024

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于艾君：我的生活工作很单调。生活作息？几乎天天熬夜，也不能说“熬”吧，这个字不准确，就是习惯晚睡，好多年了，从上学时起就这样。也不知道做了些什么，大部分的夜晚是被“荒废”了，这几年倒是画了一些小画，当作一个艺术项目，姑且名之“夜晚的绘画”。（点击延伸阅览）

工作状态么，这方面与所有卖海鲜的、摆摊的没什么本质区别。时间精力都围绕着艺术（工作）创作的一切展开。如果此处把艺术和生活分开谈论的话，我觉得我的生活应该比绝大多数的人更简单，活着就行。

Q10.

你的创作习惯与工作方法大多结合文字内容，这和图像研究之间有何异同？

于艾君：（诗）写作、阅读和日常漫无目的的遐想，常常会给我带来艺术工作上的契机和转机，这肯定也是艺术实践的一部分。其实我工作效率并不高，关于艺术及其体制、关于作品的逻辑论证、生产节奏、存废焦虑、经验怀疑等占据了我很大一部分时间和精力，好在我自认为我的直觉和行动力还算不错。另外，我的确在很多具体作品中使用文字内容、符号和形象，但大多数时候它们只是一种干扰因素，尤其在识读层面的不知所云和模糊难辨的情况下，或者可能产生我要的幽默性，我试图借此让视觉从惯性的（图像）阅读中跳脱出来，使之变得不适，从而使作品产生撕扯的、多面向的、非（传统）审美性的力量，尽管我不知是否做到了这一点。而在另外一些作品中，文字（形象）则完全替代了其他，在具体制作过程中，我试图借助文字（形象）的多种（劳作）情态和不同状态表达和唤起前文所说的不同诉求的“自由意志“——镌刻、涂鸦、描画、满屏、反复、粗暴（口号）……它们因此成为各种明确和坚决。

Q11.

你的创作始终处于一种充满生命力的活跃姿态，你的工作也往往反应当下所处的生活与思考。在目前的社会状态之下，保持这种“野生“状态所面临的挑战有哪些？

于艾君：谢谢您的肯定。如果真是如您所言，我想那不是因为“保持”，更不是什么“坚持”，我从没想过这些。但是，让我想想看，嗯，我从最初喜欢艺术的“无中生有”、语言奇观，到如今更看重艺术工作的“挑衅”性、意识形态的可视化和平权诉求，这个描述可以用来简单概括我的工作逻辑和关键词转变。我对自己的状态不太满意，一是才能有限，二是许多外部的力量也不是我所能控制的。当然也不后悔。挑战？只要健康状况允许，基本还会是目前这个样子。如果哪一天江郎才尽了，或者因为别的什么原因，我放弃目前的工作，做别的或什么都不做，也都正常，我都完全可以接受。

Q12.

艺术家应该把艺术作为一种工作还是一种爱好去看待呢？

于艾君：这个因人而异吧。

Q13. 

请分享一件其他作品。

于艾君：我的作品？好。这是我最新的个人项目《我曾见过真理报大楼》中的作品。

无性别宇宙，以及其中充满了斗争性的文本，2025

圆形舞台、黑色塑料布、烧香镂刻、蓬布雕刻、穹顶喷绘、自印诗集、报纸裁切、桌子、即兴朗读（表演）现场

现场总体尺寸及展示方式可变，其中蓝、银色双面蓬布每件被雕刻前的尺寸为195x500cm

我在长沙街头报刊亭随机买了几份当日报纸，我裁剪了其中部分刊头、标题及其连带文字成字条，然后将其暴力地覆盖或拼接于诗集内文，使之成为文本装置。如果有观众走近并翻阅这本四周好似长满了权力触角的书册，如果有兴趣，他（她）可以随机朗读所见到的任何文字——此时，逻辑失效，幽默（感）随阅读情态而产生。在这里，实验写作所朝向的自由在与充满了政治话术、公共和驯化属性的话语短兵相接之际被后者强奸，直至对抗共存，这恰恰是当今某地文化现实的真实写照。而悬置于圆形空间内部和出口处的篷布雕刻中，垂悬的文字成为建筑，正形实体部分脱自虚空负形，它们藕断丝连、蜷缩变形，其隐喻不言自明。

Q14.

近期是否有新的想法或创意在计划或准备去实践的？

于艾君：近期没有什么新想法，加之前段时间生活中受到的影响和震动，几个年轻同事和一位恩师，他们的早逝让我一度消极。加上要准备换新工作室，各种琐事。总之状态不是很好。工作方面，主要内容就是整理旧作，包括毁掉一部分旧作，也包括将旧作作为素材重新调动编排，使之成为新的作品，这是我惯用的工作方法之一。

Q15.

请推荐一个曾影响或持续影响着你的人事物并简述理由。

于艾君：这个还真没有。对我来说，所有的影响都是阶段性的，它来自于视野所及、时代半径及时代中各种具体又暧昧的表现形式。我的真实感受是，过去的“我”对现在的“我”的影响可能更直接，每个人首先都是“自我文献”——去年的对今年的，上一刻对即将到来的，尽管我们都不是纯然的自己。

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