文章管理后台

对位 —— 王川、唐明伟作品展

the Counterpoint-Wang Chuan and Tang Mingwei's Exhibition

—— 李国华

在音乐理论中，“对位”一词，意指两个或多个独立旋律线的巧妙结合，它们各自保持独立又相互呼应，形成一种立体的听觉空间。而当巴勒斯坦裔的哲学家萨义德将此概念引入《知识分子论》时，他将其转化为了一种思想立场：作为知识分子应当保持多重视角，在权威话语之外开辟新的对话空间，在不同旋律之间建立批判性联系，形成思想的“复调”。当我们观看王川和唐明伟的绘画时，这个概念在他们两人的艺术作品中获得了视觉形态的呈现：他们的抽象作品构成了一场无声的“复调”对话，两条独立而又交织的艺术线索，在色彩与形式的交响中，构筑出一幅关于存在、记忆与思辨的思想图景。

王川 房间 2025 布面丙烯 120×100cm

唐明伟 结构想象NO.50b 2025 木板丙烯 176×167cm

王川的画面传递的是一种经历过时间与内心动荡之后的平静。流动的笔触和层层叠叠的色彩，记录的是艺术家生命里一些难以言表的时刻。线条和色块在他的画布上不完全是固定的，它们好像在不断地生成，又不断地隐去。他笔下的那些“盒子”既是封闭的，又是展开的，是一种生命的象征，也是一种思想的容器。

王川 独处 2025 布面丙烯 100×120cm

王川毕业于四川美术学院的中国画系，但同时也画油画。这两种训练使他非常善于将水墨里的流动感和油彩的厚重感结合起来，让它们变成一种偏于中性的表达。1990年，他在深圳举办了“墨·点”的展览，从那时起，他便开始思考空间的问题：如何把立体的房子变成平面的画，如何在画布上保留开放的感觉——2010年后，“盒子”开始出现，这也正是艺术家这条思路不断深入的结果。当然“盒子”产生的直接诱因源于艺术家在西安看到的唐代壁画。它既像一个房子，又像是仕女手中的匣子，又或者是“家”。总而言之一，“盒子”是空间中相对较小的单位，既有限，又藏着各种可能性。同时，王川在画面上也有意追求一种“生”的感觉，他的颜色比较克制，大多是灰调子，笔触也故意显得笨拙，这样画出来的效果会有一种“痛”的感觉，而绝非好看。

王川 蜀母 2024 布面丙烯 80×60cm

这与他在中年遭遇病痛折磨有关，抗癌的“生死”经历，使得王川对于生命的体会异于常人，他对世界的理解也更偏向于精神性，他试图以此平息肉身与精神的紧张，并找到最真实的自己。这让艺术家对确定的形象并不在意，而是更关注表象背后的生命力。2000年后他也画过一批人像，但并没有像他在1980年代伤痕艺术时期那样去具象表达，而是有意把人的脸处理得像“面具”。在他看来，“面具”是一种文化上的盔甲，既是保护，也是伪装。人身上有太多社会角色和身份标签，这些附着的东西让人很难碰到最真实的自己。这些画跟他的“盒子”其实是一个道理——都在探讨人怎么被框住，又怎么找到出口。所以看他的作品，最终看到的不止是一个简单的形象，而是某种生命状态。观者看他的画，有时候会觉得像是在听他一个人倾诉：这里既有他对过去生活的记忆，也有他这些年不断移动、不断调整自己的痕迹。

王川 家园 2024 布面丙烯 140×120cm

王川也时常谈到“乡愁”与“回归家园”这些词汇，他不是具体想回到哪个地方，而是一直在路上的状态，也是慢慢与自己和解的过程。他画里的那些“盒子”也好，人像也好，也都有这层意思——它们既是本人的内心独白，也是他对世界保持的一种观察的距离。那些抽象的形状与颜色，慢慢会变成一些更共通的东西，关于人的脆弱，关于心里放不下的那些事，也关于人对自由的念想。就像他曾引用过的诗人艾略特的一句诗：沉于音乐深处，你不再是听音乐；当乐音不断持续，你就是音乐。

王川 空空如也 2025 布面丙烯 120×100cm

与王川的流动性不同，唐明伟的作品呈现出凝练的结构感与秩序性。他的画面上，观者看不到随性的笔触或偶然的泼溅，所有几何元素——方形、圆形、线条——都似被尺子量过，被计算器算过一样整整齐齐地待在自己该待的地方。色彩也是泾渭分明，该红的红，该蓝的蓝，边界清晰，绝不越界。这其实和他的工作方式有关。唐明伟创作前，会先用电脑建模，用CAD出制作图。哪个图形放在哪个位置，颜色用多少明度，都是事先定好的。他受到了蒙德里安及国内的艺术前辈“新刻度”小组的影响，并试图变得更理性——蒙德里安后期还在追求某种“绝对的和谐”，而唐明伟则想用更精确的方式，去制造一种“力的倾向”，让静止的画面产生一种动势。

