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关注中国年轻一代雕塑家，“新雕塑”已经进入到十周年。一个十年也可以代表着一个世代的更替，让一群年轻艺术家自己开口说话，因为他们已经到了自己的时代。他们向着自己的群体提出问题，并自己进行作答，这是关于群体内部的自我思考，并通过这样的自问自答，将年轻雕塑家群体中的“我”和“我们”分别显现出来。

这种显现首先是关于时代的，同时也是关于真实的，敞开的是他们的关心与他们的追问，在生命旅途的万里长征上，并他们的求索与迷惘。它们是作为雕塑艺术的年轻世代所留下的路标，是意义与价值叩问的回响，正如身体作为雕塑尺度的丈量，这一群体的心灵之声，也成为了他们世代在生命尺度上的丈量。

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玉兰堂（上海）展览现场

五、作为一位青年雕塑家，你如何定义雕塑艺术的当代性和个人的艺术创作，你认为在思维模式上和其他门类的艺术家有没有实质的区别？

闫磊：我觉得，当代艺术一定是问题艺术，关注人类命运，关注社会问题是艺术的核心，没有了这些就是自娱自乐。我不觉得雕塑和其他门类的思维有何不同，反倒是要互通，借鉴才对，才有新的可能。

范晓妍：没有实质上的区别，无论雕塑，装置，影像，绘画，行为都是艺术家表达个人情感，呈现自己对一切的感知和态度的手段。

马小萌：就我的创作习惯而言没有实质上的区别。因为我在平日里最主要创作类别是绘画，雕塑则是更多维度的绘画，我在其中思考画面堆叠所产生在空间上的叙事。而且从远处看，当代性也具有一种模糊边界的属性。

杜春风：对雕塑的理解其实我对自己的一种理解，可以在雕塑的每一处细节里寻找到自己的影子。而“我”是这个时代活生生的生存体，它集合了人在这个世界这个时代的形形色色的影响和反映，是世界在个体的实验场。

其实在当下的语境中，雕塑和其他门类的创作形式的边界越来越模糊，或者说很多艺术家其实在临界之间衍生新的创作思路，这是在当代艺术环境之下对艺术家创作更加包容更加开放。

颜石林：雕塑艺术的当代性在于它能够反映时代特征，体现艺术家对社会现实的关注。在个人艺术创作上，雕塑艺术家与其他门类艺术家的思维模式有共通之处，都追求个人观念的表达。然而，在空间观念、材料选择和技法运用等方面，雕塑艺术家具有独特的思考方式。

我认为艺术创作是一种思考的过程，艺术家应当关注社会现实，将个人观念融入作品之中。在雕塑创作中，艺术家需要充分考虑作品在空间中的存在感，以及与观者的互动关系。此外，雕塑艺术家在材料选择和技法运用上，具有更为丰富的表现力，这也是雕塑艺术区别于其他门类艺术的重要特点。

总之，雕塑艺术的当代性和个人艺术创作，既体现了与其他门类艺术的共通性，又具有独特的思维模式和审美追求。作为我个人，我是很喜欢绘画艺术所带来的温度和视觉启发的。虽然在呈现上很不一样，但是我们的目的地是一样的。我觉得我的雕塑就是空间里的绘画。

夏航：我认为雕塑艺术的当代性实质上就是材料与技术的创新，当代性就在于不再局限于传统的雕塑材料，而是积极的尝试各种新兴材料和技术来创造更具时代感和表现力的作品。

在思维模式上和其他门类的艺术家没有太大的实质区别，重点在于作品美感和思想的表达，追求作品的独特性和创新性上。

夏航 草稿纸 2023 不锈钢 150×80×50cm

夏航 表演计划 2022 不锈钢 100×100cm

六、水墨与雕塑。雕塑艺术家在创作时，会不会像水墨艺术家纠结水墨边界问题一样，也纠结雕塑的边界问题？

颜石林：是的，雕塑艺术家在创作时可能会像水墨艺术家纠结水墨边界问题一样，也会纠结雕塑的边界问题。这是因为艺术创作本身就是一个不断探索和挑战现有定义的过程。以下是一些雕塑艺术家可能会纠结的边界问题：

