YANG LIMING
DECONSTRUCTION OF INNER IMAGES
杨黎明：无相之象
学术主持｜Academic Director
何桂彦 He Guiyan
展览时间｜Time
2022.3.12 – 4.6
展览地点｜Venue
艺·凯旋画廊 Triumph Gallery
杨黎明最新个展“无相之象”已于3月12日在艺·凯旋画廊推出，作为艺术家在画廊的第三次个展，本次展览涵盖了杨黎明十年间的近20件重要作品，主要展示了这两年的“白色系列”和多幅新作，以及“黑色时期”和“红色时期”的代表作。此外，批评家何桂彦也为本次展览撰写了评论文章，现此呈现给大家。
杨黎明在工作室，2022
无相之象
——杨黎明绘画中的书写与观念
何桂彦
杨黎明的绘画大致可分为三个系列：蓝色、黑色、红色。虽然以画面的色调为依据，实质也是其发展的三个阶段。以2005年前后为分界线，早期的蓝色系列有抽象的形式外观，注重画面的色彩氛围，强调书写性。和蓝色阶段相比，此后的黑色系列更为纯粹，在语言与修辞方面，艺术家不断为其注入东方化的视觉特征。不过，在杨黎明笔下，黑色极富张力，由于大幅的画面所致，黑色的色域带给观众的是一种冷漠而崇高、孤寂而悲怆的审美体验。
2008 No.2 B
280×215cm×3
布面油画｜Oil on Canvas
2008-2009
黑色场域的形成既源于艺术家个人创作脉络不断推进的结果，也得益于美国抽象表现主义中“色域绘画”的影响。但是，和欧美抽象艺术注重纯粹的形式——结构的抽象发展谱系与语言逻辑不同，杨黎明画面的“黑色场域”并不仅仅是视觉性的，相反更像是心理上的——一种属于东方人建构的形而上世界。尽管这个世界无法用语言去言说，但艺术家可以通过极为个体的表现方式进入其中。为了打破“黑色场域”在形式和结构上的自律性，杨黎明强化了“墨分五彩”的东方色彩经验，同时，他突出作品内部的书写性。这种书写的自我表达来源于艺术家的东方文化经验——既包括书法的书写性经验，也蕴含了传统中国画对线条、笔墨、气韵的表达。
杨黎明“无相之象“展览现场，艺·凯旋画廊，北京，2022
应该说，红色系列是对黑色系列的延续与深化，但艺术家更强调语言与形式所承载的观念性表达。变化的起点源于画面形式生成的逻辑发生了改变。西方现代主义抽象有两种形式发展的路径，一种是“有意味的形式”，即强调艺术家对外部或现实对象进行形式上的提炼与转换，使其具有抽象的特征。另一种是强调“语言本体的自律”和形式的“自我批判”，即从形式与语言内部的逻辑出发。杨黎明绘画的语言发端于书写，但最终的目的，并不是书写的内容，而是因为书写为形式注入新的意义。
2017-2018书写系列｜2017-2018 Writing Series
150×200cm
布面油画｜Oil on Canvas
2017-2018
对于杨黎明来说，书写的内容实际并不重要，相反它更像是一种日常的，甚至多少有些类似于禅修的行为，如此以来，那些留下的点线痕迹就成为了艺术家自我在场的证明。这是一种独特的个体情感体验，因为书写行为是伴随各种情绪而致的，这也使线条具有了不同的表现力。同样，书写是一种对时间的体验，反复的书写、重画，线条的叠加和掩盖最终会赋予作品一个时间和空间的维度。也正是从这个角度讲，杨黎明的作品本质上不同于西方的抽象绘画，反而更贴近观念性绘画。因为，书写中的过程性、身体性、偶然性为作品形式的生效带来了新的可能。
2020 No.4 W
100×100cm
布面油画｜Oil on Canvas
2020
在中国的文化与认知中，所谓的“相由心生”讲的是主体对内心感受的重视，由此形成“心相”。在批评家廖雯看来，杨黎明绘画的主要特点是他十分强调“内修”，用书写行为来表达内心的体验。事实上，不管是西方还是中国的绘画，不论是抽象还是“写意”，绘画一方面体现为形式、语言、风格、修辞等与视觉相关的要素，另一方面是更深层次的审美、哲学与认识论的问题。譬如，拿西方抽象艺术来说，在第一个发展阶段，所谓“有意味的形式”，强调的主要是艺术家对表象世界的抽离，反映在作品中就是个人化的风格与形式的演绎。但是，只有到第二阶段，即现代主义时期的抽象，语言与形式才不再承担描述性的功能，从而走向精神世界，这在康定斯基的“精神三角形”、马列维奇提出的“至上主义”中可见一斑。因此，对于绘画来说，除了审美主体与客体之外，至少涉及到现实世界、绘画绘画（语言世界）和精神世界三个层面的问题。我们会发现，在第一个阶段的抽象中，绘画更侧重于语言与方法，追求的是对表象世界的反映，而只有进入现代主义阶段，才能真正进入观念与思想的层面。
