“万能神药”被查!外泌体医美乱象曝光

3月15日晚,中央广播电视总台315晚会曝光医美领域“外泌体神药”乱象:部分企业通过套用生产许可证、包装“技术服务”、借助医疗机构“借台代打”等方式,将未经审批、未经过临床验证、甚至没有产品标识的所谓“外泌体原液”注射进消费者体内,并宣称具有抗衰美容甚至治疗多种疾病的效果。


在监管层面,我国目前尚未批准任何外泌体药品上市,而这一仍处科研探索阶段的前沿技术,却已在消费市场被过度商业化。一位医美行业人士对财联社记者透露,外泌体相关项目在行业内已出现四五年,之前很火,而且相关项目价格并不算高。


值得注意的是,近年来医美行业已多次在315晚会中被点名。茉莉真香创始人晓东告诉财联社记者,在消费医疗领域,部分机构通过“械二套证”等方式绕开更严格的监管要求,使干细胞、外泌体等概念性产品得以进入市场并被过度营销。“相较于三类医疗器械,二类器械监管相对宽松,一些机构正是利用这一灰色空间开展业务,这也是医美乱象屡禁不止的重要原因之一。”


套证生产、借台注射 所谓“外泌体神药”流入医美市场


央视315晚会调查显示,近年来在医美机构和网络平台上迅速走红的“外泌体抗衰”“外泌体修复”等项目,背后存在套证生产、违规宣传等问题。


央视记者根据消费者提供的信息调查发现,一款名为“轻澄”的外泌体产品由灏麟(天津)生物科技有限公司生产。企业工作人员称,该产品核心成分为“外泌体”,但由于相关产品难以取得审批,公司通过“套用胶原蛋白类产品生产许可证”的方式进行生产销售。


与此同时,一些企业还通过将产品包装为“技术服务”的方式规避监管,并与医疗机构合作开展注射业务,业内称之为“借台代打”。在暗访中,记者看到所谓“医用级外泌体冷冻原液”包装上既没有生产企业信息,也没有批准文号和成分说明,属于典型“三无产品”。


在收费方面,上述企业负责人介绍,相关疗程通常分三次注射,总计约6000亿颗粒,费用约6万元。


央视315晚会指出,相比普通护肤产品,注射类医美项目一旦使用来源不明的生物制剂,风险显著放大。所谓“三无外泌体”缺乏规范生产工艺和质量控制,其来源细胞、纯化过程及残留杂质无法确认,可能携带宿主细胞DNA、RNA或内毒素等杂质,从而引发感染、炎症反应或免疫异常。社交平台上亦有不少消费者投诉称,在接受所谓“外泌体抗衰”项目后出现面部感染、严重痤疮或过敏等情况,显示相关风险已在现实中显现。


据媒体报道,新氧安心美小程序上显示,新氧有乔洛施AR外泌体项目在售,价格为999元/3ml(券后950元),并导流至线下医美机构。但“315晚会”曝光后,新氧方面对媒体回应称,外泌体项目目前均已下架。目前在新氧小程序和网页中搜索关键词“外泌体”,均无相关商品或内容。


财联社记者就此事采访新氧,截至发稿尚未获得对方回复。


同样,目前在“更美”App、京东、淘宝及美团等三方互联网服务平台搜索“外泌体”,均已显示查无信息。


一位医美行业人士今晚告诉财联社记者,外泌体相关项目之前比较火,四五年前出来的,而且相关项目并不贵。


“据我了解现在行业违规使用外泌体的现象很多。”晓东向记者介绍称,“‘外泌体’的概念在全球范围内非常火热,产品也很多,优势在于它有极强的诱导信号,这对于胶原或其他营养,如何生长,在哪里长是很重要的。但在国内,目前没有任何一款外泌体产品获得批准,其作用是否稳定、一致,是否能够形成明确功效,以及相关作用机制,都缺乏统一规范和标准。例如不同细胞囊泡有不同的作用机制,外泌体是用来淡纹、美白或是抗衰都不好定义。”


晓东补充说明,同时外泌体在国内一直没有被确认分类,去年6月CDE发布过征求意见稿,将细胞外囊泡(含外泌体)纳入“先进治疗药品(ATMP)”体系,与干细胞、基因治疗并列。外泌体是通过水光注射进皮肤的,这种打法叫作中胚层治疗,在全球范围内都属于药妆范畴,但在国内属于医疗器械。所以外泌体是非常复杂的,理论上来说,从疗法来看它属于医疗器械,但从作用原理来说,又属于药品,“所以我认为,如果它有朝一日获批,大概率是药械组合。”


医美乱象屡遭315点名 监管盲区与责任缺位并存


事实上,医美行业乱象近年来已多次在315晚会中被点名。从“医美速成班”,到近年来315晚会揭露的假冒玻尿酸流入市场,再到部分医美机构夸大功效、违规开展注射类项目,部分消费者甚至因此出现严重医疗事故,相关问题屡次曝光。


值得注意的是,从行业整体情况来看,医美领域的合规风险也并非个案。公开数据显示,在从事医美相关业务的企业中,约2.06%的企业涉及法律诉讼,1.91%的企业存在经营异常记录,2.12%的企业曾受到行政处罚,另有约0.17%的企业被列为被执行人,显示该领域在快速扩张过程中仍存在一定监管挑战。


从具体案例来看,央视315晚会曝光的涉事机构之一——天津河东美莱医学美容医院有限公司,也曾多次受到监管处罚。公开信息显示,该公司成立于2014年3月,注册资本3000万元,由美莱医学美容集团有限公司、厦门华医馆投资有限公司共同持股,经营范围包括医疗美容服务、医疗服务及生活美容服务。


天眼查风险信息显示,该机构存在多条行政处罚记录。例如,2025年7月,该公司因违规发布广告被监管部门处罚;2024年6月,因未按照医疗器械适用范围使用医疗器械被罚;2021年4月,该公司因未依照规定存储麻醉药品和第一类精神药品被警告。此外,该机构还曾多次因医疗纠纷被提起诉讼。


针对当前存在的医美行业乱象,晓东认为,我国所有消费医疗服务中都存在一个极其严重的问题——大量械二套证,相对于械三,械二的监管更松散,导致市面上存在非常多的干细胞、仿制GLP-1产品等,这些事件屡见不鲜。


要减少甚至杜绝行业乱象,晓东提出两点建议,第一,目前医疗器械上游生产商很少承担责任,应出台相关法律法规,在产品使用不恰当时使其和机构共同承担责任;第二,监管先行,例如在外泌体还没火起来的时候就进行管理。


外泌体产业尚处早期 国内外多家企业布局研发


事实上,在生物医学研究领域,外泌体(Exosome)是一类近年来备受关注的研究对象。


外泌体是一种由细胞释放的纳米级细胞外囊泡,直径通常约为30—150纳米,由细胞内多囊泡体与细胞膜融合后释放到细胞外。其内部可携带蛋白质、脂质以及mRNA、miRNA等多种生物分子,因此被认为是细胞之间进行信息传递的重要媒介。


近年来,随着再生医学与细胞治疗技术的发展,外泌体逐渐成为科研热点,其潜在应用主要集中在再生医学、疾病治疗以及药物递送等方向。例如在组织修复领域,外泌体被认为能够通过调节细胞微环境促进皮肤、骨骼及神经组织再生;在疾病治疗领域,其天然纳米载体特性也被探索用于肿瘤免疫治疗或核酸药物递送。


在医美护肤领域,目前韩国企业ExoCoBio推出的ASCE+、EXOMAGE等产品,以及国内三禾医疗、远想生物、捍马医疗、天津外泌体科技、佰傲医学等企业推出的相关产品,均已在部分市场实现商业化应用。


与此同时,全球多家生物科技公司也在推进外泌体药物研发。例如Evox Therapeutics正在开发基于外泌体的核酸递送平台;Capricor Therapeutics推动外泌体疫苗及再生医学疗法进入临床研究阶段;Aegle Therapeutics开发的干细胞外泌体疗法已进入临床研究,用于治疗糖尿病足溃疡等疾病。


不过,从整体产业发展阶段来看,外泌体技术仍处于早期探索阶段。目前全球多数外泌体疗法仍停留在临床研究阶段,尚未形成成熟的商业化药物体系。


在监管层面,国家药品监督管理局药品审评中心曾发布相关技术指导原则征求意见稿,提出对于具有治疗功能、依赖活性成分发挥作用的外泌体产品,应按照药品路径开展研发与监管,以防止相关技术被滥用。


来源:财联社

记者:卢阿峰 何凡

3·15丨中药材质量不合格报告

中药材及中药饮片作为传统中医药的核心载体,也是中成药的核心原料,其质量直接关乎中医药的临床疗效。


据药智网统计,2025年中药材抽验不合格数量为588批次,同比2024年下降1.38%,不合格药材品种达171种,中药材不合格数量在药品质量不合格统计中连续5年占比第一。

01、中药材质量不合格年度数据


根据药智网对2025年全国药品质量抽检公告的统计,全年共发现792批次不合格药品,其中中药材质量问题尤为突出。数据显示,588批次不合格案例涉及中药材,占不合格药品总量的74.24%,涉及171个药材品种,较2024年的202个品种有所下降。


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图1 2025年药品质量不合格品种总览


2025年中药材不合格批次占总不合格药品批次比例同比略有下降,但仍居各类不合格药品首位。中药材具有来源广泛、品种繁多、加工工艺多样等特点,其质量管理涉种植、炮制、运输和销售等全流程环节,难以实现有效管控。


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图2 2019年至2025年中药材占总药品不合格批次的比例变化


02、2025年中药材质量不合格企业榜


2025年中药材质量抽检数据显示,河南尚华堂药业股份有限公司位于榜首,共有11批次抽检不合格,安国市祁澳中药饮片有限公司、湖南省弘华中药饮片有限公司、邵阳神农中药科技发展有限公司并列第二。排行榜中企业的主要共性问题为性状、水分、含量测定不合格,这也是中药材质量的几个常见问题。