1.材料的边界：雕塑艺术家会探索什么样的材料可以用于雕塑创作，以及如何突破传统材料的限制。例如，从传统的石头、金属、木材到现代的塑料、玻璃、纤维，甚至电子和数字媒体。

2. 形式的边界：雕塑艺术家会思考雕塑作品的形式可以拓展到何种程度，是否可以脱离传统的立体形态，走向更加抽象或极简的风格，或者朝着更自然写实的形态发展等领域。

3. 空间的边界：雕塑艺术家会探讨作品与空间的关系，如何使雕塑作品与周围环境互动，甚至改变或定义空间。

4. 观念的边界：随着当代艺术的发展，雕塑艺术家越来越多地关注作品背后的观念和思想，他们可能会纠结于如何通过雕塑表达复杂的观念，以及这些观念是否超出了雕塑的传统范畴。

5. 技术的边界：随着科技的发展，雕塑艺术家可能会探索新的技术手段，如3D打印、数字建模等，这些技术是否改变了雕塑的本质，能结合和使用的度有多少才是最恰当的呢，这也都是雕塑艺术家们纠结的问题。

水墨艺术家在创作时纠结的边界问题，如水墨的材质、技法、传统与创新的关系等，与雕塑艺术家在创作时面临的挑战有相似之处。两者都是在不断地探索和重新定义自己的艺术形式。

因此，无论是水墨艺术家还是雕塑艺术家，又或是其他门类的艺术家，他们都在不断地探索和实践，试图找到自己艺术表达的新途径，这也是当代艺术发展的一个重要特征。我认为有边界反而是有益于艺术家创作的，这个边界来自于对这个门类更系统的认知，放得开也要能收得回来。同时也是避免庸常审美的路径，是自我精神上的克制体现。

占研：我创作的时候，目的性并不太强烈，就是单纯地做当下最想表现的内容。雕塑存在的问题与水墨是不一样的，我觉得目前艺术家们对雕塑的探索具有强烈的多样性，所以雕塑的边界尚不构成重大问题。

王成普：如果将雕塑作为一种思维方法和工作方式的话，那么雕塑艺术它是一个很宽泛的概念。水墨还是一个材料媒介延伸出的概念，雕塑艺术则是一种工作方法或者思维模式，它要开阔的多，让我感受不到它的边界和局限。

王立伟：雕塑确实有其边界，虽然在当代艺术中，这些边界越来越模糊，但雕塑的核心是明确的，只要核心不被破坏，边界就仍然存在。就像水墨艺术家无法绕开笔墨的修行一样，雕塑艺术也有不该忽略的修行，作为一种三维艺术形式，雕塑有其独特的法则，需要雕塑家经年累月的深入体会和浸润。

汤杰：专业类别的划分可能更多是区分已经生成的研究方向，边界后入为主，圈定研究范围，细分门类，这本身是一种限定，固然会保守、内卷，让入圈之人无法逾越，形成束缚。有时候我们可以更为开放的方式来对待，不去定义艺术是什么，而更多的去考虑什么可以是艺术。可能像装置艺术那样，可以用水墨、雕塑、影像、行为、机械运动、声音等等表现方式，更自由的方式创作，不被所谓的边界所限制。

