AOT Q&A：创作、理想与面包（下）

1999年12月16日出生于上海，法国里昂国立美术学院艺术系本科毕业，研究生毕业。

ArtOnTime=A

吴昭亿=W

目前的工作状态（全职艺术家还是有其他事情用业余时间创作？）。

我今年夏天刚刚正式结束在欧洲 6 年的艺术学习，正处在职业生涯的起点阶段。

目前的状态是一边持续旅行，收集生活素材，一边在筹备明年回到上海后的个人创作工作室。我对于近年的规划还是主要专注于创作，因为外环境的不断变化，对于我而言虽然是“回”但其实因为近 7 年时间的“离开”，也算是带着一个新的视角和姿态重新进入。

所以严格来说，我可能是“全职观察者”，重新认识和学习中国的土地与城市的运行系统：公共交通，当地语言，街区里的市场，比较和体验不同的社会公知和规训等等，这种新的错位感是我想仔细体验和抓住的创作契机。

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是否有⽣存和创作的⽭盾，如何⾯对。

我不把生存与创作看成二元对立。生活的局促和限制，其实都构成了创作的土壤。我认为将为生存所做的努力和行动对待为反哺创作的素材，即使是每日重复的劳动，这反而都能使所谓的艺术创作真实，丰富，接地气，并保持张力。

既得保持平衡，又不能放弃记录——这种矛盾是很真实，但同时也是让创作者保持清醒的。

如何制造一场风景，行为，纪录片视频，物件装置 1 个

纪录片视频：10 分钟，2022（城市在地）

周围艺术家朋友的生存状态。

我现在身边的朋友们普遍是年轻的一代，有人已经在做展览；有人在自己创业，在社交媒体上做艺术相关的传媒工作；有人在申请各地的艺术驻地项目，甚至是在申请下一阶段的学习；还有艺术学院毕业后放弃做艺术家去做面包师傅了，（我仍然觉得这并不妨碍多年后还会重新开始创作） —— 听上去五花八门，但我觉得这是一种很动态的生存处境，很多样。

你使用的艺术媒介和专业背景（如与现在的创作媒介无关，是什么契机让您选择这一媒介？）。

在创作中我始终注重图像、文字以及空间感知的关系。我从图像出发，同时让写作的节奏进入其中，用文学性的编排去处理图像，使空间带上节奏与可读性。通过使用摄影、绘画，结合拼贴、装置等方式，把二维图像转化为空间经验。我会通过重叠、反射和制作相应装置结构的手法，让图像获得体积感，成为一种能和观众的身体和视觉感受发生关系的经验开关。对我来说，媒介并不是固定的技法，它们帮助和引导进入一个问题。

额外想要提及的是：文字虽然在我的作品里不可见，却始终存在于背后：我持续性地写作，这种文字间的节奏感与叙事性会通过我对图像和物体的编排体现出来。所以在这个意义上，媒介之间并不是孤立的，而是相互渗透的。我更关心的是我如何通过它们，共同构成一个观看与被观看的关系，如何让观众在空间中感知到共鸣和美感。

我的学习背景有几次惊喜的小转折。从小接受的是国内比较传统的绘画训练，这是最早和图像建立的关系，铅笔，素描，观看外物的方式，再如何将其反馈在纸上。后来在上海戏剧学院附中学习戏剧文学专业，这个意外的高中学习阶段为我打开了另一种视角：通过语言，文字和叙事去进一步理解图像与空间，甚至是戏剧舞台结构中的节奏，起承转合。之后在法国里昂美术学院完整完成了本科与硕士阶段的学习，使我能够在多种媒介之间实验和发展。并且建立了与亚洲社会理念下完全不同的观看视角和当代创作体系。

这些不同的教育经历对我来说每一步都小有惊喜，逐步丰富了我理解艺术的方式，并且塑造了我的人格。让我在今天的创作中能同时关注图像、文字与空间感知的关系。

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什么造就奇妙之境，行为，纪录片视频，物件装置多个

纪录片视频：45 分钟，2022（城市行为）

简单介绍目前的创作系列以及开始的契机。

我最近的创作主要围绕“景观是如何被制造的”这一问题展开。很多时候，我关注的是一种处于转变中的景象，比如修补和建设中的城市，人物工作中的身体，或者自然中水和光的流动。这是源于我不断地移动，出行，停顿，在不同城市间的体验和观察。这些对象往往构成我们生活的背景，却很容易被忽略，所以我想在全球化的语境下提炼出其中共通的部分，希望把这些短暂的、边缘的结构重新拉回到被看见的状态，使其摆脱符号化的观看路径。