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图3 2025年中药材质量不合格企业榜


03、2025年中药材质量不合格品种榜


2025年全国中药材质量抽检共检出不合格品种171个,共计588批次,款冬花以50批次位列榜首,山楂(34批次)、红参(25批次)、山药(20批次)、五加皮(19批次)、葛根(19批次)紧随其后,其中14个品种不合格批次超10次。在2025年的中药材抽检品种中,款冬花的不合格批次远超其他品种,与2024年的抽检批次相比增加了29批次,增长率为138.1%,这也是款冬花首次登上中药材质量不合格榜首。


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图4 2025年中药材质量不合格品种榜


04、2025年中药材质量不合格检测项目榜


2025年国家和省市药品质量抽检公告显示,性状不合格连续五年位居中药材质量缺陷首位。中药材的性状包括形状、大小、色泽、表面特征、气味、断面等多个方面,是其宏观和微观特征的总和,是鉴定真伪、优劣的重要依据。性状不合格源于种植采收不规范、炮制工艺失控、仓储运输条件不当等全链条因素。


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图5 2025年中药材质量不合格检测项目榜


近2年监测数据显示,性状、水分、含量测定三项核心指标稳居不合格项目前三,整体不合格频次较2024年有所上升;其中杂质检测项不合格频次增长率最高,约113%。灰分、鉴别等物理指标合格率保持稳定,性状、水分等关键指标不合格率出现反弹。


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图6 2024年和2025年不合格项检测项目对比


05、2025年中药材质量不合格抽检省市分布情况


2025年中药材质量抽检数据来源于国家药品监督管理总局、江西、陕西、湖北、广西、山西等省份的抽检公示公告。其中江西省公布的不合格批次最多,共120批,占总批次的20.4%。


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图7 2025年中药材不合格抽检省份分布


对比2024年中药材抽检省市情况,新疆、河南、四川、内蒙古等省(区、市)的中药材不合格批次有了明显下降。2024年位居前五的省市,除了江西省以外,湖北、内蒙古、四川、辽宁均有明显下降,辽宁省2025年中药材没有抽检到不合格批次。另外,国家药品监督管理总局抽检的中药材不合格批次较2024年也有明显的增长,增长率为97.2%。


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图8 2024年和2025年抽检省份对比


结语:2025年数据显示,中药材不合格批次占比虽同比略有下降,但中药材质量问题仍为药品监管重点与行业痛点。中药材质量评价涵盖生药与饮片品质、炮制加工规范度、调配及制剂工艺水平等维度,来源、品种、加工工艺均为关键影响因素。


目前,国家层面已构建中药材质量全链条监管政策体系,未来仍需聚焦种植、加工、流通、使用等关键环节协同管控,企业、药农、消费者协同参与质量管理,持续提升中药材质量水平,保障公众用药安全有效,推动中医药产业高质量发展。


免责申明:统计数据来自各省市药监局官网。笔者已经剔除药监局标记的假冒药以及重复数据,但仍可能存在未被相关部门发现的假冒药品。因官网数据不断更新,统计结果会有微小偏差,仅供参考。


附:药品安全消费提示


1.食品药品监督管理局提醒消费者在合法正规的医疗机构、药店等购买药品并索取保存相关凭证;购买药品时要注意查看外包装的相关标识,如生产日期、有效期、生产企业、批准文号等是否齐全,是否在有效期内;必要时,可登录相关网站查询核实药品注册相关信息;购买药品后要按说明书标明的贮藏条件保存药品,并按医嘱或用法用量服用药品,特别注意说明书上的不良反应、禁忌、注意事项等内容。


2.药品信息查询途径

>国家药品监督管理局(NMPA)网站

>药智数据相关网站


来源:药智网

深圳艺术周|张培力:在技术的废墟里,打捞仅存的诗意

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1988年,张培力用一台录像机拍下自己反复摔碎、粘合一块镜子的过程,完成了《30×30》。


但对他来说,那不只是中国录像艺术的起点,更是一个关于“重复”与“系统”的开端。


也是从那时起,他开始追问一个至今仍未完成的问题:在技术不断重塑现实的当下,艺术还能留下什么?那个被挤压到边缘的、被称为“诗意”的东西,它还在吗?


3月22日,海上世界文化艺术中心(SWCHC),张培力个展《仅存的诗意》正式开幕。展厅里,被剖开的煤气罐镀上金色内壁、机械臂在沙盘上循环压印又抹去俗语格言、观众躺下时音响床垫开始发出声音……这些冰冷的技术装置,被他拉进展厅,成为一段关于工业、记忆与人性边界的追问。


今天在展览开幕现场,我们和张培力聊了聊。关于煤气罐、关于技术、关于在AI时代,那“仅存的诗意”究竟藏在何处。以下,是我们从现场带回的第一手记录。


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艺术家张培力现场访谈

张培力

张培力,1958年出生于浙江杭州,1984年毕业于浙江美术学院(现中国美院)油画系。作为中国当代艺术最具影响力的先驱之一,他不仅是“85新潮”美术运动的核心人物,更因其在1988年创作了中国第一件录像作品《30×30》,被誉为“中国录像艺术之父”。





关于煤气罐:

“我不想给它一个明确的定义”

在展览“仅存的诗意”中,一件以煤气罐为核心意象的作品格外引人注目。


“这件作品是我个人的记忆,也是很多人的记忆。”张培力说。这个曾经承载家庭日常的物件,最早出现在他小时候,“它是一种生活转变的标志——从煤球煤饼到煤气罐,当时给很多人带来欣喜若狂的感觉,因为不是每家每户都能得到,它标志着家庭生活的改善。” 但过了三四十年,它的地位变了,它逐渐隐匿,成了特定阶层的符号。


张培力带着某种近乎孩童般的好奇,耗费重金打造了一台机器,只为剖开这个日常物件的躯壳。

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“张培力:仅存的诗意” 展览现场

他一直在寻找怎么让里部和外部产生巨大反差。“试过金箔,不够亮,出不来镜面效果。后来找到一家工厂做纳米涂层——最新的技术。外部保持原样,内部变成金灿灿的镜面。”


“里面的金色和外部的陈旧、被摩擦过的油漆,这种关系意味着什么?我不想给出明确的界定,”张培力说,“艺术品有这样的视觉效果,会给人很多角度的提示和想象,这个空间是留给观众的。”


这种开放的态度,贯穿了他整个创作理念。“仅存的诗意”这个展览主题,指向的正是工业性与技术机械性中,那些被挤压到边缘的、依然残留的人本存在。




关于技术:

艺术家不能被技术裹挟

作为中国最早的观念和新媒体艺术家,张培力对数字媒体技术与AI的运用持谨慎态度。“技术只是借用挪用,真正重要的是艺术家的观念。我们需要客观冷静地看待艺术的本质,而不是盲目追随新技术。”


这种警惕,源于他长期的创作实践。过去十年,他尝试使用机械装置和金属材料等媒介进行创作,但由于身体接触的媒介限制,创作过程十分困难。他坦言,这与中国艺术教育环境密切相关——相比于日本工业化进程的积累、欧美孩子从小浸染的汽车文化,中国艺术家在媒介接触上存在天然的不足。

“张培力:仅存的诗意”  展览现场

“我们受的教育,跟机械、跟绘画以外的媒介接触很少,几乎为零。除了画画,我们什么都不会。今天还是这样的问题,这是中国艺术教育埋下的问题。”


然而,他始终保持着对材料的好奇心,在艺术家、工业、科技与日常生活的融合中寻找突破。




关于互动:

观众参与不是作品的标签

在张培力看来,当代艺术最大的特点是观众的参与。


“观众的审美、态度、习惯和文化背景各不相同,通过参与作品的互动过程,观众会获得不同的角度和感受。”


但他也强调,互动不能成为作品的标签。“如果互动变成一种必须完成的任务,反而需要警惕。”


“有时候我会把自己想象成一个观众,从观众的角度考虑作品。没有观众,今天的作品就不完整。” 他把观众的感应纳入作品的完成环节,却始终保持克制。


“艺术的核心,还是艺术家自己的观念和表达。”

“张培力:仅存的诗意”  展览现场




关于创作:

反复推翻,才是常态

从1988年《30×30》开启中国录像艺术先河,到如今,张培力的创作始终在“变”“不变”之间寻找平衡。他的灵感来源于与他人的交流,有时会突然想到其他事情,但也会不断推翻原有的想法。“创作过程中,反复思考和反复推翻,是再正常不过的事。”


他坦言,个人经验、生活经历和环境对作品的影响无处不在。他警惕风格的固化,也警惕对流行的追随。“一旦跟随流行、随大流,你就消失了。艺术家很重要的一点,是保持个人的角度和语言上的立场。重复自己是非常危险的。我一直保持一种怀疑,对流行的东西保持警惕。什么东西一旦变成流行,它都是一个问题。”


从1988年的《30×30》到今天,张培力的创作始终在追问同一个问题:在技术不断重塑现实经验的当下,艺术还能提供怎样的观看方式与思想可能?


