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9月4日，李汉威个展“新绘画”与“新传播”于没顶画廊和上海chi K11美术馆开幕，分别展出全新创作的绘画和装置作品。在与画廊的文字对谈中，李汉威剖析两个展览创作逻辑的异同。

 

“新绘画”

展期：2022.9.4-10.23

地点：没顶画廊

上海市静安区曲阜路9弄下沉庭院负一层1号

 

 

 

展览现场，“李汉威：新绘画”，没顶画廊，上海，2022.9.4-10.23

 

Q: 这次画廊展览标题是“新绘画”。为什么这些作品是绘画？为什么它们是新的？

 

A: 画廊墙上的不是画，是展示页而已，或者说是看向画的本体的渲染视图，而绘画的本体存在于虚拟空间中。展墙上的手机里播放着渲染动画，让观众可以更直观地看见我的绘画。

 

 

渲染动画节选，李汉威《练习-001》2022，计算机工程文件

 

 

渲染动画节选，李汉威《练习-006》2022，计算机工程文件

 

“新”有两个含义。第一，绘画方式是新的：我画了很多单独的笔触，这些是物质性的，然后我利用摄像头将他们转化成一种非物质的形式，再拖拽到虚拟空间中，利用虚拟工具进行灵活的加工处理。我可以拉伸、压缩、扭曲、破坏、任意分配等等，并且所有这些都是反复可逆的。

 

第二，在上述过程中，绘画又产生了新的意义：我特意去除画面中具有明确指向性的部分，专注于工具本身的结构。这些虚拟工具不再是作为处理效果图的工具而存在，相反，这种处理的结果正是绘画本身的意义所在。

 

 

渲染动画节选，李汉威《练习-010》2022，计算机工程文件

 

 

渲染动画节选，李汉威《练习-013》2022，计算机工程文件

 

我通过这些“练习”，试图探究数字时代绘画在形式上的可能性，回应绘画如何在虚拟和现实交叠的世界中继续存在。

 

Q: 那么你在虚拟空间中画的是什么呢？

 

A: 我有意拒绝绘画对象的所谓意义，既摈弃社会观念的影响，也削弱艺术史叙事。这是因为，在我目前阶段，有“意义”的图像很大程度上是一种观念上的干扰。我的目的是探索一种新的绘画存在方式，所选取的形体、纹理、颜色都是不同的试验或“练习”，都是为了更好地服务于这个目标。

 

 

渲染动画节选，李汉威《练习-014》2022，计算机工程文件

 

 

“新传播”

展期：2022.9.4-10.3

地点：chi K11 美术馆 5号厅

上海市黄浦区淮海中路300号K11购物艺术中心B3层

 

 

 

 

展览现场，“李汉威：新传播”，chi K11美术馆，上海，2022.9.4-10.3

 

Q: 装置展览“新传播”看上去由各种现成品组成，是从哪里取材的？

 

A: 装置作品的素材来源于互联网给我倾倒的各种信息，很大一部分是淘宝、微博等平台上大数据算法自动根据我的浏览记录所推荐的内容。具体来说，我这次选取的都是一些通过科技对人的身体与生活进行改造的物件。

 

 

李汉威《与卡戴珊同行》2022，纸、麻布、木材、不锈钢、现成品模型，尺寸可变

 

 

李汉威《过滤99.99%》2022，玻璃钢、纤维织物、树脂、漆，200 x 140 x 45 cm

 

Q: 你怎样处理这些原材料？为什么展厅最终的呈现效果给人“混乱”的感觉？

 

A: 我习惯在虚拟空间中处理各种信息与数据。对我来说，每一种空间经验就像五线谱上的一条线，我的工作就是在这个五线谱上划一个个音符，贯穿不同的空间经验。

 

在展厅最终的呈现效果中，我留下了整个展览在实施过程中的痕迹，让作品的界限变得没那么清晰，它们是散乱的，流溢到他处，有意制造一种“离谱”的状态。在这个过程中，我试图去营造一种当下的人被动经历和处理大量倾倒下来的数据信息后，所产生的一种焦虑与崩溃的情绪。

 

 

李汉威《办公的秘密》2022（局部），木材、树脂、LED灯、不锈钢、塑料、色卡、UV打印、瑜伽柱、布料，尺寸可变

 

Q: 你同时开幕的个展“新传播”和“新绘画”分别展出装置和绘画作品，如何理解你过往以影像为主的创作与这次新作的关系？

 

A: 影像的创作培养了我不会从一个静止物体的角度思考问题。影像中用到的蒙太奇、灯光、镜头调度等等，都是在锻炼我对感光元件中图像的理解和处理方式。这种工作方法在我这里从图像转移到了对信息的编辑中来。这次的装置和绘画可以理解为过往的思路方法发展至不同层面的结果。

 

 