颜石林 被太阳照耀的身体景观4 2023 铝、环氧漆 122×85×94cm

曾健勇 牧歌 2024 纸浆、水墨上色 60×145×32cm

七、作为当下的艺术家，怎么利用好当下最前沿的AI 技术？如何思考 AI 技术对于艺术家创作的帮助与弊端？

王画：作为一个当下的艺术家怎么利用好和AI的技术和AI的优势和弊端我觉得人工智能这个东西肯定是无法回避的，因为它已经存在在这个世界上，而且已经被得到了广泛的应用，其实就像我现在做作品我也会，就是我会问GPT一些问题比如说，哎你那个知不知道这个材料就是在中国的话哪个城市哪个镇啊哪个村，可能他就是比如说他专注于做某个材料比如说陶瓷你就会想到景德镇啊，比如说玻璃你就会想到山东，比如说像德化呀他都有自己的工业链，像这种的话这种其实问GPT的话就非常的省时省事，然后呢，其他的话我现在也会让就是我给他Laura 或者说GPT一些关键词让他帮我生成图片，然后有的时候会有一些很奇妙的意想不到的东西，但当然就是我给到他的这些图片呀内容啊也是已经经过我的选择了，所以说有一点像人机共同创作，或者说我觉得有点像在跟一个小孩玩游戏的那种感觉，就是你给了他很多东西然后让他从中选或者说我现在给了你 1万张图然后你帮我在上面只加一笔然后我看你这一笔加在哪，就是还挺有意思的，就是一个挺好玩的东西，我觉得就是也没有必要排斥它因为它不是我们排斥了就不存在的，反而是如果我们非常排斥他其实是失去了一个一个工具。

马小萌：目前尝试过AI图像处理技术，偶尔也会玩一下，去生成自己喜欢的图像。我不太抗拒它，因为比起生成的结果，我刚好觉得生成的过程很有趣，机器的思维不受肉身生存经验，或者说“常识”的限制，会生成很多不合理的图像，但也就是这种无厘头的产物让我感兴趣。我认为把它当作工具来看会是帮助大于弊端吧，后面也许要系统学一下。

共代谢：不清楚最前沿的AI 技术是否真的在艺术家能用到的范畴里，毕竟科技公司恐怕只想把艺术结果当成训练饲料。对于我们来说AI只能作为一种参考，之前我们试过文字和图像的AI，生成的结果还是在认知中，即使具备某种惊喜，还是不足以到能作为作品的程度。好的是可以利用快速方便这一特点测试想法，也能增加一些细节。弊端是长久下去可能会影响持续思考在大脑中想象结果的能力，毕竟验证变快了就不需要人想很久了，艺术家的主导性会有所减弱。

王予马：对于AI了解并不多，但我认为AI或许能提高艺术创作中的效率，做些重复性的工作。但要避免对于AI过度依赖。

王成普：AI作为当下最前沿的技术对人们有强大的吸引力和诱惑力，但是我感觉真正艺术家的工作不是对技术的附庸，而是对技术的反思，甚至是反抗，就像印象派画家对摄影技术的反应那样。所以有时我们不仅仅是对传统技术的利用，而是对当下技术的反思甚至是反抗，才更有利于艺术创作的深入 而不仅限于技术的表象。

王立伟：AI技术最近发展得非常迅猛，但在自我意识没有觉醒的前提下，它依然还是工具，在“术”的层面为人服务，而不是一种真正的创作力量。严格来说，现在我们看到的大部分Ai作品并没有太多原创性，绝大多数是基于大量数据训练出来的模型产物。要知道这些数据是人类艺术发展几千年的沉淀，Ai只是依靠技术手段将这些数据解构、重组和再生产。所以，我认为未来最优秀的艺术仍然会是人类创造的。

作为艺术家，我觉得应该拥抱AI技术。它能帮我们解决很多技术层面的问题，让我们可以腾出更多的时间和精力专注于最核心的问题。但在创作中，最核心的部分还是要靠艺术家自己来完成。技术的发展将是一个持续的过程，未来的AI将会变得更加智能和强大，这为我们提供了无限的创作可能性，可以利用AI技术来探索新的创作领域和方式，AI可以改变我们的创作方式，但不能代替我们解决创作中的核心问题。所以，我认为AI是一个极佳的工具，但最终，艺术的灵魂还是在于人本身。

郝朗：这两年AI科技发展得如火如荼，我觉得Ai对艺术创作的扩展，提高创作效率都有帮助，甚至探索出前所未有的艺术形式。

弊端也是存在的，太过于依赖AI，创作力的退化。版权的问题也会更加需要谨慎对待，所以我们也要理性判断，批判的思维，才能让AI更好的帮助我们。

汤杰：这个时代复制、演化、生成的能力越来越强大，就像AI一样，是一种节约个人时间、跨越个人技术整理计算强大且实用的工具。作为艺术家要明白工具对于艺术创作的意义，AI工具是路径、方法、技术支持，不是必须的、也不是结果。而且有必要怀疑AI带来是模仿、再现、集成能不能提供艺术现实性意义。当然Ai强大的信息的带来的是更多排列组合的丰富性，对于艺术创作者，这里提供了很多试错的机会，也应该接受新技术带来艺术更多的可能性。但要认知Ai相对是机械的、麻木的，缺少人的灵性的。