这一系列命名为《地图册》，是将在各个城市中不断持续进行的。（比如：《地图册：橙色美人蕉在雷雨前刻》，《地图册：玫粉色公寓幻想》，《地图册：琉璃绿环绕弗朗明戈间歇处》……）

契机并不是来自某一个瞬间，而是长期观察自己的注意力会被生活中哪些事物吸引，我整理相册中的底片，总结出其中不断重复的片段。还有自己长期频繁移动的生活方式，当然还有隐形的积累：从绘画训练对图像的敏感，到戏剧文学中对叙事与身体的理解，再到我日常生活和城市漫步的观察，它们逐渐汇合，构成了我现在的工作路径。

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近期关注的艺术主题。

我刚结束在欧洲的学习，近期开始在墨西哥和台湾旅居。在不断的移动中，我意识到两种经验在脑子和眼睛中的碰撞：一方面，我运用在欧洲教育体系中锻炼形成的视角和思维来观察世界；另一方面，我又清楚地感受到，真实的生活与不同文化不可能被某一种体系完全涵盖。

所以在这样的碰撞中，我的“自我表达”经常处于一种错位的状态，不再是稳定和居中的存在，而是在磨合与吸纳中不断被塑形。这让我开始思考：艺术家是否更应该成为一种通道，使得各种情境与风景能够流通和交汇。（毕竟我所关注的，是景观图像）在这样的目标下，我更希望自己建立一种更加谦逊、包容，同时又充满活力的创作体系，而不是重复或者加强前一阶段的固有认知。

在主题上，我将持续关注不同城市空间中那些常被忽视的基础结构，以及图像和文字之间的关系。文字虽然常常不可见，但写作的节奏与诗意会渗透到图像和空间的编排之中。这种“观看”与“被阅读”之间的交叉，也是我近期创作思考的重点。

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捉迷藏–冰岛十日（其一），图像，附短文诗一篇

35 x 50.4 cm 每张，共8张，2023

一年之内是否有展览计划（如果有请简单介绍一下）。

目前还没有对外公开的展览计划，今年刚结束学业，我计划中先用一段时间去旅行、观察和写作，继续把创作素材和语言积累下来。当然，我同时也在积极和不同的空间、机构交流，筹备新的作品系列。

虽然现在还处在酝酿阶段，但我可以确定的是，在接下来的三年里，我会准备一次个展，同时我也计划把自己的文字整理成一本出版物。这对我来说是一次更完整的呈现，不只是图像和装置作品，也包括文字如何与我的实践相互呼应。

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对于目前的艺术行业持乐观还是悲观态度，你在艺术行业内是否有长期目标。

我对目前的艺术行业是持乐观态度的。我不会用传统刻板的个体成功的标准来判断前景，而是更关注身边年轻人和同行的状态来判断。我看到他们在自主创作，或者在别的领域创业的同时保持创作意识，这说明行动和坚持仍然在发生。

同时，新型的平台和机会也在不断涌现，它们让行业有新的可能性。在我看来，行业的发展并不是陷入困境，而是正在经历一种转变，并不能说与传统的观念和发展轨迹不同，就如临大敌，这种转变反而可能催生出更精彩的创作和新的行业体系。

我的长期目标并不追求自己创作语言的大面积覆盖，而是希望通过我真实的创作方式，去触动、陪伴、甚至给一些人带来解放或安慰。我知道我的语言和作品并不是适合快速消费的，它们需要被慢慢靠近和体会。所以我的受众是愿意停下来，与复杂共处的人。从数量上说也许受众和影响力是小的，但从深度上来说，我相信它会是高浓度的。可能不是一千个点赞，而是一位观众反复想起某个作品的状态。对我来说，这就是一种足够长远的目标——慢慢建立起属于自己的语言方式，让它像地下水一样渗透开，最终和一部分人形成一个独立，坚固，可靠，互相信任的场域。

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风景马戏团，展览现场

1993年出生于浙江杭州，设计师、艺术⼯作者。从事材料研究及综合媒介制造场域，家具、雕塑、装置均有涉猎。

ArtOnTime=A

拉面=L

目前的工作状态（全职艺术家还是有其他事情用业余时间创作？）以及是否有生存和创作的矛盾，如何面对。

是全职。（矛盾是）有的，这两年几乎没有收入。解决办法就是降低物欲然后熬，积蓄力量等待机会。

周围艺术家朋友的生存状态。

能看到动态的发展都蛮好的，展览不断，但收入具体怎么样就不清楚了。全职的可能会有些经济压力，在当高校老师那部分艺术家朋友应该没太大经济压力。也有许多销声匿迹的，不知道是否还在继续创作。