面对AI浪潮,他选择保持冷静;面对互动潮流,他警惕标签化;面对媒介变迁,他始终将人的立场置于技术之前。这种近乎“保守”的姿态,恰恰构成了他作品中最锋利的态度。


而正是这种态度,让《仅存的诗意》这场展览,在深圳这座被速度定义的城市里,显得尤为珍贵。


《仅存的诗意》展期将持续至7月21日,地点位于海上世界文化艺术中心。展览由策展人侯瀚如策划,呈现张培力近年来的重要创作脉络与观念探索。


目前,2026深圳艺术周正在火热进行中,全城百余家艺术机构同步带来丰富展览与公共活动。使用ArtOnTime App小程序,即可一键获取艺术地图,实时查看展讯详情、规划看展路线,让你的观展效率翻倍,不错过每一场心仪展览。


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深圳艺术周|沈远:时差不只是7小时,更是文化的缝隙

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1990年移居巴黎后,沈远的生活里多了一个“7小时”。


但对她来说,时差从来不只是地理概念。


3月22日,海上世界文化艺术中心(SWCHC),沈远个展《时差》正式开幕。展厅里,废弃的沙子银行模具、与先生黄永砅兄弟合作的创作、用冰做成的舌头……这些日常物件,被她拉进展厅,成为一段关于迁徙、记忆与身份的故事。


我们赶在正式对谈开始前,和沈远聊了聊。关于时差、关于城中村、关于一个移民如何用艺术跨越语言与文化的缝隙。以下,是我们从现场带回的第一手记录。


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艺术家沈远(左二)访谈现场


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沈远

沈远,1959年出生于福建仙游,1982年毕业于浙江美术学院(现中国美术学院)国画系。作为中国当代艺术史上极具代表性的女性艺术家,她的创作脉络与20世纪80年代的先锋艺术浪潮紧密相连。1990年移居巴黎后,跨文化的生存体验成为她艺术表达的核心驱动力。





关于时差:

不只是7小时

更是文明的缝隙

在个展《时差》中,沈远将个人三十余年的迁徙经验,转化为对文化、身份、空间差异的持续追问。展览中的许多作品,都与家庭、情感、日常记忆紧密相连。


“移民经历让我更敏感于那些被忽略的人与物” 沈远说,“也让我更关注艺术如何在不同文化之间搭建桥梁”


策展人崔灿灿在现场给出了更深的解读:“时差不仅是物理意义上的时差,更是一种文明的时差。” 


在他看来,城中村对时间的理解,与现代化的高楼大厦截然不同——这种差异本身,就构成了深圳独特的城市纹理。

“沈远:时差” 展览现场




关于深圳:

城中村与高科技的共存

沈远特别提到一件与深圳直接相关的作品《城中村村中城》。早在深圳第十届双年展上,她就用“汗露”和“来深圳的都是深圳人吗?”两件作品,表达了她对这座城市最直接的感受。


“城中村是深圳的重要组成部分,它与高科技的共存关系,构成了深圳的城市基础。我们应该用更开放的态度去思考深圳的发展。”


她认为,移民对城中村的感悟比一般人更深——城中村不仅是一种物质空间,更是新移民获得机会与发展可能性的基础。“深圳的开放和包容,让它很难追究任何人的原籍。这种特质,让我在深圳的创作中,也感受到了新旧之间的时差。”

“沈远:时差” 展览现场




关于语言:

从“白费口舌”

到找到自己的声音

沈远的作品《白费口舌》,灵感来自法语中“langue”一词的双重含义——既指“舌头”,也指“语言”。她用冰做成的舌头模具,凝固了她初到法国时面临的语言困境。


“那时候觉得说什么都没用,语言像一堵墙。”


但后来她发现,语言也可以保护自己,而感性的表达,则成了她跨越文化障碍的路径。


疫情期间,她在封闭状态下创作的作品《垂钓巴黎的空气》,利用杜尚的《新鲜寡妇》(Fresh Widow)和《巴黎的空气》作为视觉原型,将一扇法式木窗改造为垂钓工具,把个人丧偶之痛与疫情封锁结合;


作品《如鱼得水》则化用了中国成语,在跨文化语境中呈现出新的意涵。

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沈远,《白费口舌》,1994

冰、刀,尺寸可变

© ADAGP Shen Yuan

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沈远,《垂钓巴黎的空气》,2020

“沈远:时差” 展览现场

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沈远,《如鱼得水》,2001

布里斯托蓝色玻璃、海盐、木船、鱼、水

1000 x 1000 x 350 cm

©沈远




关于创作:

感性与理性之间

沈远的创作,始终在感性与理性之间游走。她不避讳情感,也不回避社会议题。


“艺术需要情感,也需要感性。” 

她坦言,移民经验让她更关注那些被忽略的人与物,也更关注艺术如何在不同文化之间搭建理解的桥梁。


从福建到巴黎,从巴黎到深圳,沈远的故事,其实也是一个关于“时差”的故事——在跨越中迷失,也在跨越中找到自己的位置。


《时差》展期将持续至7月21日,地点位于海上世界文化艺术中心。展览由策展人崔灿灿策划,呈现沈远近年来的重要创作脉络。


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蜂巢频率|以裂为形:对话方媛

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▲ 方媛于HEM和美术馆驻地工作室创作现场 

(图片由和美术馆提供)

编者按:

“蜂巢艺术”作为蜂巢当代艺术中心的公众号,本年度将开启「蜂巢频率/
Hive
Frequency」线上栏目,不定期推出与艺术家、策展人以及其他业内人士的对话,以此走近他们的创作与思想场域,基于学术研究目的和方向,尽最大可能去呈现他们艺术创作背后的观念、逻辑与现场。“蜂巢”,隐喻人类聚集性生存方式及其思想繁杂性的存在状况。“频率/
Frequency” 既是艺术、声音、传播术语,也是 AI
和大模型里的标准术语,指向了振动、频率、场域和共鸣,在艺术领域则恰恰对应了艺术气场、审美同频和观念共振,就此指向观念的共振、知识的聚合和思想的可识别性。

在2026香港巴塞尔艺术展开启之际,「蜂巢频率/
Hive
Frequency」栏目开篇对话方媛,恰逢艺术家受邀在和美术馆进行为期4个月的驻地创作。一边是熟悉的故乡场域,一边是长期身处的纽约国际语境,两种既相似又不同的城市节奏交融汇合,给她的创作带来了新的灵感。蜂巢携带她参加香港巴塞尔的作品,正是她在驻地创作期间完成的;在本月初,方媛还参展了龙美术馆的“回响:她们的世纪”大展,该展精选了来自20多个国家和地区近200位女性艺术家的作品,时间跨度从20世纪初至今超过百年。2024年,方媛在龙美术馆举办了“激浪”个展,这也是龙美术馆举办迄今最年轻艺术家的个展;也是同年,方媛入选2024“福布斯亚洲30岁以下杰出人才(Forbes
30 Under 30 Asia)榜单”。

方媛的创作,始终在身体、情绪与能量之间展开;从深圳到纽约,跨文化的成长经验让她选择以抽象作为最直接的表达方式,在大尺幅的画布上,以强烈的色彩、流动的线条与充满张力的画面结构,构建出独属于自己的视觉语言。本次对话将与大家共同走进她在抽象之中构建的精神世界,在对话中呈现她对创作、地域与自我的关系。

在2026香港巴塞尔艺术展期间,方媛的驻地工作室将于3月23日起向公众开放。观众可凭和美术馆票访问参观(「艺术家驻地工作室」位于展厅五),近距离欣赏方媛的最新作品,并有机会与她面对面交流。

第一期

「蜂巢频率/ Hive Frequency」

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 方媛

 以裂为形 

让痕迹成为结构,继续发光 

HIVE:从你离开深圳赴纽约求学至今,这次在和美术馆的驻留,应该是你回国生活时间最长的一段经历。从创作心境、创作状态,以及重新回到国内生活的体验来看,你有哪些特别的感受?与纽约的创作氛围相比,你觉得有哪些最直观的不同?

方媛:我认为最大的不同在于,在这里艺术似乎尚未成为大众接受的职业路径。在深圳,当我告诉普拉提教练我是画家时,对方会十分惊讶。然而在纽约这则非常自然。在深圳我并没有什么艺术圈子,也没有什么朋友,因为读的是重点高中国际部,同学们大多都留在了美国,但因为我本身比较内向,不需要什么社交,所以还觉得挺清静开心的。

另外一个物理层面的差别是在国内进行创作相关的制作非常方便。比如订个画框在纽约需要等待一两个月才能送到工作室,但在国内通常几天就可以完成。

不过总体来说,我现在已经成为那种无论身处哪里都会持续创作的人,所以环境的不同并不会对创作产生特别大的影响。

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▲ 方媛于HEM和美术馆驻地工作室创作现场 

(图片由和美术馆提供)

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▲ 方媛位于纽约布鲁克林的工作室

HIVE:你曾提到绘画是 “心灵避难所”,就目前的创作状态而言,更多是向内的安顿,还是向外的表达,你如何看待这两个倾向?

方媛:由于去年我经历了一些健康上的问题,多少影响了我对创作的理解,也在一定程度上改变了我的性格。回想五年前我在蜂巢举办首个国内展览,到两年前在龙美做第一个机构个展时,面对不少争议和比较,那时我还是一个很“劲劲儿”的初出茅庐的倔强女孩,越是被质疑,越要向大家证明自己。如今,我对外界评价看得淡了,创作更多是为了自己,只要觉得自己还是处于一条正在进步的道路上便已足够。因此,我不想用“向内”或“向外”来定义我与创作的关系,更准确的描述是我如何看待创作本身。

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▲ “方媛:激浪”展览现场,龙美术馆,2024(图片由龙美术馆提供)

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▲ “蜂巢·生成”项目第三十八回 “方媛:镜滞”,展览现场,蜂巢|北京总部,2021

HIVE:你的作品给人印象是非常强调身体性与能量感,你如何理解绘画与身体之间的关系?在大尺幅创作中,你如何控制情绪、笔触与画面节奏?

方媛:从准备去年秋天在纽约切尔西
Skarstedt
的个展“割礼”开始,我的绘画不再像以前那样具有很强的身体性。过去我的绘画方式更依赖身体的大幅度动作,而现在更像是用手肘甚至更细微的控制来工作。我开始更多关注画面中细碎、微妙的形态,而不是像以前那样带有那种“劲劲儿”的、激烈的表达方式。通俗地讲就是身体不太好,“劲”儿不动了。

随着创作方式的变化,我现在越来越关注层次之间微妙的张力,因此,绘画现在对我来说不是情绪的宣泄,而更像是一种在时间中逐渐形成的秩序,在拆解与重组的过程中完成。

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▲ 方媛大尺幅作品《三式》(240×200cm×3)亮相2024迈阿密巴塞尔艺术展

HIVE:关于你最近参加龙美术馆举办的“回响:她们的世纪”,这个展览精选了来自20多个国家和地区近200位女性艺术家的作品,时间跨度也从20世纪初至今超过百年,这次参展你有什么感受吗?展览旨在“希望通过对艺术家们艺术创作的全面展示,让每一位步入展厅的观众能够认识她们、感受她们,进而理解、支持她们”,那么你认为你的作品是如何在这个展览中产生互动、回应“她们”这一展览主题的?你个人又如何思考“女性议题”?