王画 项链 2021 水晶树脂 28×28×300cm

杨淞 猫爪星云 2023 激光雕刻铝板、不锈钢 52×52×9cm

八、作为一个艺术家你的的思想指向是什么？所表达的，是否有生命被提升价值。

颜石林：作为一个艺术家，很多时候艺术是自己的一面镜子，时刻在观察和显现最真实的自己。而自我的显现都来自对于这个世界的感知。我的作品很多时候是想提供一种反思的视角，鼓励观众对周遭世界进行深入思考。并且通过作品表达我个人的喜怒哀乐，以及对于生活、爱情、自然等主题的独特感受。

关于我的作品和思想指向是否有生命被提升价值，这是一个复杂且主观的问题吧。我个人并没有想过那么多。不过我是希望通过自己的作品，与观众建立起一种超越时间和空间的联系，能建立这种联系本身就是对生命价值的一种肯定。又或者说我在作品里展现的个人精神经验和表达能成功的激发观者或被遗忘的过去，如同又见到了老友般，这就是我所期待的生命被提升的价值。 

王成普：无、纯净、像空气一样的存在……

范晓妍 始简毕巨-金珠03 2023 不锈钢镀色 66×33×100h

玉兰堂（上海）展览现场

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展览现场，闫欣悦：重游，胶囊上海；由凌卫政拍摄

Installation View, Yan Xinyue: Revisit, Capsule Shanghai, Shanghai, China; Photographed by Ling Weizheng

闫欣悦的个展“重游”当前在胶囊上海展出，将持续至2024年8月10日。

Yan Xinyue: Revisit is on view at Capsule Shanghai until August 10, 2024.

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“风景一旦确立之后，其起源就被忘却了。这个风景从一开始便仿佛像是存在于外部的客观之物似的。其实，毋宁说这个客观之物是在风景之中确立起来的。主观或者自我亦然。主观（主体）、客观（客体）这一认识论的场也是确立在风景之上的。就是说，并不是一开始就存在着的，而是在风景中派生出来的。”柄谷行人曾在《风景之发现》中分析了从保罗·瓦勒伊（Paul Valery）到弗洛伊德等众多人物对绘画中“风景”的见解，试图反观艺术与文学中“风景”究竟如何体现出创作者的主体性。而在他看来“只有在对周围外部的东西没有关心的‘内在的人’（inner man）那里，风景才能得以发现。风景乃是被无视‘外部’的人发现的。”

展览现场，闫欣悦：重游，胶囊上海；由凌卫政拍摄

Installation View, Yan Xinyue: Revisit, Capsule Shanghai, Shanghai, China; Photographed by Ling Weizheng

闫欣悦的最新个展“重游”呈现了许多“风景”，但那并非简单的山川草木，而是城市生活中极为日常的片段。与过往的创作相比，艺术家从关注在“画什么”逐步转向着重于“怎么画”。这与其过往人生经历中不断迁徙的经历有关，身处于陌生场域，既有的身体习惯未必能够及时适应新的环境，在场域的裹挟下，一种意识上的转化过程开始出现，伴随而来的更是心理层面的投射。闫欣悦选择了以超乎预期的场景与看似渺小而平静的人物相对应，在莫奈、蒙克等印象派艺术家原作中那无法忽视的笔触的影响下，她也在以绘画转化自我心情的过程中，得以让风景承载自己的情绪。作为一个身处于当下的艺术家，她自然地将自己所见所闻的事物入画，以内在的驱动力去破除过往既定的方式方法，在回顾般的“重游”中实现了新的建构。