内窥像–01 ，综合材料雕塑⽊⻰⻣、单向镜、荧光灯、五⾦件

160 x 100 x 205 cm，2024

你使用的艺术媒介和专业背景（如与现在的创作媒介无关，是什么契机让您选择这一媒介？）。

我的主要方向是功能性雕塑，在雕塑里添加一些功能性比如家具灯具之类的。我本科学的是环艺，但相比较使用电脑我更喜欢动手做一些东西，自学了一些技能，大学刚毕业接触了树脂这个材料，慢慢地就往材料研究方向走了很远。至于走到现在我觉得不是我自己的选择，而是经历推动我走到这一步的，每次遇到困难似乎都没有其他的解决方式。

简单介绍目前的创作系列以及开始的契机。

目前的创作系列内窥像主要是使用一些廉价建材以及网购的预制配件进行排列组合。这个系列开始的时间节点是24年搬了新的工作室且自己装修完剩下了不少建材的余料，同时积蓄耗空且没有新的收入来源。

当时正好刷到韩国艺术家金允哲在X美术馆的装置大受震撼，多学科融合形成独特语言这是我想要做的艺术。于是内窥像这个系列是我开始融汇自己多年自学的技能且学习实验新技能的练习作，如何使用廉价材料塑造我自己的语言，24年从内窥像1到5，我往里填充新内容也作了删减。

这个系列是我现阶段的练习作品，我觉得这个阶段的自己就是在不断学习新的内容然后自我审视查漏补缺，所以才取了内窥像这个名字。为下一个阶段自己可以将最擅长的材料和新的技能融合出独属于我自己的强烈的风格语言积蓄力量。

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内窥像–02 ，综合材料动态雕塑⽊⻰⻣、物流托盘、单向镜、荧光灯、

转盘、电机、五⾦件，110 x 110 x 225 cm，2024

近期关注的艺术主题。

近两年一直在关注的就是科技与艺术，ARTS IN CERN欧洲核子研究中心的艺术驻地项目产出的艺术成果。

对于目前的艺术行业持乐观还是悲观态度，你在艺术行业内是否有长期目标。

网上各种大画廊关停的消息，包括我自己合作的设计类画廊以及一些朋友合作的画廊都取消了线下空间，大家都在缩衣节食。不一定是坏的结果，也许是到了产业转型升级的时刻。我对纯艺行业没有特别大的目标，这个行业努力不一定会收获结果，所以顺其自然。

内窥像–04 ，综合材料动态雕塑⽊⻰⻣、物流箱、物流托盘、单向镜、荧光灯、转盘、电机、五⾦件，220 x 220 x 65 cm，2024

1996年⽣于浙江温岭，2016年毕业于中央美术学院附中，保送进⼊中央美术学院；2021年毕业于中央美术学院雕塑系第⼀⼯作室；2024年毕业于中央美术学院雕塑系研究⽣。现居北京。

ArtOnTime=A

陈光耀=C

目前的工作状态（全职艺术家还是有其他事情用业余时间创作？）以及是否有生存和创作的矛盾，如何面对。

主业有雕塑教学、家具设计工作、公共雕塑设计，剩余时间用于雕塑艺术创作。（矛盾是）有的，我尽可能以雕塑为核心尝试跨界进行一些创作，目前在拓展纯雕塑以外的形式进行其他与雕塑相关的创作研究（例如家具设计）。

钢琴家，玻璃钢着色，120 x 82 x 36 cm，2020

周围艺术家朋友的生存状态。

雕塑系的同学基本上没有几个在做雕塑了，有些当了中小学美术老师，有些则继续考博，只有绘画系的同学还有不少在继续创作。

简单介绍目前的创作系列以及开始的契机。

在央美上学时候做人做太多了，有点做烦了，想做做动物，毕业后的作品以动物为元素，以拟人化的手法表现当下人们在时代下内心的处境。目前也有很多以自然物为原型的家具作品正在创作中。

野草集，玻璃钢着色，300 x 300 x 300 cm，2021（局部）

一年之内是否有展览计划（如果有请简单介绍一下）。

目前有在上海的群展，年底预计会和合作的家具品牌梵几，会在他们上海的展厅发布我和他们联名设计的产品及我的小个展。

对于目前的艺术行业持乐观还是悲观态度，你在艺术行业内是否有长期目标。

对于在中央美院学习12年专业训练的毕业生来说，我对艺术行业还是挺悲观的，未来10年纯艺术行业为生肯定是不太现实，想要继续生存下去必须脱离舒适圈跨界创作。比如今年我与梵几家具合作的契机，让我看到雕塑家在家具创作中的优势和可能性，未来也会尝试更多家具创作。

