对话人：
林羽龙，1988年出生于四川，2012年毕业于四川美术学院油画系，2019年毕业于德国卡尔斯鲁厄国立造型艺术学院雷尼∙霍夫曼教授大师班，获硕士学位及大师级文凭，现生活于德国和中国。
张震中，阿那亚艺术中心馆长。
▲展览现场
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张震中（Q）：我发现对你的作品的解读总是在“具象”与“抽象”这两个泛滥的词语之间来回打转，这其实是评论语言的固化和懒惰。你在这次展览前言中总结自己的创作是“不同形式的线条和色彩的嵌套”，你所感兴趣的其实是“形式”的问题。“形式”并不与“具象”或“抽象”有任何绑定性的关联，塞尚的肖像、静物和风景画正是我们常常讨论“形式主义”（formalism）的开端。
▲展览现场
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林羽龙（A）：我探讨的是绘画的基本元素，所以我的绘画是对点线面关系和色彩关系的讨论，是对绘画语言的探索。我认为“画面内”不只是画面内容或图像，画面本身就是主角。很多人在观看绘画作品的时候只看到图像（不是画面），他们试图寻找可辨认的形状（不是形式），试图从个体经验中寻找联系，建立熟悉的叙事。“画面内”的东西则被忽略了，例如点线面、色彩、肌理和材料的质感等。
Q：所以我很喜欢这次展览的标题——“嵌”。它是一个动词，它引导我们去观察“嵌”这个动作的轨迹和痕迹，而不是结果。同时，“嵌”这个词所带有的“穿插”的概念也呼应了画面上波状的曲线，这些被你叫做“褶皱”。第一次看到你的作品时，我联想到仍方兴未艾的“社交网络摄影竞赛”：大家争先恐后地在寻常生活中寻找局部与细节之美，通过放大或清奇的角度模糊物体的原貌。制胜的关键便是：“不能让别人一眼看出我拍的是什么”。但你的画面还是有迹可循，无论是喷泉还是窗帘的意象。你是如何“找到”这些褶皱的呢？
▲林羽龙日常随拍 ©林羽龙
A：最开始其实是很类似的过程，从具象到抽象的过程，并且我个人也很喜欢观察事物的局部和细节。 但是渐渐我发现我所感兴趣的物体、形状之间有一种共性，而这种共性似乎总跟曲线有关。后来我把这种共性凝练成“褶皱”这个概念，再从这个概念出发去创造我需要的画面形象。所以现在所看到的画面形象并不再是直接来源于生活了。另外，从微观的角度来说，所有的物体都是由“褶皱”形成的。自然界也没有绝对的平面，只有大大小小的褶皱。这就是我为自己的创作找到的一个基本元素。
▲林羽龙日常随拍 ©林羽龙
▲展览现场
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▲展览现场
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Q：这次展览也有一些对空间的干预，不过与其将绘画与空间干预分开，我觉得你所有的创作都是空间作品。画布不绷在内框上，让空间延展。在二维画布上探索空间，在三维空间里画画。但其实整个本科你都是绷内框的，是什么时候，出于什么原因突然不绷了？
A：最初的原因是到了德国这样画方便，刚到国外做内框画画是一件投入很高的事情，我对那边的环境也不熟悉，所以就想先直接把布钉在墙上画，等完成之后如果有需要再绷上内框。但是等到再次绷上的时候我就觉得不对了。我认为没有绷上的效果更好，意外的有一种打开了空间的局限的感觉，空间被延展了。就是在这样的“偶然”下决定继续探索下去。我画面的空间探索还有另外一个层面，其实我的色彩都是用层层叠加的方式画上去的，这种叠加也是空间，但更隐性。
▲林羽龙德国工作室 ©林羽龙
Q：这里也有对市场的反叛吗？
A：是的，有的。确实很多藏家、画廊都问我可不可以绷起来，我都是不同意，或起码不建议（因为被买走了我也没办法控制了）。我肯定不是第一个这么做的人，但对很多人而言，这还不是他们面对绘画时会思考的一个问题。还是很惯性地，理所当然地觉得需要绷框才能画画，甚至画完之后需要再装一个外框进行装饰，这样才是一张完整的画。我还是希望能够激起大众对绘画更丰富的理解，挑战一些固有认知。
Q：确实你常常提到公众，你很在意他们如何进入你的作品。今天的大部分艺术家都强调这不是他们创作时考虑的事情，并且作品到了公众面前之后，公众如何解读也与艺术家无关。你为什么在创作过程中就这么在意公众？是因为希望获得认可，还是有某种使命感？
A：简单说：作为艺术家而言，创作确实是我非常个人和真诚的表达。但是作为人而言，我对社会，对公众也确实有关切。我希望能够给他们提供进入作品的通道，并且我很乐于和他们沟通，在展厅里跟他们聊天。
▲展览现场
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Q：你一直觉得跟公众沟通最直接的方式是色彩。
A：对，我觉得色彩是一张绘画作品给人的第一印象，哪怕是一张黑白色的作品。我的色彩的特别之处在于，你所看到的最终呈现的颜色都是一层层透明的颜色叠加之后产生的。这让我的绘画过程中会有几段等待的时间，等待颜色干透去画下一层颜色，等待新的一层颜色叠加之后产生的效果。同时，也是等待一个可能随时会超出预判的结果，叠加时还是有很多的不确定因素，有很多随机的效果产生。这个是我觉得很有意思的地方。我也希望大家能够感受到这份等待与随机性，慢慢去寻找画面的细节，慢慢沉浸其中去感受。当然，这整个的创作过程其实也是一种时间的表达，不仅是等待的时间，每一层颜色也代表了一个时间的截点和纪录。
▲展览现场
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Q：这样就把时间带入了空间，这样的尝试是如何开始的？
A：我在德国求学的时候做过一个实验性的项目。我当时学校的所在城市拥有全德最长的年平均日照时间。一大早去到工作室之后，我发现在工作室中一直在移动的物体只有我自己和透过窗户的阳光。工作室的隔壁是一座教堂，每隔十五分钟会有一次敲钟。因此伴随我和阳光移动的还有时间。我的这个作品就是每当教堂钟响的时候我就用黑色把光斑涂抹标记， 阳光的斑纹沿着空间在走，就留下一连串涂黑、重叠的路径。这个可能是最早让我想到用色彩去标记时间的一个尝试。
▲林羽龙德国工作室实验项目 ©林羽龙
Q：这次很欣喜地有看到一些新的方向，一些画面中的线条比之前变得更有跳跃感，洋溢着完全不同的情绪。这跟你最近的生活状态或心情有关吗？
▲展览现场
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A：没什么关系。我并不是靠情绪来激发创作的人，相反可能稳定的情绪更有利于我的创作。其实依然还是对绘画语言持续的研究。只是加入了更多的直线，好像把画面绷住了一样。算是强迫自己走出熟悉的状态，让画面呈现不同的变化。
▲林羽龙日常随拍 ©林羽龙
▲展览现场
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