贺潇

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闫欣悦

贺潇（以下简称“贺”）：当我看到“重游”这个展览标题的时候，我即刻联想到了熟悉与陌生的并存。或许“重游”任何一个我们曾经到访过或居住过的地方，都会带来一种错乱但同时很有吸引力的感受，甚至是一种疏离的归属感。这是你为此次展览设定的感知范畴么？

闫欣悦（以下简称“闫”）：这个展览的确是从情感或者抒情的角度去出发的，它像一首回顾自身经历，有许多内心波澜的诗。我最近在看很多德国表现主义绘画，想尝试通过情感来共情观者。我之前的绘画可能很多时候关注在“画什么”，以至于冷落了绘画中的情感传达。现在在创作上，我会更侧重于“怎么画”。例如，绘画过程中，笔和画面产生的触碰是如何传达情绪的，它们之间的撕扯，力量的转变，会产生什么意外的效果。有时候我画画更像去“写”一笔书法，这样的探索充满乐趣。回到展览的主题，我选择了“归属感”的纠结情绪作为出发点，展览标题“重游”也是一个很emo的词。

贺：你曾去欧洲留学，又移居上海，再搬去L.A.，在迁徙的过程中想必也经常往返你成长的城市广州。每次离开和归来都是某种程度上的“重游”，哪些具体的场景会触发既熟悉又陌生的感受？你怎样把现实生活中具体的情景带入到你的作品中？

闫：你提到的“陌生感“对我来说更多表现为“疏离感”。我相信在国内总有一群年轻人，他们在很多地方生活过，却很难在一个地方定居，无论是生活在国内或者国外，他们总在计划下一个搬移的城市，或者长期游离于多个国家之间，为自己设定了漂泊的生活方式。还有很大程度上是，在全球化下这群中国年轻人会更吃力地去寻找自己的精神归宿。这样游离的状态无时无刻不流露在我的作品里。

Yan Xinyue 闫欣悦 | Him and his landscape 他和他的风景 | 2024 | oil on linen 亚麻布面油画 | 165 x 126 cm

贺：在《他和他的风景》和《她和她的风景#1》中呈现的独处的人物，带来了一种“疏离感”。而人与城市的母题常在绘画中被艺术家用一望无际的人群来表达，而非这两件作品中所表现的空无一人。或许这两件作品更多呈现了某种心理层面的“风景”？

闫：在《他和他的风景》和《她和她的风景#1》这系列作品里，画面呈现了个体和所处环境的矛盾。它是一个在独处的时光里与自我对话的状态，这也是我这几年搬到美国的一贯状态。我在标题中用了“风景”一词，更多是为了表达一种心理层面的投射。画中人物的渺小和平静，与包围他/她的笔触快速多变的风景形成对比。它是一个心理上拟造的风景，折射着画中人物的精神孤独和挣扎，所以画面大部分的情感处理都发生在了风景里。

贺：这两件作品中人物与环境的比例关系似乎也拓宽了这种空旷的感受，虽然它们在尺幅上不算庞大，但在比例上的拉伸可能更强调了这种空旷感，这是一种你认为比较有效的构图方式吗？

闫：在一个空大的场景里画一些微小人物融入其中，好像也不算是什么关于人和环境的新颖绘画手法，在画这两幅作品的过程中，我想到了中国古代文人画的构图——布满眼帘的风景包含着简单动态的微小人物。我想到我们背诵过的古诗，其中的抒情以及人在这种环境中的渺小和无奈。

Yan Xinyue 闫欣悦 | Her with her landscape#1 她和她的风景#1 | 2024 | oil on linen 亚麻布面油画 | Two panels in 145 x 45 cm and 80 x 45 cm（双联画）

贺:《她和她的风景#1》的下部对画框做了特殊蜿蜒的处理，有一点从天入地的感受。画框的形式背后是否有具体的指向？

闫：最初是为了打破画挂到墙上的单一呈现方式，弧形画框是一个从墙面到地面的延伸，有点像展开的中国古画卷轴，它有意迎入观者，将观看的时间拉长。直立高悬的画面让人仰望。巴黎橘园美术馆里的大型莫奈睡莲给我带来了很大的震撼，主要惊叹于如何被他的笔触所包围，让人无法抽离。这一幅《她和她的风景#1》的飞扫的大笔触很大程度上参考了莫奈的画法，颜料之间的交叉涂抹扩张成了整个黑夜。这幅作品并不是一张理性计划过的作品，它充满了很多释放和发泄，有一种快速涂抹的力量。