唐明伟 结构想象NO.47f 2025 木板丙烯 143×176cm

但有意思的地方也在这里。当我们凑近看他的原作，会发现那些看似完整的色块，其实并不完全是机械画出来的；那些色块的边缘，也会有一些斑斑点点的地方，不那么完美。这些“瑕疵”不是错误，而是一种“机械的失误”（艺术家语）——在极其理性的框架下，艺术家通过不规则的拼贴，刻意保留了一点手工的温度，或者说，保留一点人的痕迹。这种处理方式，让他的作品产生了一种微妙的对话。一边是绝对的秩序，几何结构清清楚楚，颜色分区明明白白；另一边是隐约的松动，线条的抖动，色块的渗透。这种对话，其实也是我们当下生活里常遇到的：规则和自由怎么平衡？理性和情感怎么共存？艺术家没有给出答案，他只是把这个问题摆在了画布上。

唐明伟 结构想象NO.51f 2025 木板丙烯 132×208cm

艺术家也时常谈到自己对数学感兴趣。在他看来，未来很多领域会从“量化逻辑”转向“关系逻辑”——就像从像素图到矢量图的转变，不再存储具体的数据，而是存储生成的原理。正如，当下AI时代，人工智能的逻辑性和人的感性之间，产生的摩擦和对话，与唐明伟在创作中的实验，有着某种共同之处。他用理性的方式搭建了一个框架，然后在框架里悄悄塞进一些不理性的东西。秩序是底色，张力是内容。他邀请观看者进入画面，但不是为了让他们认同某一种立场，而是让观者在他设置的这些“对位”关系里，自己和自己辩论。

唐明伟 秩序与意外13b 2026 木板丙烯 300×300cm

总而言之，唐明伟试图以理性为基石，通过精密的计算与建构，将数学逻辑、几何结构与机械情感转化为可视的、具有力学倾向的视觉作品。他的思考与实践，始终贯穿着对艺术本质、技术演进与个人表达之间关系的深刻探索。

 

唐明伟 结构想象NO.114a05c 2025 木板丙烯 70×88cm

所以，当王川的“流动性”与唐明伟的“结构性”作品并置时，展览空间便成为了一个思想的交响乐厅。两种不同的艺术语言，如同“对位法”中的两条旋律线，各自保持独立个性，又产生对话：王川的作品提出问题，唐明伟的作品则尝试给出框架；王川捕捉瞬间，唐明伟则凝练规则。在这种对话中，我们看到了抽象艺术的广度与深度——它既是情感的直觉表达，也是理性的视觉思辨；它不满足于单一视角，也在寻找对话的可能！

王川 解构之二 2025 布面丙烯 120×100cm

唐明伟 结构想象NO.122f 2025 木板丙烯 176×176cm

而将这两位艺术家的作品放在抽象艺术的谱系里看，他们的对话也恰好触及了两种经典传统——热抽象与冷抽象。王川的流动强调情感的即兴、生命的直觉，画面是内心情绪的投射。而唐明伟追求结构的纯粹、秩序的绝对；王川的流动里带着东方书写性的底子，唐明伟引入了数学、拓扑学、计算机建模的方法。这两位艺术家的实践也分别回应着当下的两个重要命题：个体生命力与人工智能。王川的画面里，那些看似失控的流淌、偶然的痕迹，恰恰是人作为生命个体的真实印迹。它提醒我们，人的情感、直觉、那些说不清道不明的部分，始终是艺术无法被替代的内核；而唐明伟的作品让我们看到，面对人工智能、数字技术席卷而来的时代，艺术家不能只是简单地拥抱或抗拒，而是可以以一种“介入”的姿态，去重新定义技术：艺术不再只是呈现结果，而是可以揭示万物生成的逻辑。

王川 异乡 2025 布展丙烯 162×194cm

唐明伟 结构想象NO.93a 2025 木板丙烯 125×176cm

在艺术创作深受全球化与碎片化影响的今天，“对位”法也提供了一种思维方式：如何在艺术领域保持差异的同时建立联系，如何在多重声音中找到相同点。王川与唐明伟的艺术对话，正是这种思维的视觉化呈现。他们的作品共同构建了一个复调空间，邀请观者放下定见，进入一种开放的观看与思考状态。而在这个复调空间中，我们观看作品，也被作品所观看；我们寻找意义，也在创造意义！