方媛:能够参与这样的展览,对我来说是一件很有意义的事情。展览汇集了来自不同国家与文化背景的女性艺术家,时间跨度也不短,这种历史维度本身就让人意识到女性艺术家在艺术史中逐渐被看见和被重新书写的过程。

对我个人来说,我并不会在创作时刻意以“女性议题”作为出发点。我的创作更多是从个人经验和身体感受出发,比如关于身体的不完整、修复以及时间的痕迹。但这些经验本身又不可避免地与女性身份和经验产生联系。因此,当作品被放置在这样一个以“她们”为主题的展览中时,会在一个更广阔的语境中被重新阅读。

如果说我的作品与这个展览产生某种互动,我觉得可能是在一种更微观的层面上。它并不是直接去表达某种关于女性的宏大叙事,而是通过非常个人化的经验和感受去呈现作为女性代表了什么这一命题。在某种意义上,这些个人经验也构成了“她们”的一部分。

让我感触颇深的是开幕酒会时,与两位资历深厚的女性艺术家同席,大家交谈的多是孩子的话题,比如自己的女儿刚当了母亲。这让我不禁思考起母职对创作的影响。由于健康原因,我个人并没有生育的计划。作为一个即将迈入三十岁、单身且很可能不育的女性艺术家,这样的场景让我心中五味杂陈。

作为一名“年少成名”的艺术家,我经常听到年长的女性艺术家告诉我有多幸运。几十年前,甚至直到十年前,作为一名亚裔女性艺术家在西方艺术界的生存状态都是完全不同的。然而,我从未在美国艺术圈感到自己作为女性或亚裔遭遇过不公正待遇。反而是在国内的某些场合被贴上的“女性”标签其中常常掺杂着嫉妒和不理解。也许我是第一波早早就“能干了的事儿都干了”的中国女性艺术家之一,而很多人仍未能接受这一现象的出现。

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▲ 艺术家方媛在参展作品前,龙美术馆 “回响:她们的世纪” 展览现场

HIVE:自你在蜂巢当代艺术中心的首次个展 “镜滞” 以来,你的身份背景、深圳和纽约双城的生活经验,以及在深圳和纽约接受的不同艺术观念教育,一直是讨论你作品时无法绕开的线索。面对多重文化的交织与碰撞,你如何看待自己介于两种文化之间的创作状态?

方媛:我在纽约生活超过十年,但始终在美国被视为非常“中国”的面孔,比如我的数学很好、从小在应试教育中成长、是独生子女、喜欢吃“奇怪”的动物部位等等。我也不回避自己的中国性,近几次在国外的个展vinyl都特地写了中英文的“方媛与展览名称”。而回国后,尤其这次待得久,我又感觉自己像个“外宾”,比如完全没有在晚宴上敬酒这项技能,到今天仍然不太适应叫老师这种说法。三年前疫情后第一次回国时,我发现自己对国内的艺术生态几乎一无所知,什么名字都不知道,参加活动时和前辈艺术家一起等厕所也认不出人家是谁。再加上我本身就非常不擅长记人名和认脸,在社交场合经常会有些不知所措。反而更熟悉美国的艺术圈,比如哪个艺术家住哪个街,最近谁在闹离婚这种八卦。这让我处在一个非常尴尬微妙的状态,我既算是“土生土长”的中国人,回国却又需要重新适应国内的文化和工作方式,甚至用中文在艺术圈内社交、谈论自己的创作都还有些不自信。

这种介于两种文化之间的状态,有时会让我感到错位,但某种程度上也塑造了我看待世界和理解自身的位置。我觉得自己的经历是否也代表了在全球化浪潮中成长的一代?

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▲ 方媛 《我的心是风暴》 2025 布面油画 210×170cm  

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▲ 方媛作品参展中国美术馆“物之语:绘画材料与绘画语言的探索研究展”,2026年1月

HIVE:你近几年的项目十分密集:2024年在龙美术馆举办个展“激浪”,又在伦敦Skarstedt推出个展“险水”;2025年于纽约Skarstedt
的“割礼”个展亦收获热烈回响,2026 年初又亮相中国美术馆群展,紧接着便是此次和美术馆驻留项目。你会如何梳理与总结近年的创作脉络?

方媛:觉得自己创作中的一个重要转折点是去年的个展“割礼”。在创作那一批作品时,我的身体状态一直不理想,画廊也提出了将展览改期这一选项。但我“劲劲儿”的脾气又来了:人只能活一次,不如借此挑战一下自己。当时身边很多人都觉得我疯了。

在那一批作品里,我开始大量使用留白。这既是对中国传统山水画的一种回应,也与我当时的身体经验有关——某种意义上,那是一种对不完美状态的承认。我的人生轨迹和身体都经历过某种“被切除”的时刻,而画面中的空白,某种程度上正是这些缺失与断裂的回声。

那次展览同时也是我在媒介上的一次转变:从长期使用的丙烯正式转向油画。展览中的多件作品也被美国多家基金会与机构收藏,并被多家重要媒体报道,这对我来说也是一种意外的回应。

我其实会比较刻意地回避用“系列”去划分不同阶段的作品。不过这次的作品和我上一次在国内做展览时相比,面貌上会有比较明显的变化——毕竟上一次在国内做展览已经是两年多以前了。

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▲ “方媛:割礼”展览现场,纽约切尔西 Skarstedt 画廊,2025年

HIVE:最后想和你聊聊有关当前阶段的创作思路,以及创作中“东方性”的话题。在之前龙美术馆展览的采访中,你曾提到绘画里对东方色彩的运用;在纽约期间,你也专门前往大都会博物馆研究东方文物;而这次香港巴塞尔的作品,你又提及受到“金缮(Kintsugi)”的启发。你近年的创作是否与东方文化、东方美学有着更加清晰的关联?是否从东方哲学的角度展开更多思考?

方媛:现在的思路某种程度上像是回到了五年前第一次国内个展时期。最近的作品使用了电影截图和自己拍的照片作为构图的线索,比如《三岛由纪夫传》和动画片《木兰》,这一点和当时的创作方式有些相似。但在视觉语言上加入了很多类似于小时候画素描时的排线元素,这某种程度上也是在向国内美术训练体系致意,把这种基础训练的一部分转化为一种创作语言。

如果从东方哲学的角度来讲,我的创作其实一直在体现“无常”。佛教思想里讲,一切都是流动的,没有什么是稳定恒久的:身体、情感、关系,甚至所谓的“自我”。这种认知对我影响很深,尤其是在我经历了一些健康方面的事情后,会更直接地感受到这种失控的状态与我们作为个体的渺小。

于我而言,无常更像是一种结构性的前提——正是因为一切都会改变,创作才有意义。你无法去固定一个状态,只能不断地回应当下的感受和经验。所以我的新作里会用很多断裂、裂隙、边缘不稳定的形态呈现一种持续变化中的存在。

金缮对我来说是一个非常重要的隐喻。它并不是把东西“修好”,而是让破损变得可见,甚至被强调出来。那种用金去填补裂痕的方式,其实是在承认创伤已经发生,同时也在重新定义价值——裂痕不再是需要被隐藏的缺陷,而成为作品的一部分,甚至是最有力量的部分。

我会觉得,这种“带着缺口的完整性”反而更接近真实。因为人的经验本来就是不连续的,我们总是在失去、修复、再失去的循环里。所谓的完美其实是一种非常人为的想象。

所以对我来说,创作,甚至是过这一生,不是在追求一个完整无缺的结果,而是在不断地和这些裂痕共处。那些看似破碎的部分也是连接的路径——它们让不同的时间、经验、身体状态在画面中交汇。某种意义上,这也是一种非常温和但又很坚定的抵抗。

以及三岛由纪夫对我的影响。他也是影响我人生观最深的作家之一,所以我最近的作品用了数张他传记电影里的截图作为构图的基础。对他来说,身体是可以被推向极限,甚至走向终结的东西,他对“死亡”的理解其实让我更清楚地意识到:身体从来不是稳定的,它一直处在一种可能瓦解的状态里。

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▲ 方媛作品《啊!金阁》亮相2025迈阿密巴塞尔艺术展

所以不管是无常、金缮,还是三岛对身体与死亡的理解,其实都指向同一件事:变化是不可逆的。我不去修复它,而是让这些痕迹成为一种结构,让它们继续发光。

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方媛/ Yuan Fang

夜色下的屋顶/ Roof After Dark

2026

布面油画/ Oil on linen

170×150cm

(2026香港巴塞尔艺术展参展作品)

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方媛/ Yuan Fang

心仍在旋转/ Heart in motion

2026

布面油画/ Oil on linen

170×150cm

(2026香港巴塞尔艺术展参展作品)

策划&整理/  Hedi

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拾萬石家庄|群展:白日梦|王延鸣对谈

王延鸣:新闻里的我们


《大劫案》《打虎》《上上下下左右左右 BABA》——王延鸣的作品大多来自新闻图。


但他画的不是新闻。他用炭笔、丙烯、油彩,把那些原本离我们很远的事件,拉进一个奇异的日常剧场。画幅不大,信息量不小。每一个画面都像一个暂停键,让你停下来想想:这些看似与我无关的事,是不是早就悄悄钻进了我的生活?


“都比较日常”,他在作品介绍里写了这五个字。



对谈|TALK

拾萬空间:关于艺术创作的方向,你曾说过有受到约瑟夫·博伊斯的影响,他提出“社会雕塑”理论,强调艺术不仅仅是艺术作品,而是塑造社会过程中的关键因素。具体聊聊他的理论是如何帮助你慢慢明确了创作方向?