Wang Ximeng 王希孟, A Thousand Li of Rivers and Mountains 千里江山图, 1113 北宋政和三年, Handscroll, ink and color on silk 卷轴绢本设色, 51.5 x 1191.5 cm, Palace Museum, Beijing, China 故宫博物院，中国北京

Claude Monet 克劳德·莫奈, Musée de l'Orangerie 橘园美术馆, Paris, France 法国巴黎

贺：从近期的绘画中不难发现一些印象派画家处理画面的方式，例如《等待》中停机楼前面夕阳洒在地面的处理会让我想起爱德华·蒙克（Edvard Munch）的《夏夜之谜》（The Mystery of a Summer Night）。同时色彩的运用也似乎强化了等待这一动作背后的情感。

闫:《等待》这幅画其实是参考了莫奈的作品——《印象.日出》，约翰·伯格在写到莫奈的作品时提到《印象.日出》这幅画是忧郁的，充满了一种无家可归的形象。当我在这幅作品停留许久时，眼前竟是一片机场，斑斓的夕阳下，漂浮的大地和水般的光影错综交织，奔波的一日后，旅人终于准备在登机后就着落日闭眼小憩，缓解一日的疲惫，等待着下一个到达的地点。蒙克的风景作品对我的影响也贯穿了我整个展览，他作品里的果敢和自由是我所追求的。

Claude Monet 克劳德·莫奈, Impression, Sunrise 印象·日出, 1872, oil on canvas 布面油画, 48 x 63 cm, Musée Marmottan Monet 玛摩丹美术馆, Paris, France 法国巴黎

Edvard Munch 爱德华·蒙克, Beach 沙滩, 1904, oil on canvas 布面油画, 81 x 109.5 cm, Munch Museum 蒙克美术馆, Oslo, Norway 挪威奥斯陆

贺：这次展览的作品中出现了很多未经处理过的亚麻布，留白让色彩与画布的关系更为突出。

闫：在没有石膏底料的亚麻布上画画会把颜色的纯度降低，但却某种程度上收住了每个颜色之间的冲撞。也许这也使得画面产生某种生涩感，却和我这次展览的主题还挺贴切。我经常将亚麻布留空，或者画些颜色透明的笔触在刻画的地方和空白处过渡一下，使得薄薄的颜色和麻布的粗糙纹理形成对比，挑战着画面的完成度。有句形容绘画过程的话：“每一笔可能是机会，每一笔也可能是毁灭”，对我来说利落的笔触，颜色的透明和亚麻布的完美结合是非常珍贵的，在这过程中我会把感知力开启到最大去寻找这一瞬间。

贺：除了留白，《悠闲的下午和“昼颜”》吸引我的地方是你采用的嵌套式的观看方式。它在画面中呈现了一个人看电视的情景，从而提示了观看者的存在。同时，《昼颜》这部日剧隐喻了某种从现实中的逃离。你通过这种方式放大了内外两个层面的感受。这是否也是一种你可能后面会尝试的方式？

闫：我很喜欢嵌套式这个词，对我来说这样的逻辑是“画中画”。其实我之前就有几张类似视角的作品，这样的尝试也会一直沿用——它允许我在一个画面里以不同的绘画方法去画。有些插入了来自现实中的图片，迎合了我对现实的态度，这一部分的处理必须要具有被识别的可能才会为作品带来意义，所以绘画处理上要相对写实一点。而画面别处可以以一个不被计划的方式去探索。我设想以悬殊的绘画力量，不同层次的绘画视角去创作，能让观众因此在我的画面前驻足更久一些哈哈。回到这幅画里，电视里的夕阳的橘色流淌到了现实生活中，幻想和现实中的美妙混为一体，但是我又通过爆米花和吃过的水果刻意地把自己的绘画角度拉回到了旁观者，使得画面里浪漫的情愫就此被打断。这样情感上的收缩处理也是我一贯会在作品里用到的。