  

---

艺术家王川

1953 生于中国成都

1982 毕业于四川美术学院中国画系

现工作生活于深圳、成都、纽约

个 展

2025 王川 空房间，hiart space，深圳

2024 王川：线的路径，千高原艺术空间，成都

2018 王川：条条-框框，千高原艺术空间，成都

2013 时间的仓库，千高原艺术空间，成都

2010 逍遥与边缘，偏锋新艺术空间，北京

2001 生命的痕迹——艺术回顾展，何香凝美术馆，深圳

1990 墨·点，深圳市博物馆，深圳

1988 王川水墨个展，中国美术馆，北京

艺术家唐明伟

1985 年出生于四川

2008 年毕业于四川美术学院油画系

现工作生活于深圳

个 展

2024 “律与度” 唐明伟几何抽象展，罗湖美术馆，深圳

2022 “形之下”，深圳光明文化艺术中心美术馆，深圳

2021 “秩序游戏”，M50 画廊，上海

2019 具象化的逻辑，"Wang+Art Gallery，深圳

2016 孕含性的顷刻，老码头.二号库 ART+SFACE，上海

凝抽象与几何， 亚洲艺术中心，北京

2007 规·矩——唐明伟个展，感觉艺术空间，重庆

策展人李国华

中国美术学院毕业

从事艺术批评、艺术家研究、展览策划

现工作生活于成都/深圳

©文章版权归属原创作者，如有侵权请后台联系

◆ 李文斌 – L

◆ 可以画廊 – K

K：在你的作品中，“光”似乎并不仅仅是现实中的光线，有时更像一种被强化或再生的存在。在创作时你是从现实光感出发，还是营造一种主观的“光？

L：在我的作品里，“光”不只是现实中的光线，更多是我主动强化、重新创造出来的。创作时，我很少直接照搬现实里的光，更多是从自己的感受出发，去营造一束只属于画面的光。它是我的情绪和精神状态的投射，也是我对“真实”的理解。现实的光只是起点，我更想画出的，是我心里那束更真实、更清晰的光。

K：《眼前看到的就是真的》中人物直视前方，这种目光是看向观众，还是看向画面之外的某个对象？

L：在《眼前看到的就是真的》里，人物的目光不只对着观众，也望向画面之外。我没有做简单对视，而是想让它处在观看与被观看之间。它既回应站在画前的你，也看向自己的内心，朝向一种真实却不确定的精神方向。这目光，是直面现实，也是追问自我。我想表达的是：真实不只是眼前看见的，更是内心抵达的。眼前所见，加上心中所信，才是完整的真。

眼前看到的就是真的 

2025 

纸上彩铅、水彩、色粉 

104 × 75 cm

K：在这些画面中，铅笔的方向保持着统一而有序的节奏，你在创作时为什么会选择这样的处理方式？

L：这大概和我的性格有关，我很享受这种单一、重复的排线过程，它能让我慢慢沉静下来，对我而言，它是一种减法，这不只是创作，更像是在不断重复的过程里，找到属于自己的节奏与平静。

K：有些画面看起来像是生活中的某个片刻，但又有一种被放大的情绪或氛围感。在选择这些瞬间时，你是在呈现事件本身，还是当时的感受？

L：应该两者都有，我更愿意把它理解成：带着当时真切的感受去记录那个瞬间。我画的不只是眼前发生的场景，更是那一刻心里最真实的情绪与氛围。画面里被放大的，也不是事件本身，而是我在那个片刻里，心里最想留住、最希望它成为的样子。

图片由艺术家提供

K：强烈的光、几乎被光线吞没的人物、分裂的边缘，人物既清晰存在，又像在消散。在《就这样一直往前走》《自己迎来的也许是更漫长的一天》这两件作品中，光似乎比人物更具存在感，“光”是否是真正的主体？

L：在我看来，光或许并非真正的主体，它更像是情绪与心境的外化。我刻意将光放大，让它包裹、笼罩着人物，使光比人更具存在感，其实是为了表现人在现实面前的状态——既清晰存在，又仿佛在慢慢消融。这两件作品里，一边是“就这样一直往前走”的坚持，一边又担忧自己迎来的是更漫长的一天。