王延鸣:应该是帮我确信了艺术在不停发生和确实是具有社会力量的,此前对这事存疑的,觉得潜在的共振很容易被巨大声音吞噬。并且也让我倾向简单直接的创作,可能对下刀再准一点这件事花的精力更多一点。

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《群展:白日梦》展览现场,拾萬石家庄,2026年

拾萬空间:你的绘画风格几乎以年为单位不断变化,我们先从2022年的作品聊起,你选择了大量名画作为参照,通过色块叠加进行二次创作,试图来从无序的绘画历史里中找到某种秩序。画面中还能隐约看到弗朗西斯·培根的影子。

王延鸣:使用色块可能是因为比较喜欢涂抹这个动作,尤其是笔上的颜料一块一块覆盖在画布上颜色的时候有种搭建的爽感。

选择名画参照其实是因为我在大三时候的色块画都是纯抽象的,有一次写生课就突发奇想,试着用这个方式画模特,因为有形象存在我要根据现有的形状安排这些色块,体验还不错。又试着画照片,结果过分依靠照片的样式画了一段时间就卡壳了,在画色块走向的时候变得很不自信。后来想到了名画,可能是有点成功学的想法,就想着依靠美术史的权威训练自己对色块走向的把控。

培根确实很喜欢,并且这次展览直播的时候一幅画的脸也有观众说像,可能是产生了视觉趣味无形之间就会画到那个方向,或者说画到那个样式的时候觉得眼熟看起来舒服就停了。

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王延鸣|Wang Yanming

溥仪| Puyi

布面油彩|Oil on canvas

50×40cm

2022

拾萬空间:到了2023年,你开始大量使用历史图片中的主流造型进行创作,绘画方式也发生了改变,从平面色块转向偏绘画性的探索。这个时期受到什么影响?

王延鸣:色块画后期觉得自己的重复度很高,甚至有种填色的无聊感就停下了。在画历史图片之前做过一段时间,每天在各个地方的用实体马赛克打码的事情,也同样是因为后期重复度高就不做了。

画历史图片是偶然间开始的,当时刷到一个老照片就挺想吐槽的,就借着吐槽的劲画了一批,后来吐槽累了画的题材也从老照片变成自己有兴趣的图。

画风也是这时候变的,颜料变得非常薄,和炭笔结合着用,因为一直有用铅笔画小画的习惯,炭笔那种硬的质感使用起来很舒服,这个时间风格,我觉得自己是受埃因霍夫影响。

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王延鸣|Wang Yanming

无题|Untitled

布面丙烯、油彩、炭|Acrylic, oil and charcoal on canvas

40×30cm

2023

拾萬空间:2024年转向了公共标识,你一直以来所关注和试图探寻的“公共性”在日常中受到挑衅,公共标识的失效开始带入你的创作中。当秩序被打破,也促使个体思考该何去何从。这个时期使用了大线条塑造和形象叠加。

王延鸣:是的,这些想法主要来源于对很多的公共失职和很多言而无信式的噱头,人们却自发合理忽略的愤怒。又刚好那段时间对怎么结束一张画困扰,就把公共标识挪用进来了。有点喊口号的感觉,用大喇叭喊出去,就像我们朋友之间总用的一个形容词“讲两句”。哈哈哈哈


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王延鸣|Wang Yanming

安全出口| Emergency exit

布面丙烯、炭、油彩|Acrylic, oil and charcoal on canvas

160×195cm

2024

拾萬空间:来到我们本次展览的主题,画面秩序、历史图片、共公性都在慢慢隐退,画面回到了你的日常、周边的日常。从公共视角回到个人视角,重新看待和整理这些新闻碎片。从高谈阔论回到了娓娓道来。从形式感回到真实的体感。着重聊聊你在这期间的变化吧。

王延鸣:我分析自己应该就是疲了,就像一直和一个人聊一个话题,开始聊的很细致严肃,慢慢的就会变成打趣儿一样,不清楚这是我的保护机制还是什么。

画新闻最初是因为我想舍弃掉一些样式的执念,准备在纸上画很多让自己放松的小画,需要的素材很多我就选择这种随机又大量的新闻图。画上之后,一些新闻会不自觉的引起一些乱七八糟的想法,但因为小画在纸上画的很快,很多想法来的快走的也快,很多还没细想就画到下一个了,慢慢就把自己放到记录者的身份上,同时也顺理成章的把新闻图当成这段时间的主题进行了。

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王延鸣|Wang Yanming

无题|Untitled

布面油彩 | Oil on canvas

20×30cm

2025

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王延鸣|Wang Yanming

上上下下左右左右 BABA|Up, Up, Down, Down, Left, Right, Left, Right, B, A, B, A

布面油彩、炭 | Oil and charcoal on canvas

30×20cm

2025

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王延鸣|Wang Yanming

落水|Falling into Water

布面油彩、油墨、铅 | Oil, ink and pencil on canvas

60×90cm

2025

拾萬空间:这次新作,你在绘画性上较之前有很大的突破和探索,画面多了几分松弛、笨拙、诙谐和幽默。看似轻松不经意,但其实花了很多的心思和推敲,能感受到画面里的“真诚”。

王延鸣:是的,应该是之前画了很多小画的结果。有些地方其实我现在看还是比较别扭的,但留着没改,我想把我和画的这种对抗交给时间。

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王延鸣|Wang Yanming

演讲|Speech

布面丙烯、油彩、炭、铅 | Acrylic, oil, charcoal and pencil on canvas

100×80cm

2025

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王延鸣|Wang Yanming

打虎|Tiger Hunt

布面油彩、丙烯、铅、炭、油墨 | Oil, acrylic, pencil, charcoal and ink on canvas

90×60cm

2025

拾萬空间:《演讲》这件作品是跟朝鲜演讲有关的新闻事件,人物脸部的塑造方法非常有趣,莫名闯入画面的老虎,还有远处的面具人。具体聊一下。

王延鸣:这幅画很奇怪,有点随机,最开始只是画了四个人物形象,在纸上画的时候原构图很舒服,就没再推进着画下去,后来挪到布上的时候,把最左面的男性形象画的过于大了,有点失衡,就把最右面的人头部画大了一些,又把原来位置的小女孩形象用实验室猴子的形象直接放大覆盖住了。面具是萨满教的,每次看到这种演讲场景,总是强制的想到跳大神,因为就都是乌泱乌泱的看个乐呵,也解决不了什么。桌子上那个刻度尺也是这种感觉。老虎形象确实是莫名闯入的,因为画老虎之前,正在画《打虎》那幅画,这幅画就在边上,顺手就加上了,确实不知道为什么那么画。

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演讲(局部)| Speech (detail)

拾萬空间:《打虎》是沈阳某公园的新闻事件是吗?聊一聊你私人化视角的观察和画面处理。

王延鸣:是短视频新闻,报道的是“沈阳动物园一男子使用弹弓打老虎”后来又报道“该男子是工作人员正在驱赶老虎回窝,弹弓并未打到老虎”。其实这幅画是在看到后面的报道后才画的,可能是对这种“翻案”的感觉很熟悉。就像“都上央视了”“查查百度”“你问问豆包”的这种句式。感觉人们一直互相存在很多误判,对信息渠道的信任却加重了误判这件事有点不舒服。

我把“打虎人”的形象换成自己了,边上加了一个老虎,好像一只老虎在看打虎戏,就挺逗的,像个小剧场一样 。

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打虎(局部)|Tiger Hunt (detail)

拾萬空间:在现场看实物,《放生》这件画面细节很耐看,情绪和手感游刃有余。

王延鸣:谢谢,这个也是新闻,是有人在水库放生猫,引起了很多争论,我自己也养猫,其实有点没看懂这件事的点。


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王延鸣|Wang Yanming

放生|Set Free

布面油彩、炭、铅 | Oil, charcoal and pencil on canvas

65×50cm

2025

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放生(局部)|Set Free (detail)

拾萬空间:为什么会想到画F4? 流星花园大概是80后年轻时的记忆,寥寥几笔涂抹出了时间的荒诞和晃动感。

王延鸣:这幅画画得很痛快,红衣胳膊的白色画上之后直接就结束了,也没想那么多,记着那天是有种处于“心流”状态的感觉哈哈哈哈哈。画F4也是因为新闻报了,那个新闻报的是什么我忘了,只是有F4这个组合是一种熟悉感觉。不过F4演的剧我都感觉很陌生,因为我小时候一直看动漫,一直感觉电视剧是大孩子看的。


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王延鸣|Wang Yanming

F4

布面油彩、炭 | Oil and charcoal on canvas

20×30cm

2025

拾萬空间:很期待你接下来的创作会有什么样的进展和惊喜。

王延鸣:新闻图应该还会画一阵。我最近在克服每次面对画布会紧张的心态,希望更自然的画。

拾萬空间:懂你,回看你每个阶段的创作,都是真实的成长和探索,就像我们小时候经历跌跌撞撞中慢慢长大。或许我们太执着于“长大”,试着学会去感受每个时刻的生命痕迹,也许就放松下来了。

王延鸣:是的,慢慢放松下来,作品也会更接近真实。我也能感觉到这种真实是非常有力的。


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艺术家工作室的小猫,它的名字叫“小宝”。

艺|术|家

Artist


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王延鸣

1996年生于辽宁,2020年毕业于沈阳师范大学油画系,现工作生活于沈阳和河北。

Wang Yanming

Born in Liaoning in 1996. Graduated from the Oil Painting Department of Shenyang Normal University in 2020. Currently lives and works in Shenyang and Hebei.

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2026 ART021 龙门阵,成都摆起!