Yan Xinyue 闫欣悦 | Peaceful Afternoon & Hirugao: Love Affairs in the Afternoon 悠闲的下午和”昼颜” | 2024 | oil on linen 亚麻布面油画 | 48 x 61 cm; 51 x 65 cm (framed 带框)

Film Still 剧照, Hirugao: Love Affairs in the Afternoon 昼颜, 2017, Directed by Hiroshi Nishitani 由西谷弘执导

贺：虽然人群不是你勾勒的主体，但经常可以看到各式各样的动物，例如灵缇、黑狗和鹦鹉。它们是否也扮演了某种心理角色？

闫：我的作品很多时候从一个更私隐、更孤立的角度在讨论个体和社会集体之间的矛盾，所以确实在我的画面里不常看到人群。画动物对我来说是一件很愉悦的事情。我最近很喜欢看八大山人的画，我非常崇拜他作品里对动物的灵动捕捉。我也会去尝试模仿他的下笔果断和一气呵成的魄力。《笼中鸟》这幅画就是带入了很多这样绘画性的东西，推开一块大笔触已经构成了一只鸟的身体，也许它是虚无的，也许它是被刻画的。我的画面里以不同的绘画方式去画重复的东西，这样画很过瘾，有时候画完一个意犹未尽，可以再以新的方式画画。绘画过程里可能产生意想不到的幽默，我有时候画着画着会笑出来。

Bada Shanren (Zhu Da) 八大山人（朱耷）, Bird 鸟, 1627 – 1705

贺：艺术家常在作品中用带有隐喻的方式描绘自己，在自我观照中探寻新的方向，你认为这次个展中是否有哪一件作品可以看做某种状态下的自画像？

闫：其实展览里面有一副我的自画像，我发现以往的画家们在不同的阶段都给自己画一副幅自画像，我也给自己画了一张。实际上我之前很惧怕画自己，这次有这种冲动我也是很意外哈哈。绘画的中途我纠结了好久，参考了好多大师们的作品，连戈雅的画册都翻了好几遍，所以这幅自画像充满了在时间里挣扎的情绪（背景就重涂了好几遍），也可以把它看做一件“写生”。

Yan Xinyue 闫欣悦 | Gaze 凝视 | 2024 | oil on linen 亚麻布面油画 | 150 x 120 cm

贺：你在色彩上似乎有意选用了一些“当代”流行的颜色。例如《无题》中的蒂芙尼蓝，灵缇用了婴儿粉，鹦鹉羽毛更具有五颜六色的“时尚感”。

闫：对，在我的画面里，我非常在意一个颜色是怎么跟另外一个颜色相处的。寻觅颜色之间的碰撞和刺激是我绘画过程中的一大乐趣。有时候我的创作是从草稿里简单搭配的色块一步一步发展成叙事的具象。一片充满力量的色块所带来的震撼甚至可以压盖复杂繁琐的刻画。我现在的作品也在倾向于多把颜色的直觉性放大，让它更多地去体现绘画本身的语言。

贺：我还注意到了《自爱时光#3》由两张小的画框去组成了一张作品的方式。这个物理层面的断裂挺妙的，因为你完全可以用一个长的画框来承载画面，这个人物在网上冲着浪，但在现实中又很孤独地做着美容，断裂的空隙瞬间让人感受到了人物境遇的惨淡。而且这个横幅的形式也会让人想到国画里面的卷轴被打开的样貌。

闫：是的，本身这幅画就是留白较多的，它没有过多的情绪，诡异的红光面具和安静的小狗之外更多的是休憩的闲散，但由于是两幅画框拼贴而成，中间的缝隙意外赋予作品一种孤独感和残缺感，现在想想还挺有意思的。

Yan Xinyue 闫欣悦 | Self care #3 自爱时光#3 | 2024 | oil on linen 亚麻布面油画 | 27 x 81.5 cm; 29 x 83 cm (framed 带框)