下雨了，玻璃钢着色，210 x 210 x 15 cm ，2024

1996年生于甘肃省白银市。2014–2018年中国人民大学艺术学院绘画系，获艺术学学士学位；2018–2021年中央美术学院中国画学院写意人物方向，获艺术专业硕士学位；2023–今西安美术学院，美术学博士研究生在读。

ArtOnTime=A

魏瑶=W

目前的工作状态（全职艺术家还是有其他事情用业余时间创作？）以及是否有生存和创作的矛盾，如何面对。

目前美术学博士在读，创作占据工作大半时间。偶尔会有思想上的焦虑，持续思考和工作是解决方式。

银–孤山，纸本水墨设色，50 x 100 cm，2024

你使用的艺术媒介和专业背景（如与现在的创作媒介无关，是什么契机让您选择这一媒介？）。

主要以纸本水墨设色为主，部分作品包括蜂蜡、光油、墨水等综合材料。

我从本科到现在博士在读都是在中国画学院，兴趣或是机缘的促使，都使我一直沿用了这种创作媒介，我也在这一过程中反复重新认识、掌握和了解水墨，其他综合材料的使用都是我在生活中的发现或尝试，来推进和完整作品。

简单介绍目前的创作系列以及开始的契机。

目前的创作系列是我将之前散乱的东西全部集体归类，是自我的规整。每张画都是在传达一种明确且迷糊的感情，期望就是期望，爱就是爱，或刚毅或柔软，本质是自己营造的一个世界。

一切都开始于一个想法：如果把一切都放置于旷野，以旷野为脚本。

随着认知和年龄的变化，我越想看清父母和爱人的模样，同时也想把它们，把这些感情，都放在旷野上，进而回到先辈的家园。

同时这个创作系列也暗含一场对黄金时代的表达，是对黄金时代的追溯，是对下一个黄金时代的向往，风从过去吹来，也吹向以后。当下时代趋向于均值和扁平，看似弱化“个人”，但同时这个时代越来越重视或复归个体，人对自我价值本身的强调。怎么应对这样的时代呢，我觉得“人要找归宿”，选择旷野还是庇护所，还是一个奇异但又平静的冒险。

在这个创作系列中，我在画一种自然的生命力，在画可以传达平静的当下，在画我心愿中的爱、陪伴和大地。

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金–我们，纸本水墨设色，50 x 89 cm，2025

近期关注的艺术主题。

自然、世界、旷野、时代表达。

对于目前的艺术行业持乐观还是悲观态度，你在艺术行业内是否有长期目标。

难说是乐观或者悲观，因为不管怎样这是我决定要做和从事的事情。万事万物都在永恒的发展变化，从这一角度来看，乐观的态度。简而言之，不断做得更好就是长期目标。

金–风口上的蝴蝶和火焰，纸本水墨设色，69 x 138 cm，2024

2001年出生，硕士毕业于英国皇家艺术学院MRes专业，本科毕业于中国西安美术学院实验艺术系。她常以行为、摄影、影像的方式诗意地探索感官时间与身体相组合的多种可能性。在她的创作中，个人身体的联结感受和自我观照式的体验与漫长绵延的时间感相结合，身份、记忆、感知、痕迹等元素都被刻入慢速而微妙的存在循环之中。

ArtOnTime=A

刘恩希=L

目前的工作状态（全职艺术家还是有其他事情用业余时间创作？）。

我目前以全职艺术家的身份投身于创作实践，同时以撰写评论、参与文本编辑的方式辅助艺术实践的持续推进。这些文字性工作的节奏相对灵活，既为我提供了现实的生存支持，也反哺了我对艺术语言、叙事结构与当代表达的持续敏感度。

你使用的艺术媒介和专业背景（如与现在的创作媒介无关，是什么契机让您选择这一媒介？）。

我的艺术实践主要围绕身体行为与影像艺术展开。专业背景方面，我接受了美院实验艺术本科与艺术人文研究硕士的训练，这使我能在理论与实践之间建立细致的回应关系与深入的探索。