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2020 No.1 W D=200cm 布面油画｜Oil on Canvas 2020 |
2021 No.5 W D=200cm 布面油画｜Oil on Canvas 2021 |
《2021 No.5 W》作品细节
与此同时，也只有在现代主义阶段，语言才能真正走向独立，走向纯粹。不过，一个新的结果出现了，那就是在现代主义阶段的绘画中，主体与客体彻底走向分裂。实际上，在中国的艺术与哲学思想中，与西方抽象最大的差异，是并不强调主体与客体的分裂，并且，客体因为审美主体的介入才具有意义。比如佛家说，“起心”“动念”，而禅宗追求的最高境界是“见山只是山”，包括近代王国维提出“有我之境”与“无我之境”。反映在艺术创作中，客体与主体、题材与形式、语言与修辞是无法完全分离的。它们不仅不是二元对立的，并且，语言与形式在它们之间搭起了桥梁，承载着二者所形成的张力。
黑灰系列｜Black Grey Series
120×90cm
布面油画｜Oil on Canvas
2011
反映在杨黎明的作品中，亦即是说，语言与形式成为言说“心相”的通道。就黑色与红色系列的创作来说，我们会注意到，画面的视觉审美体验是由平面向空间，由外部现实不断向画面深处层层推进的。绵延不断的书写、形式的层层推进，面对杨黎明的作品，观众感受到的是一个幽深的、神秘的、不可知的艺术世界。因为语言与形式不承载任何描述性的功能，因此，才有可能调和长期横亘在主体与客体之间的鸿沟。于是，书写走向了纯粹，既是语言，也是修辞。形式的演绎，既在生成新的形式，同时也是对先前形式的消解。所谓的“无相”，真正的意义在于让语言直指内心。
2021 No.1 W
200×150cm
布面油画｜Oil on Canvas
2021
在近年的“白色系列”中，杨黎明的绘画又有了新的推进。绘画的语言同样来自书写，而书写也是源于内心的体验，但画面的视觉显现与形式延伸却发生了根本的转变。与原有的黑色、红色系列比较，白色系列是由外向内，由空间向平面展开的。先前作品中那种幽深的、神秘的审美体验变弱了，但画面的媒介物性与触摸感却得到了强化，从而使得那些不断扩展的线条成为了书写的踪迹。另一方面来说，由于艺术家对平面性与媒介物性的强调，书写的延续升华为对形式的蔓延与情感的流动，而形式的蔓延与色层的覆盖也就意味着作品意义的增值。对于观众来说，白色的色域与时隐时现的线条正是进入艺术家绘画世界的一个通道。
杨黎明“无相之象“展览现场，艺·凯旋画廊，北京，2022
实际上，1950年代中后期，当西方现代主义抽象走向巅峰，无法再通过“形式自律”来构建纯粹的精神世界之时，抽象走向了“反抽象”，而形式也走向了“反形式”。但是，由于文化情景与艺术史上下文的差异，对于中国的抽象艺术家来说，是无法做得像美国批评家格林伯格所说的——以形式不断的进行自我批判的方式，来推动西方现代主义绘画向前发展。因为，在中国的艺术家看来，绘画的发展不能交给所谓西方式的美术史逻辑，而是始终离不开主体的情感体验与审美认知。虽然杨黎明的作品具有抽象的外观，但本质上还是属于一种观念性绘画。尽管杨黎明一如既往的追求语言的“纯粹”，但“无相”的“内修”还是留下了视觉意义上的“象”。
2021 No.8 W
100×81cm
布面油画｜Oil on Canvas
2021
早在先秦，古人就提出“圣人立象以尽意”，魏晋时期，“得意忘形”已发展成为艺术创作的一条重要原则。换言之，立足于中国的艺术与文化精神，审美主体的超越，以及对精神与艺术世界的追求，在绘画领域，始终没有离开过“象”与“形”。与西方现代主义抽象主体与客体最终的决裂根本不同，中国艺术家一方面要追求个人化的风格，形成自己的创作方法论，另一方面，要借助绘画语言，在主体与客体之间寻找到一种“间性”，并使其弥散出审美与文化的价值。正是从这个意义上讲，“无相之象”体现出杨黎明如何立足于中国的美学与艺术精神，在当代语言与观念化的表达中，构筑属于自己的一个独特的绘画世界。
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