贺：你觉得移居L.A.之后，会放大自己对文化背景的意识么？你对流动的身份和不停变化的“归属感”是否有了新的认识？

闫：曾经在欧洲读书的时候，我的确会纠结自己的文化背景和作品之间的关系。现在我更倾向于让创作内容自然而然地发生，这样可以允许我在绘画里有足够的自由去探索。我认为只要保持自我的对话，就不需要刻意去定义自己的文化背景，因为一切关于自己的东西（自己的文化背景，经历）已经自然而然地流露到作品里了。关于文化上，我更倾向去探讨这种游离于不同身份文化之间的状态以及所面临的碰壁或是所得到的更包容的视角和智慧，不强迫自己特意去融入新的文化，也不强迫自己一定要履行原本属于的文化，一切都是为自己选择的，自洽的，从“我”出发。在这个展览里，我画了让我十分上头的日剧场景，还有去年过世的我非常崇拜的华人歌手李玟，这些来自日常里的触动对我是真切的。我觉得这应该算是我表达自己文化处境和归属感的一种方式吧。

Coco Lee performing at the Academy Awards ceremony for Ang Lee's film Crouching Tiger, Hidden Dragon, 李玟在奥斯卡颁奖典礼为李安的电影《卧虎藏龙》表演, 2001

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关于艺术家 ABOUT THE ARTIST

闫欣悦（1992年出生于黑龙江，成长在广东）目前常驻于上海与洛杉矶之间。她于2018年取得⽐利时安特卫普皇家美术学院（Royal Academy of Fine Art Antwerp）绘画专业的硕⼠学位。闫欣悦的作品关注着飞速发展的城市化下的人群和他们的状态。她习惯以戏剧化的形式来表达⽇常城市⽣活。闫欣悦的绘画⾥交织着不同的空间层次和⼒量，她⽆意将她的绘画置于明确的叙事⾥，⽽是邀请观者去解读，进⼊⼀个更开放的想象空间。闫欣悦坚持对绘画本身的可能性的探索，同时她的画⾯总以戏谑的态度使观者在严肃的当下现实中挣脱开来，在令⼈沉思的语境下寻找⼀丝玩趣。

闫欣悦的个人和双人展览包括"重游“，胶囊上海，上海（2024）；"A Prayer for the Sunset"，Sans Titre，巴黎（2023）；"To look Is to Eat"，Jack Barrett Gallery，纽约（2023）；"夏日迷雾"，胶囊上海，上海（2020）。群展包括在C L E A R I N G，洛杉矶（2024）；Public Gallery，伦敦（2023）；Harper's，洛杉矶（2023）；Sans Titre，巴黎（2022）；Current Plans，香港（2021）；胶囊上海，上海（2019）；A+亚洲当代艺术空间，上海（2019）；De Brakke Grond弗拉芒文化中⼼，阿姆斯特丹（2018）等。

Yan Xinyue (b.1992) is a Chinese artist who's currently based between Shanghai and Los Angeles. She graduated from the Royal Academy of Fine Art Antwerp (Belgium) with an MFA in painting in 2018. Yan's work portrays the tension in everyday life in the context of rapid urban development. She manipulates objects and subjects into different painterly forms – reality and fantasy are mixed on the same canvas, and the dynamic and the tranquil are blended – revealing the conflict between being a part of society and being an individual. The irony and humor in her paintings invite viewers to escape the solemnity of reality and enter a universe of imagination and possibilities.

Yan Xinyue's solo and two-person exhibitions include Revisit, Capsule Shanghai, Shanghai (2024);  A Prayer for the Sunset, Sans Titre, Paris (2023); To look Is to Eat, Jack Barrett Gallery, New York (2023); Summer Mist, Capsule Shanghai, Shanghai (2020). Her work has also been shown in group exhibitions at C L E A R I N G, Los Angeles (2024); Public Gallery, London (2023); Harper's, Los Angeles (2023); Sans Titre, Paris (2022); Current Plans, Hong Kong (2021); Capsule Shanghai, Shanghai (2019); A+ Contemporary, Shanghai (2019); De Brakke Grond – Flemish Cultural Center Amsterdam (2018), among others.

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