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四月的微风渐暖,西南艺术圈的焦点正向成都南郊的高地汇聚。4月9日至12日,ART021 家族的新成员——“龙门阵(ART021 SPIN)” 将正式登陆麓镇山顶广场。


此次,ART021 携手战略合作伙伴 A4 美术馆,以联合主办之姿共同开启首届成都艺术周。不同于传统艺博会整齐划一的“格子间”模式,首届“龙门阵”集结了 20 余家国内外顶尖画廊,试图打破展位的边界,以鲜明的策展性为导向,超越常规展位的单一呈现模式,重新想象艺术收藏的全新叙事。



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成都麓镇山顶广场


“龙门阵”源自成都方言,承载着当地自在闲谈、不拘形式的人文精神。以此为名,旨在打破传统博览会的边界,营造一个松弛开放的场域,把前沿的艺术表达汇入成都的艺术生态。英文名中的“SPIN”,取“旋转、延展”之意,象征动态灵活的策展思维,持续探索项目的多重可能。


核心呈现形式“珍宝阁”——通过 PILLS 工作室 设计的模块化柜体系统,以多变巧妙的展陈语言,营造出丰富多元的观看体验。与此同时,ART021 龙门阵 将以独特的空间语法串联起一系列策展项目,户外公共雕塑单元也将介入城市空间,让艺术从展厅延伸至户外,与成都这座多元城市展开更为开放的对话。


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“珍宝阁”(KunstKammer),2025 ART021 BEIJING 现场  

© ART021 Group


参展画廊阵容兼具国际视野与本土联结,共同勾勒出当代艺术的多维坐标。


香格纳画廊(北京、上海、新加坡)、天线空间(上海、香港)、蜂巢当代艺术中心(北京、上海)、清影艺术空间(杭州、纽约)将携不同代际艺术家佳作亮相。布局全球的蓝骑士艺术(上海、伦敦、洛杉矶)也将呈现多元实践。


本土力量同样亮眼:

大未來林舍畫廊(台北)、玉兰堂(北京、上海)、北极熊画廊(北京、上海、东京)、应空间当代艺术中心(北京、深圳),深扎上海的周围艺术画廊言午画廊,以及西南重镇的千高原艺术空间(成都)、K空间(成都)、锦瑟画廊(重庆)均鼎力加入。


Tabula Rasa 三米画廊(北京、伦敦)、PETITREE(深圳)、桉画廊(杭州、北京)则以前瞻新锐的视角注入动态活力。


此外,ART021 龙门阵 亦迎来多元面孔洞-当代艺术平台(上海)、夢工房(京都、香港)、术艺术中心(上海)、甄玄阁(上海)首次亮相。根植于中华文脉的「森」文人艺术空间(香港),将以当代珠宝艺术重新演绎中华物质与非物质文化遗产。




2026 ART021 龙门阵

参展名单正式公布

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2026 ART021 龙门阵 以流动轻快的姿态,连接艺术与生活方式品牌,延展关于感知、美学与社交场域的多元碰撞。Jo Malone London 祖·玛珑带来独属于英伦的春日运河风光,通过优雅陈设营造沉浸式感官场景,并以全新限定香氛“柳叶与琥珀”为现场注入灵动盎然的绿意生机。与此同时,特别感谢 佳士得 Christie's 对本次活动的支持与参与,共同推动艺术交流在更开放与多元的语境中展开。


从历史深处到现代都市,成都始终以开放包容的气度与从容先锋的底色,孕育出独特的文化生态。ART021 龙门阵 首度落址成都,将零等于一艺术集团在京沪积累的成熟运营体系正式拓展至西南腹地,以此为支点,深度联结区域内核心艺术机构与美术馆,共同探索西南艺术生态的更多可能。此次亮相,旨在激活区域收藏活力,同时搭建一座贯通成都与京、沪、港及海外藏家的对话桥梁,为全球合作伙伴开拓全新的艺术维度。



 2026 ART021 龙门阵 

 官方日程 

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关于A4美术馆


A4美术馆是致力于“用艺术连接人与人,激活创造力”的非营利美术馆集群。持续推动具有创造力的多元艺术生态发展,让更多人参与艺术创造,为公众带来丰富的高品质当代艺术展览、公共项目和研究计划。


A4美术馆于2008年由成都万华投资集团创办成立,是中国第一代民营美术馆;2016年正式注册成为民办非营利性机构,2023年A4美术馆主馆从麓湖迁址到麓镇;2024年,荣获由联合国教科文组织与国际建筑师协会共同颁发的法国凡尔赛建筑奖七大"全球最美美术馆"之一,成为中国唯一获此殊荣的美术馆。


在创始馆长孙莉的带领下,A4美术馆持续建设着西南艺术生态发展,拓展了国际与在地社区的联动、推动社区艺术的发展;关注于社会公平、公共参与、社会化教育等方向,创立了关注于儿童和教育公共性的年度项目。 A4美术馆集群目前包含四个品牌:位于麓镇山顶广场的A4美术馆(A4 Art Museum),位于麓湖艺展中心的A4儿童馆(A4 Kids)、 A4国际驻留艺术中心(A4 Residency Art Center)和A4X 艺术中心(A4X Art Center)。


在未来,A4美术馆将持续以人为核心,通过艺术展览和公共项目,使艺术真正融入日常生活,让更多人因为艺术的力量产生更紧密的连接,成为伙伴,共同创造属于彼此的美术馆社区。

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展评|围场-梁曼勇个展

围场 —— 梁曼勇个展

—— 陈鋆尧

农历新年前,当梁曼勇本次个展的一系列新作都准备停当后,作品从他位于广东清远的工作室被悉数运入距离深圳湾更近的仓库,我和他就约在这一位于深圳市郊的艺术品仓库见面。作为一个对广东地区了解尚停留于表面的外来者,我对梁曼勇工作和生活所在地的潜意识,是基于效率、技术与经济至上的都市发展图景,尤其是“大湾区”的概念浮现在人们的视野中后,一切都被再次调动起来,高度互联并高效运转,这里随即被赋予了更加宏大、集聚且雄心勃勃的地理意义,并迎来一种未来感十足的整体印象。


有趣的是,当我在仓库第一次看到梁曼勇为此次展览准备的作品时,总是不由自主的联想到一片在高速运转的齿轮交错间被保留下的寂静腹地,它指向上述关于都市文化印象和概念的背面,平静、市井、充斥着地方感与个体意识——我没有去过梁曼勇的工作室,但从他的描述和拍摄的视频里,他的工作室座落在一片低矮的厂房中,四周分散着五金加工和陶瓷窑炉的工厂与小作坊,他的工作室是一个巨大的旧厂房,脚下是粗糙的水泥地,空间用木工板分隔,面积极大,大到他的存在本身似乎都成为了一个移动的、微小的点。


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梁曼勇位于广东佛山的工作室(2022-2024)

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梁曼勇位于广东清远的工作室(2024年至今)

梁曼勇是广东雷州人,从广州美术学院毕业后,他便作为职业艺术家开始不间断的创作,这些年他的工作室几经辗转,都在广东地区范围内。作为切入艺术家个案研究的一种快捷方式,在对于艺术家身份和作品理念的讨论中,我们常常提到“身在何处”对艺术家吸纳灵感与推进创作的影响,同时,也尝试将自身的文化经验带入“身在何处”的地方感中,以谋求快速建立与艺术家及作品对话的有效渠道。然而,“身在何处”对梁曼勇而言不只是一个人文地理问题,更多的,是一种切身的体感:工作室所在地偏安一隅的空旷环境,让他可以与流光溢彩的都市天际线保持距离,同时又因位置毗邻陶瓷生产作坊,让他在充斥于日常的便利条件下顺势且自然的接触到泥塑与陶瓷媒介,并由此形成他近期一系列作品的创作逻辑,即通过泥塑的方式,将灵感中带有叙事性的场景进行微缩式的塑造和构建,并以一种带有摆拍动画式的舞台设计思路,将场景中的人物、情节和情绪氛围逐一进行放置和渲染,直至用作绘画参考的模型完成,并最终用喷枪绘画将泥塑场景复现到画布上。这是梁曼勇对于新近的一系列作品的创作逻辑平静、详实、不加保留地叙述,他寥寥数语解释清楚的过程,成为一连串环环相扣又顺理成章的发展脉络,同时也是他的日常,一种被物质包裹的、具体的生活。无论是一个菜场的档口、理发店的角落,或是街角一处光线暧昧的室内场景,他路过其中并回到工作室,从工作台走到窑炉边,从堆满未完成泥塑的角落到刚铺展开的画布前,目光可能穿过高窗,落在远处模糊的街道中,或完全内收,凝聚于掌心正在成形的一个微小角色扭曲的肩膀上……


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塑造,梁曼勇,2025,130×160cm,布面丙烯

这让人想到“围场”,一个形容和区隔梁曼勇与外界的,带有边界感的语汇。梁曼勇的“围场”,首先是一种空间的、地理的边际标识。从美院毕业至今,他辗转于广东的不同地区,从佛山顺德再到如今毗邻广州的清远,他始终未离开广东,地理上的“不离开”在维持带有相似文化的地方感的同时,又成为了一种远离艺术生态中心,也远离密集的社交网络的主动选择。地理意义上基于距离的区隔直接地映照在他的画面上,每一幅作品的场景、事件和人物关系都以一种架空具体环境同时富有戏剧感的舞台美术模型被构建,在他的设置中,人与动物、植物密集纠缠,简陋的档口和日常的一角都以一种富于古典主义气息的视角呈现,让人联想起中世纪圣像画以及文艺复兴早期的圣母像(例如弗拉·安杰利科或佩鲁吉诺的作品)。当泥塑模型完成后,他为其打上随意却方向性明确的单束光,在划分明暗的同时定义着观看的焦点,让人回忆起伦勃朗笔下那些从幽暗背景中浮现出的人物。同时,这种稳定、对称、人物居于中心的构图,与中世纪圣像画和文艺复兴早期的圣母像有着抛离艺术史之外的、难以言说的关联。在这些场景设置中,中心构图与正面性,建立了一种直接、稳定且超越具体时空的交流通道,艺术家本人及观众与画面的是垂直的、带有引导性的,只不过更多的是被引导进梁曼勇对于日常生活的观想之中,引入一个个神情模糊、身份不明的角色身上。梁曼勇以一种“圣像式”的构图方式塑造了这些单色的、略带生硬感的泥塑,塑造着一个个神情模糊、身份不明的当代个体,或是一组进行着微妙角力的人物关系,这全然不同于荷兰黄金时代那些描绘学者、布商或者沉思者的单幅肖像,背景也从理想式的风景转变为简陋的、空无一物的地面或抽象的色域。梁曼勇描绘的“围场”中,那种带有古典主义色彩的侧光依旧,只不过它照亮的不再是神性的光辉,相反,是一种存在的窘迫、关系的张力或者纯粹的疏离,呈现出一种与外界喧闹无远弗届的,甚至毫无瓜葛的态度。最终,回到迥异的个人视角和生活体验里,这样的处理方式使画面中的主体背负着带有宿命感的心理重量,它与艺术家的发展经历,与同处一个地理时空下的观众以一种不可言说的方式相照应,并与艺术史中关于神圣凝视与内在性的悠久谱系悄然相连。这是我看到梁曼勇近作的第一印象,彼时站在恒温恒湿设备轰鸣作响的仓库中,免不得想着这些出神。


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(图一)拯救,梁曼勇,2025,200×160cm,布面丙烯

(图二)Madonna and Child, Pietro Perugino, c.1500, 70.2 x 50 cm, Oil on poplar panel.图片来源:National Gallery of Art, Washington, DC