就这样一直往前走 

2024 

纸上彩铅

52.5 × 77 cm

自己迎来的也许是更漫长的一天

2024  

纸上彩铅

63 × 53 cm

K：在这些作品中，人物和物体并不是传统写实的体积，而是被分解为多个几何块面的结构。这种造型方式是从某种特定的观察中形成的，还是有意识的形体重塑？

L：准确的说，一开始是在玩绘图软件无意中发现的，一开始只是觉得好玩，很新鲜，就像没戴眼镜观察人物，然后凭着理解，模糊地概括勾画体块人物的速写。后来在不断创作中，才慢慢转为有意识的形体重塑。

K：画面中人物被包裹在一个近似透明的球体中，这是一种保护、隔离，是意识空间还是宇宙空间的象征？

L：它更多象征着一种隔离。这个球体，是我为渺小的个体从繁杂世事中隔出的一方天地。我时常想象自己置身浩瀚宇宙，在那里，人与万物都显得如此微不足道。

希望你换种思路想问题

2024 

纸上彩铅、水彩、色粉

72 × 53 cm

K：《窗外，是倾斜的天空》中人物似乎在半㝥之间，空间被分割成了几何片段，绿色与浅色调营造了一种梦境般的氛围。这是不是在描绘一种“醒与梦之间”的状态呢？

L：是的，我觉得夜晚那种半梦半醒的临界状态特别奇妙，就像陷在一段很长的潜意识里。人仿佛漂浮在半空，空间被切割成歪扭的碎片，像梦里那些抓不住的意识片段。柔和的绿色与浅色调，像一层薄雾，将现实与梦境轻轻裹在一起。你能感觉到自己既在清醒，又在沉眠，想要抓住什么，却又什么都抓不住，只是这样漂浮着。

窗外，是倾斜的天空 

2024 

纸上彩铅 

53 × 77 cm

K：这次展览感觉如何？对于之后的创作，有什么想法？

L：这次展览对我而言意义非凡，如同从困顿中挣脱而出，是对过往创作的一次梳理与沉淀。在与观众的交流中，我更清晰地看见作品里的表达与缺憾，也更加坚定了今后的创作方向。

未来，我会继续深耕当下熟悉的艺术语言，同时大胆尝试新的媒介，褪去刻意的表达，回归创作本心。将对生活的感知、对当下的思考，更真诚地注入画面，专注于作品本身，以更稳定、更纯粹的创作，一步一步，坚定前行。

---

关于艺术家 

李文斌，1997 年出生于广东河源，2021 年本科毕业广东第二师范学院，广州美术学院硕士研究生。现生活工作于广州。

创作中，人物是李文斌始终聚焦的表达对象。他们或是某件事的载体，或是某种情绪的凝结，更多时候，是他面对当下的迷茫与诘问：眼前这一切，该何去何从？他试图在作品中捕捉那些理不清道不明的内外联结，在笔触与色彩间追逐、构建视觉意义上的“真实”。艺术家想传递的不是既定答案，而是一份清醒的注视：看见眼前的“真”，也听见内心的声；在不确定中仍选择前行，这本身，或许就是对真实最诚恳的回应。

他的个展有“眼前看到的就是真的”，可以画廊（合肥，2026）；“风声”，广州美术学院 E4 空间（广州，2024）。他参加的群展有 “星垂平野阔”，北极熊画廊 （北京，2025）；“北京当代·艺术博览会”（北京，2025）;“分嘢”, 广州美术学院（广州，2025）;“焕生前行·新锐⻘年“艺”境共生”， 惠生艺术中心（上海，2024）。

©文章版权归属原创作者，如有侵权请后台联系

如果说 Art Basel 是全球瞩目的年度大秀——汇聚顶级名作、星光与社交，那么深圳艺术周则是一场关于城市的“深度呼吸”。

从40+到如今100+参与机构：

这不仅是数字的跳跃，更是美术馆、画廊、工作室与艺文社区交织成的立体网络。巴塞尔用 3 天集中交易，深圳用一周的时间让艺术浸透城市街道。

从白盒子，到城市肌理：

六大板块，让艺术不再是被围观的展品。你可以去工作室与艺术家对谈，也可以在「山池」的咖啡香里，看灵感如何无痕接入日常。

从「文化沙漠」到深港联动：

深港联动的特别项目，保税交易的先锋探索……我们不只是在春日聚会，而是在与这座城市同频共振。

如果你想围观艺术圈「顶流」，巴塞尔是很好的选择。如果你想理解艺术如何深度参与一座城市的成长，深圳艺术周，等待你发现更多精彩。

 开幕 

 Opening 

 3.22 

 公众日 

 Public Days 

 3.23—29 

2026深圳艺术周将于3月22日正式开幕。步入第三年，深圳艺术周与这座城市的文化生态一同迈入新阶段。这不仅是一场年度文化盛事，更是深圳文化生态的一次集中呼吸。历经积淀，我们倍加珍视与深耕深圳艺术生态同仁们建立的默契与信任。艺术周将持续植根城市肌理，以在地机构为核心，秉承 “共生、开放、创造” 的核心价值，从一场年度艺术事件，成长为与城市同频共振、不断激活本地生态的开放场域。