选择身体与影像作为核心媒介，源于我对时间性的持续关注。我的创作源于日常情境中对时间流逝缓慢、绵延、非线性的身体感知体验，日常生活中的慢速行动延伸至漫长绵延的群体感知。身体行为成为我度量和感受这种慢速时间的直接方式，它将内在感知外化为一种可见、可感的在场。而影像，则是我对这一过程的延展与再造。影像是思考身体如何成为时间器官的路径，得以让我将个体的感知经验拓展至对群体、环境与物质世界的沉思，探索意象生成与表达。

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LOOM，行为艺术，三屏影像，16:9，2023

简单介绍目前的创作系列以及开始的契机。

我目前的创作系列为“Drifting into Dunes（漂入沙丘）”，起始于在村落江畔发现的一艘废弃木船。这一发现的契机让我产生了关于物质的存续，修复与消失，时间的痕迹与地貌的记忆等相关的联想。因此我创作了动态影像“Polyphony: 24 Boat（复调：24船）”与双屏行为影像“Drifting into Dunes（漂入沙丘）”。

前者是行为影像的前置章节，讲述水流、船只与离散者的记忆，在二十四分钟的实验影像中，二十四艘船以平行交错的轨迹缓缓驶过江海水线的视野。它们出现、滑行、再度回返，彼此叠加。船的轮廓模糊、沉没、消失，最终只留下漂浮的沙尘与未曾命名的归途。这是一场属于找寻者的复调：归乡者的旅程、离散者的召唤、技术时代中被替代的身份剪影。

而“Drifting into Dunes（漂入沙丘）”则探索旧物的负形与流动的痕迹，它以一艘被遗弃的木船为核心展开：它曾承载人的迁徙，如今腐朽沉静，嵌入江畔沙地，与环境缓慢同化。作品通过连续多日、两个阶段的行为影像，探讨时间与物质的转化、修复与消逝的界限，以及现代技术对存在的重构。身体行为在修复与掩埋之间建立关联，追问时间如何影响物的存续，以及人在其中如何介入、见证并重塑意义。

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近期关注的艺术主题。

我近期的研究焦点聚集于：

慢速影像与绵延感知：极慢时间中唤起身体性、触觉性与记忆的层叠。

自然的天体时间艺术：如水流、月潮、风动等非人工节律的呼应关系。

修复行为与关怀艺术：身体作为修复与关怀的媒介，进行关于转化与持续的行动。

SEEP，行为艺术，三屏影像，16:9，2024

最喜欢的艺术家以及对你创作影响最大的当代艺术家。

弗朗西斯·埃利斯是我最喜欢的艺术家，同时也是对我影响最深的当代艺术家。我在学习初期接触了他的作品。他的创作常以较小的行动贯穿长时段，以微观切入点折射宏观命题，例如在《all in a day’s work( from something to nothing)》中，他不断地推动冰块行走，原本容易消解的物质从有到无的过程；合作行为作品《when faith moves mountions》中，人们徒手铲动沙丘移山的行为，既荒谬又动人，它启发我如何构建看似“无效”的艺术行动，让失败的修复与徒劳的坚持成为艺术的一部分。

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一年之内是否有展览计划（如果有请简单介绍一下）。

我正在准备十月中旬的武汉个展“绵延之流”，展览将呈现我近年来的十组创作，涵盖行为录像、现场表演、动态影像与摄影等多种媒介，这些作品相互交织，共同构建出一个关于时间、记忆与存在的内省空间。同时在十月底，我的作品也将参与上海的“2025 Ambition!青年艺术家作品展”。欢迎大家来观看，也期待能在这个广阔的平台上，与不同文化背景的创作者们进行交流与碰撞。

对于目前的艺术行业持乐观还是悲观态度，你在艺术行业内是否有长期目标。

当前国内外艺术生态正面临着复杂的结构挑战与转型，传统画廊与艺术机构面临观众流失、内容单一等困境。同时，社交媒体算法与AI技术催生的碎片视觉艺术文化挤压着观众的观看感知与深度体验。

但我并不悲观，正因我们身处一个被技术加速、信息过载的时代，人们对于能提供“庇护所”般的艺术体验与深度思考的场域需求反而变得更加迫切。我相信艺术仍能提供异于高速消费逻辑的情感结构，能回应社会中被忽视的缓慢需求与微观经验。我期望未来能在实践中持续构建这类作品，也希望能进入更广阔深层的艺术协作体系中。也许正是在这样的环境转型期，慢速的节奏与沉浸的艺术创作更能够满足观众与艺术潜在的深层需求——艺术行业需要更深层的敲冰声。

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SLUMBERING WITH SEA，行为艺术，双屏影像，16:9，2024

AOT Q&A：创作、理想与面包（下）

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