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(图一)坐着的人,梁曼勇,2025,59×43cm,板上丙烯

(图二)Saskia van Uylenburgh in Arcadian Costume, Rembrandt Harmenszoon van Rijn, 1635, 123.5 × 97.5 cm, Oil on canvas. 图片来源:英国国家美术馆

我进一步问起梁曼勇这些作品中人物、动物与场景的出处时,他回答画中“没有明确的叙事”,但“无一不充满了关系”,我理解它的合理性,因为无论城市与乡村、无论现代性的前进与回退,人与物的关系始终存在,更何况,由互联网所构建的动态信息网络早已不在乎受者所处何地,以及随之传播的生活方式与日常观念正在填平此间的沟壑,成为一种无处不在的、激烈变动的社会结构中的当代个体的普遍感受。换句话说,从“这里”到“那里”,已经不再是一段叙事发展的起因和结果,叙事中的因果关系逐渐成为一种双向的、不确定的、可置换的权力关系,梁曼勇多次提到“狩猎”的概念,他的作品也有诸如以“猎物”、“引诱”等字眼进行的作品命名——这让“围场”的概念再度浮现——“围场”本就源于古代皇家圈定范围、进行狩猎和军事演练的封闭场地,它有明确的物理边界,同时更拥有一种秩序、一个明确的身份设定,以及一场被许可和控制的博弈,身在其中是猎手还是猎物的转变往往发生于一瞬间,一种危机四伏的捕捉关系充斥于围场之中。


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引诱,梁曼勇,2025,250×600cm,布面丙烯

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《乾隆皇帝围猎聚餐图》轴,清乾隆,郎世宁绘,绢本,设色,纵317.5厘米,横190厘米 图片来源:故宫博物院

在描绘了画中人物并塑造起“围场”的边界后,人与人、人与物、人与场景间的关系,成为梁曼勇为他的泥塑与绘画最后注入的精神。在此次展览中,梁曼勇的绘画多以日常的室内场景描绘家庭、亲情以及平凡生活中带有超现实色彩的片段,这不难让人联想起现代现实主义作家易卜生的代表作《玩偶之家》,剧中描绘了这样的一幕:女主角娜拉为了救治病重的丈夫,瞒着他伪造签名借下巨款,多年之后,当债主以此事要挟丈夫时,他不知感激的怒斥娜拉毁了他的前程,而当危机解除后,他们却迅速尝试“和好如初”,娜拉也随之在此刻觉醒,打开房门离家出走,剧目随之止于黑暗中响起的关门声。“娜拉出走之后”作为经典的戏剧桥段勾勒了娜拉在婚姻中被赋予的多重角色:丈夫的附属品、孩子眼中庸碌无为的母亲、家庭生活的点缀,她的一切价值由他人定义,如同梁曼勇画中的人物,他们神情统一、身份模糊,仿佛被某种无形的力量与期待塑造成型。《玩偶之家》结束于娜拉出走之后,而非归来之时,我们不知道她去了哪里,能否生存,能否真正的找到自我,那扇关上的门,也使舞台之上的戏剧结局转变为现实生活的真正伊始。在梁曼勇的绘画中,同样具有这种未完成性,无论是作品《安慰》中相互依偎的恋人、《猪肉档》中光线冷峻的菜场档口,还是《猎物》中挣脱于绞缠植物和虎口下的人物造型,梁曼勇聚焦于这些凝固在生活中的一瞬,捕捉流露在瞬间的爱情、亲情和为了生活的疲于奔命,这些构图稳定的瞬间赋予了作品新的未完成性,如同故事的常态,但也为舞台下的观众提供了更为客观的观察视角,用以揭示在微缩模型筑起的“围场”之外的更大的社会现实。


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安慰,梁曼勇,2025,200×250cm,布面丙烯 

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《玩偶之家》剧照;《玩偶之家》,亨利·易卜生,1879,挪威

在戏剧理论家阿尔托的“残酷戏剧”理念中,剧场应如一场仪式,直接冲击观众的感官,揭穿文明的虚伪之处与生存的残酷本质,“围场”概念在梁曼勇的创作中就起到了这样的解释作用:一个由艺术家本人捏塑、置景、布光和绘制的狩猎场,其中没有主角与配角、英雄与反派,只有不断互换位置的猎手与猎物,隐喻着居伊·德波在《景观社会》中的经典论述,在一个被图像、表演和社会角色全面中介的世界里,人人既是景观的观看者与消费者,也不可避免的成为被观看、被评估和被捕获景观的一部分。这是一种双向的、非暴力的狩猎,也是一种更普遍、更内在的现代生存状态。


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艺术家梁曼勇

1990 生于广东

2009 毕业于广州美术学院附中

2013 本科毕业于广州美术学院油画系

现工作生活于广东清远

个 展

2026 围场,hiart space,深圳

2023 房子里的人,玉兰堂,上海

2022 鳖,嬉皮,Hi艺术中心,北京

2020 在忧郁的山坡上,Hi艺术中心,北京

2018 滑行,hiart space,上海

2017 猥琐发育·别浪,雅托比画廊,北京

2015 孤独怪兽乐园双城个展,LINK GALLERY,北京

2015 孤独怪兽乐园双城个展,种子艺术画廊,郑州

2014 我和我和我,SO艺术空间,上海

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策展人陈鋆尧

策展人,目前工作、生活于上海和北京。2018年毕业于北京师范大学数字媒体系,并于2020年获得英国皇家艺术学院当代艺术策展硕士学位。他的策展研究和实践关注于剧烈社会转型下的空间政治、媒介的公共性和同代际社群的人文景观。


他曾作为主要发起人组织筹办首届未来策展人论坛(西岸美术馆,2023);入选国际现代艺术博物馆和收藏委员会(CIMAM)年度委员会成员(2022);策展方案入围2022年集美·阿尔勒“影像策展人奖”(三影堂摄影艺术中心);曾作为策展人参与组织上海交大文创学院艺术创意谷项目(2022-2023);其论文和研究项目《产业转型与策展思路介入下的城市再生——以深圳大芬村为例(Urban Regeneration with the Intervention of Industrial Transformation and Curatorial Ideas, A Case Study of Dafen Village, Shenzhen)》入选全球文化创意产业与发展国际会议(2021)并发表于跨学科期刊Telematics and Informatics Reports;他曾与国内外多家当代艺术机构和画廊合作,并为多家媒体和艺术家撰写评论文章。

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策展人文章|叠化诀:阳新的美学秘籍

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EXHIBITION TITLE  展览名称

叠化诀

Layering into Void

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ARTIST  艺术家

阳新 Yang Xin


CURATOR  策展人

孙磊 Sun Lei


DURATION  展期

2026.03.14 – 05.03


VENUE  地点

凯旋画廊  TRIUMPH GALLERY

北京市朝阳区酒仙桥路798艺术区2号院A05

A-05, 798 Art Zone, No.2 Jiuxianqiao Rd, 

Chaoyang District, Beijing

艺术家阳新在凯旋画廊的首次个展「叠化诀」已于3月14日开幕,本次展览由策展人孙磊担纲策划,汇集了艺术家近年来的诸多佳作。其主题“叠化”源自艺术家建立的一套属于语言自身美学伦理的凝练。叠化者,是以石为⻣、以空为气、以时间为刃,在不可逆的物理性中,刻出可呼吸的灵性节奏。


在本篇文章中,策展人孙磊围绕艺术家的近作,从展览主题、创作与内修、东方哲学与佛造像等角度展开论述。现与大家分享。

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阳新个展「叠化诀」展览现场

凯旋画廊,北京,2026

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在阳新那里,表达从来不是解释世界,或者向世界发问,而是让世界重新变得可感可触可进入。今天,在这个几乎被技术碾压、被阐释耗尽、被意义绑架、被观念层层包裹的时代,阳新的雕塑从自身内部建立了一种抵抗机制:它沉默、坚硬、占据空间、拒绝被轻易转化,它以物质的固执、形式的纯粹、精神的敞开直面自己的身体、行动和存在经验,以及一种传统的在场性。他尽可能不诉诸叙事,不过度依附象征,不刻意讨好阐释,只在石的肌理、块的叠合、空的呼吸之间,建立一套属于语言自身的美学伦理。他将这套美学,凝练成两个字:叠化。“叠”非简单堆砌,乃《周易》“重坤”之象,厚德载物,层积而生势;“化”非流变无常,实《庄子》“物化”之境,形神相契,静中蕴雷动。叠化者,是以石为⻣、以空为气、以时间为刃,在不可逆的物理性中,刻出可呼吸的灵性节奏。

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阳新,《寂 – 6号》,2024

青石、红色大理石,高 60 cm

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叠以实为本。


阳新的雕塑蕴含着一种固执的力量,源自对物的虔诚、对石头本体的敬畏,尤其他雕塑的原型来自南北朝的佛造像,或多或少他总能在其中获得一种更深更内在的信仰之力。那种力量不是来自神坛的俯视,而是从作为纯粹的物之石体下缓缓涌出的体温。也正是他强调石头的物质本体性,才更进一步拒绝将石头驯化为观念的奴仆, 而是总保留一些未雕的原始粗粝石表,让石头自己也参与发言,仿 佛在提醒观者:塑造不是征服,而是唤醒;粗粝不是残缺,而是时间在石上留下的原始契约。


但今天,我们面临的世界正被数据流冲刷得日益光滑、扁平而失重,图像取代实体,虚拟取代真实,感受取代经验,我们早已习惯于在无重量、无体积、无触感的空间中生活。而阳新的雕塑,执意把我们拉回到一种实在之中,拉回石头的重量里,拉回可触摸、可对峙、可与之⻓久凝视的物质现场。

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阳新个展「叠化诀」展览现场

凯旋画廊,北京,2026


阳新的“叠”,是对物质尊严的再次确认,且不断强化这种确认。正是他的这种不断确认,让历史被叠加进今天的现实,它不仅仅隐喻了古代石窟艺术与当代影像的共生机制,更深化了一种不断积累的 生命意志。因此,在阳新的雕塑中,我们总能看到他反复锤炼的生命能量,是被不断累积和叠加的,不断确认和提纯的。正如《淮南子·主术训》所言,“积力之所举,则无不胜也;众智之所为,则无不成也”,这种“胜”对他而言,本质上是生命意志的自我完成。