今年，深圳艺术周将通过机构联动、社区共创与深港互动等多维形式，呈现展览、工作室开放、艺术漫游、沙龙、剧场及艺术生活等丰富内容，并同步推进系统性文献出版，对这段携手的历程进行记录与梳理。我们期待这场春天的聚会不止于当下的迸发，更能沉淀为城市文化记忆的一部分。

艺术从来不是单向的表达，而是一场与城市的深刻对话。在第三个春天，艺术周不仅是时间上的重逢，更是深入街巷与空间、在关系网络中蔓延的旅程。艺术从城市的实践中汲取养分，并反过来为城市精神塑形。正是这些真实而缓慢的积累，使艺术得以深度参与城市的成长，见证那份静默而坚韧的力量，让深圳在持续向前的步伐中，走向更开阔的文化远方。

深圳艺术周组委会

展览荟萃 Exhibitions

每年三月，深圳的艺术机构都将此时视为全年的重要交汇期。今年，100+ 家机构将集中呈现其年度代表性展览，形成覆盖全城的春日艺术共振。从本土新生力量到国际知名艺术家，从经典媒介到跨界实验，这些展览彰显出机构对艺术视野的持续拓展。当近百场展览同期启幕，深圳艺术生态将呈现出前所未有的密度、能量与生机。

公共活动 Public+

艺术不仅发生于机构展厅，更通过一系列公共实践，在城市的开放现场中自由生长。今年，深圳艺术周以更开放的形式推动工作室开放、艺术漫游、浪潮之声与海上剧场等多维形式，让艺术在行走、对话与深度参与中被真切感知。公众将走进创作现场，漫步于街巷艺术路线，在沙龙中聆听思想交汇，或在海边沉浸于光影叙事。这些多层次的参与，将艺术从静态展示转化为可对话、可体验、可共享的动态过程，在拉近人与艺术的距离的同时，也为深圳艺术生态注入独特的温度与活力。

艺术生活 Art&Life

艺术正以更轻盈、更高频的方式，在触手可及的生活场景中蓬勃生长。今年，深圳艺术周将展开多元联动：与持续感知自然的咖啡品牌「山池」进行内容共创；并携手众多艺术文化社区，共同呈现艺术市集、公共美育等一系列活动，让公众在轻松、互动的氛围中与艺术自然相遇。在这里，艺术无痕地融入生活场景，共同营造出深圳鲜活、可感、极具当代气息的艺文生活氛围。

特别项目 Panorama

“特别项目”单元将聚焦战略性与实验性的跨界联结，策划多元特色活动，致力于推动深港联动，探索保税艺术品展示与交易领域。我们旨在促成跨地域、跨领域的资源协同，让在地经验与前沿探索相互激发，专业实践与公共价值深度对话。这不仅为本土艺术生态开拓新的可能，更凝聚起区域文化力量，呈现大湾区文化艺术共生共荣的多元图景。

深圳艺术周的生命力，源于每一位同行者的精彩实践。

三年来，深圳艺术周的成长足迹清晰有力：由首届的 40+ 家机构起步，历经上一届 60+ 家积淀，至本届已拓展至 100+ 家伙伴。这些机构遍布城市各处，涵盖美术馆、画廊、综合艺术机构、工作室、藏家空间、艺术漂移以及艺文社区等多元形态，共同构筑起层次丰富、充满活力的生态网络。在此，我们向所有同行者致以诚挚敬意。这份持续生长的共同行动，不仅深刻体现艺术周与机构间的价值共鸣，更进一步印证了深圳艺术生态的强大凝聚力。

美术馆 (Museums) 

画廊 (Galleries) 

 ▼向下滑动 查看完整参展机构名单▼ 

综合艺术机构 (Multidisciplinary Art Institutions)

 ▼向下滑动 查看完整参展机构名单▼ 

艺术漂移 (Guest Projects)

工作室 (Artist Studios)

 ▼向下滑动 查看完整参展机构名单▼ 

藏家空间 (Collectors’ Spaces)

艺文社区 (Arts & Culture Communities)

 南山中部、华侨城及南头古城一带 

 福田、罗湖、香港片区 

 光明、宝安、龙华片区 

 南山滨海片区 

 龙岗、坪山、盐田与大鹏新区