李汉威《奶油般化开》2022，树脂、儿童椅、不锈钢、木材，尺寸可变

 

Q: “新绘画”和“新传播”两个展览，在价值取向和判断上有何异同？

 

A: 如果要说几个系列创作的关系的话，那就是新技术、新工具带来了不同的使用方法、观察视角，它们又引起了新的意义。其中，“新传播”的现实指向比较明确，是我对当下社会现实的一次介入和反思；“新绘画”则有意模糊这种内容指向性，剔除价值判断，从形式和理论的维度，试图拓展绘画的定义。

 

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蔡坚个展“Holdhold&Holdholdhold”于2022年9月4日在没顶画廊正式开幕。我们同时发布画廊与艺术家的文字对谈。蔡坚阐述了首次涉足雕塑的创作逻辑，具体解释“现成的现成品”的时代意义。

 

 

展览现场，“蔡坚：Holdhold&Holdholdhold”，没顶画廊，2022.9.4-10.23

 

Q: 请你先介绍一下自己过往的艺术实践。

 

A: 我出生在潮州，从初中起到广州生活，2018年毕业于广州美术学院油画系。个体生活的变迁令我对都市物质文化的感受尤其深刻，也自然而然对物体和现成品产生兴趣。它们既与我的个人经验相关，又提供了一种反思当代都市生活的路径。

 

 

蔡坚《水平 FG – 20220818007》2021，布面丙烯，45.7 x 180 cm

 

受此影响，我目前推出过绘画系列“水平”和“Hyperfocus”，对象分别是水平仪和镜头。我将这些日常物件放大，反复精准地描绘，消除它们的功能与意义，将它们变成文化符号，形成一种全新的当代视觉体验。

 

 

蔡坚《Hyperfocus 2000102》2021，布面丙烯 ，Φ200 cm

Q: 从平面到雕塑，你的创作有哪些变了，哪些没变？

 

A: 目前为止，我的创作逻辑连贯一致，就是选取并改造一些现成品，在当下这个数字技术、标准化生产主导的时代，离间、改变观看者和被观看物之间的关系，形成一种新的视觉张力。

这次涉足雕塑，确实媒介变了，但是创作逻辑是对过往的延续和深化，或者说是同一套逻辑在不同媒介中的推演。

 

蔡坚《HoldHoldHold-X20100708》2022，玻璃钢、铝、漆，230 (H) x 211 x 223 cm

 

Q: 为什么选取攀岩抓手作为这次的作品原型？

 

A: 我选取创作对象，一直是从图像或形状入手，希望通过图像来展示、解构、重构物品的功能。攀岩石最吸引我的地方在于，它是“半个的物体”，或者说半平面物体，生产出来就是放墙上的，有天然的背面，正面则自带抽象形态。这种抽象性部分来自自然世界中岩石的随机形状，但岩石被挪用成为攀岩抓手后，被纳入工具理性范畴，其设计性和功用性得到凸显。我再将它放大、拼合，使其内在的抽象性在艺术范畴内现形。

 

展览现场，“蔡坚：Holdhold&Holdholdhold”，没顶画廊，2022.9.4-10.23

 

Q: 你为什么将这次的作品定性为雕塑？

 

A: 当我将两块攀岩石背对背拼在一起的时候，它们就有了自己的造型语言，从而成为雕塑。岩点经过放大，产生了疏离、陌生、抽象感；组合的时候，我会优先选择比较突兀的两至三块形状，营造出怪诞、不和谐的氛围。

 

 

展览现场，“蔡坚：Holdhold&Holdholdhold”，没顶画廊，2022.9.4-10.23

 

Q: 可以具体介绍一下何谓“现成的现成品”和它的时代意义吗？

 

A: 我的创作的“现成”性体现在很多方面，包括对于物体的使用，对于经验的使用，以及对于改造现成品这种创作方式的使用。也就是说，鉴于自杜尚以来的现当代艺术史传承，甚至现成品这个概念对我来说也是现成的。在此框架内，我寻求某种反讽、荒谬、自我审视，它关乎波普在数字时代延续的问题。

 

 

蔡坚《HoldHold-X200206》2022，玻璃钢、铝、漆，173 (H) x 247 x 149 cm

从这个意义上来说，我所谓的“现成的现成品”，也可以说是“数字时代的现成品”，它所挪用的不是攀岩石、水平仪或镜头的实物本体，而是其图像固有的信息价值。在挪用这种信息的过程中，我试图融入自己对于生活经验的人为性 (artificiality) 的思辨，从而将信息转化为艺术，为我创造出来的现成品赋予意义。因此，我的创作还有很大的生发空间，我会持续探索“现成的现成品”的当代迭变。

 

蔡坚《HoldHoldHold-X20040510》2022，玻璃钢、铝、漆，227(H) x 228 x 201 cm

 

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