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阳新个展「叠化诀」展览现场

凯旋画廊,北京,2025


此外,阳新的“叠”还承担着一种特殊的形式结构,即以层叠的结构关系构成雕塑视觉的复调,他用“叠”的结构,树立了一种精神的向度,作品《永远》系列完美地呈示了这一向度:石块逐级收束、内旋、抬升,形成一种向心而上的精神引力;每一块石头的叠压都严丝合缝,每一块石头上都有不同的石窟印记与空间形态,彼此咬合又各自呼应,仿佛在重演一座微缩的须弥山。


实际上,在阳新那里,叠是一种清醒的美学意志:让物回到物,让形式回到形式,让实在回到实在。它是历史与历史间的回响,实体与实体的应答,块面与块面的承认,是物质在空间中以生命认知郑重地确立自身。


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阳新,《空衣 – 25号》,2024

汉白玉,高 170 cm

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化以虚为体。


如果说叠是阳新雕塑的⻣骼,那么化,就是它的呼吸。化,是对实在的温柔松绑,是对形式的审慎消解,是让封闭之物重新敞开,让坚硬之物生出空隙,让圆满之物走向未完成。化的本质,不是消失,而是解放 —— 解放形式,解放意义,解放被表象死死捆住的真实。它以虚为体,以空为境,以悬置为姿态,让作品不再是一个封闭的客体,而是一片可以容纳目光、时间与静默的场域。

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阳新,《空衣 – 40号》,2025

汉白玉,高 60 cm

《周易·系辞》有言:“化而裁之谓之变,推而行之谓之道。”阳新深谙其中道理:化非消弭,而是让石之重在虚中获得轻盈的赋形;让叠之密在空里生出呼吸的间隙。例如《空衣》系列作品,阳新刻意选择佛造像的身体衣着作为出发点,“化”掉了其中的实体,只留下衣褶的虚空轮廓悬于空中,身份被消解,被解放,被悬置于一种莫名的存在中,在衣纹的褶皱里,时间被抽成丝线,信仰被织成透光的薄幕,衣形犹在,薄如蝉翼,而肉身已隐,空若无物,内部被彻底凿空,化入虚空本身。此非人形之正负转换,实乃“空”之诗学呈现。衣存而人杳,形存而质隐,迹存而意渺。悬置,乃将一切既定之内形结构撤去,独留内在本质,留下以“空”为实的内在真意。 从而为我们重构了存在的坐标:让存在栖居于虚空所允诺的无限可能之中,这就是化入虚空。于是,虚空不再是空无,而是最饱满的容;悬置不再是缺席,而是最深的在场。


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阳新个展「叠化诀」展览现场

凯旋画廊,北京,2026

“化”所引发的空的意味,本质上是一种东方哲学的显影,它不指向空无,它指向一种虚怀的等待,一种对未临之物的谦卑允诺。它引发的是包容万有、生生不息的虚灵之境,是去执、去蔽、去伪的本然状态。阳新的雕塑,在叠实的基础上,通过凿空、留白、消解、 虚化,让实体不再封闭、不再僵硬、不再固执,而是向虚空敞开, 向无限延伸。他不追求满,不追求实,不追求盈,而是以虚破实, 以空解滞,以简驭繁,以无生有,从而让意义自在、自然、自行生⻓。


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阳新,《光年 – 11号》,2026

汉白玉,高 55 × 181 cm

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阳新的“叠”重构了触及的意义,阳新的“化”引申出一种道德。他不深挖,不阐释,不试图穿透形式去寻找某种 “深层意义”,而是让意义悬置,让表象回归纯粹,让虚空成为作品真正的主体。


叠与化,实在与虚空,塑造与悬置,在阳新的作品里,并非对立, 而是相生。叠为化奠基,化为叠赋能。无叠之实,化只是空洞的形式;无化之虚,叠只是僵死的堆砌。叠而能化,实而能空,才是阳新表达的最终真相。


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阳新个展「叠化诀」展览现场

凯旋画廊,北京,2026


叠,让我们看⻅实在的尊严。化,让我们看⻅虚空的诗意。叠化相生,让我们看⻅事物原本的样子:空明,自在,不被定义,不被奴役,如其所是。尤其在观念泛滥的当代艺术现场,阳新的“叠化”实践,恰恰是对一种过度观念机制的抵抗与纠正,它提醒我们:艺术不必呐喊,不必控诉,不必解释。艺术只需要存在,以最本然的形式,在空间中沉默地发光。叠是定力,化是心境;叠是坚守,化是通透;而真正的美,恰恰诞生于虚实之间,叠化之际。也是石头教给我们的,最朴素的真理。


这就是阳新的“叠化诀”。



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阳新,1982 年生于湖南, 艺术家、独立学者、 鉴藏专家。祖辈为木、漆匠,大学主修视觉传达,后专注于古代造像艺术研究,活跃于学术、 艺术与文物领域。


阳新以其深厚的学术背景和独特的艺术视角, 将中国传统雕塑艺术的精神内核融入当代创作, 形成了古朴、沉静且充满时间厚重感的艺术风格。阳新的雕塑作品以 "汲古为今” 为核心, 既传承了中国古代雕塑艺术的精髓, 又赋予其当代审美的表达。采用古人常用的石料与传统雕刻技法,通过有温度的双手, 将冰冷的石头转化为充满生命力的艺术品。 阳新试图从宇宙的视角重新探究中国文化中人与自然 “天人合—"的哲学思辨, 以纯粹的美感重视生命个体平静、善良、 包容的美好。


阳新的作品与研究成果在学术界与艺术界均获得高度认可。 其专著《梵物志》被誉为古代造像艺术研究的重要文献, 也曾多次受邀参与中国古代造像艺术的学术活动, 包括中国美术学院、 中央美术学院及龙门石窟研究院。 其作品曾在北京嘉德艺术周(2025)、山西大同云冈美术馆 (2024)、 上海宝龙艺术中心(2023)、 南京芥墨艺术馆(2022)等机构展出。


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孙磊,诗人,艺术家,策展人。曾获“第十届柔刚诗歌奖”、“2003年首届中国年度最佳诗人奖”、“1979——2005中国十大优秀诗人奖”、“2011零点非凡文学人物·诗人奖”、“2017影响济南年度文化人物奖”、“2017年度先锋诗歌奖”。等奖项。作品被翻译成英文、法文、西班牙文、德文、韩文等。多次参加“北大未名诗歌节”、“北欧艺术节”、“美国波士顿国际诗歌节”、“中华世纪坛国际诗歌节”“青海国际诗歌节”“东亚国际诗歌节”等重要活动。出版诗集《演奏》、《去向》、《处境》、《无生之力》、《孙磊诗文集》、《刺点》、《别处》、《妄念者》等。现生活工作于济南。


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思齐圈丨第十一届「3E商业运营年会」重磅启幕

当全球医药产业迈入效率与创新并重的新周期,增长的底层逻辑正在悄然迁移——从依赖规模扩张,转向依靠组织韧性抵御不确定性;从追逐技术热点,升级为以智能化跃迁驱动系统性进化。


真正的高质量增长,不再仅由管线或市场决定,而越来越取决于一个组织能否在动荡中保持定力,在变革中持续进化。这不得不让我们重新思考:


✅如何让学习发展真正成为组织反脆弱的“免疫系统”?


✅如何让绩效体系从结果衡量工具,转变为战略落地的“动态导航仪”?


✅又如何让AI深度融入业务流,成为驱动SFE、HR、IT与培训协同进化的“智能基座”?


这些问题的答案就在:思齐圈第十一届3E商业运营年会的现场。


2026年4月16–17日,思齐圈第十一届「3E商业运营年会」将于上海大宁福朋喜来登酒店隆重举行!


本届大会以 “韧生长,AI续航” 为主题,针对药械企业的培训、HR、SFE、数字化、IT、合规等商业运营相关职能等核心岗位,聚焦“韧性构建”与“智能化跃迁”两大核心维度,通过“学习发展专场”与“绩效优化专场”双分会并行的架构,辅以两场深度实战工作坊(GEO主题和绩效优化),为您呈现一套可落地的高质量增长方案。


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这不仅是一次行业聚会,更是一场关于未来运营范式的深度复盘。在这里,您将与300+位来自MNC、国内头部Biotech及创新企业的核心决策层同频共振。


这个春天,思齐圈诚邀您拨冗莅临,与百位行业领袖一同,为未来蓄能,为增长续航!


第十一届3E商业运营年会


  会议介绍


本届年会以“韧生长,AI续航”为主题,聚焦医药行业在复杂市场环境下的韧性构建与智能化跃迁。面对政策迭代、技术革新与全球化竞争,我们携手国内外顶尖药企管理者和商业运营专家共同探讨如何以数据驱动、组织进化与AI赋能,实现可持续高质量增长。大会将通过主题演讲、圆桌对话与实战案例分享,打造医药商业运营领域最具前瞻性的思想盛宴。


  会议时间


2026年4月16–17日(周四、五)


  会议地点


上海大宁福朋喜来登酒店(上海市静安区共和新路1928号)




  会议规模


2天现场会议,展区高频互动;


60+主题分享,汇聚行业观点;


800+精准人群,精准触达需求。


  会议日程


会场一 学习发展专场(4.16)

 

智启未来:AI驱动的学习发展新范式(上)


智启未来:AI驱动的学习发展新范式(下)


韧性组织力:打破壁垒,打造跨职能人才发展引擎


敏捷组织:智慧引领行业变革



会场二 绩效优化专场(4.16)


破界·融合:构建院内院外一体化的全渠道绩效体系


AI赋能实战:从概念验证到绩效提升的关键场景落地


SFE定位再思考:在“全能”与“专精”之间寻找最优解


直面新周期:SFE当前最紧迫的挑战与破局之道



会后工作坊 GEO主题工作坊(4.17)


AI全域智能引擎:医药数字生态的精准触达与合规增长



会后工作坊 绩效优化工作坊(4.17)


精耕细作:中国医药SFE的存量博弈与创新增量实战



  主办单位


思齐圈


敬请期待2026年

第十一届 思齐圈「3E商业运营年会」